Lía Rodrigues, Daniel Abreu, Isabel de Naverán, Bachar Mar-Khalifé y Luna Miguel, en abril, en Condeduque

Asimismo, este mes habrá un diálogo de pensamiento que tratará El espacio en blanco: placer y descubrimiento del cuerpo de las mujeres, con la periodista, escritora y divulgadora sobre salud sexual Celia Blanco acompañada por la ginecóloga Miriam Al Abid Mendiri, la historiadora de arte María Bastarós y la escritora Anna Freixas; dos proyecciones de cine: Under The Fig Trees de Erige Sehiri y Don Juan de Serge Bozon y se inaugurará la exposiciónOcéano mar.

Lía Rodrigues_Fùria (22 y 23 de abril. Artes escénicas)

«En la favela la gente ha aprendido a reinventarse cada día, a decir que sí cuando la vida no deja de decirles que no. La solución a los problemas de nuestra sociedad puede venir de la periferia». La que declara es Lía Rodrigues, una artista de Brasil, una privilegiada si se la compara con cualquiera de las 170.000 personas que viven en Maré, un intrincado y laberíntico complejo de chabolas con la densidad poblacional de una ciudad, que conforma una de las favelas más grandes, más complejas y peligrosas de Río de Janeiro. Pero dentro del grupo de los privilegiados, ella es única. No solamente por la conciencia, sino por la voluntad y necesidad auténtica de hacer de la danza un camino expresivo, constructivo y liberador para la gente de este complicado lugar.

Allí instaló la sede de su compañía en 2004. En 2009 fundó el Centro de Artes Maré y en el 2011 arrancó su Escuela de Danza, que mantiene hasta 350 alumnos aprendiendo a bailar. Pero en los años ochenta del siglo pasado, Rodrigues estaba muy lejos de la favela, viviendo experiencias intensas en el París cosmopolita, donde se integró al elenco del clásico May B, de Maguy Marin, pionera la nouvelle danse francesa, que ha sido inspiración hasta hoy. A su vuelta a Río, fundó Panorama, en 1992, que sigue siendo el festival de danza más importante del país. Pero, en lo personal, su labor más relevante es la de su compañía.

Con ellos (más de la mitad son residentes de Maré) ha creado un catálogo de coreografías relevantes, que le han servido para edificar una estética y un modo escénico sustentado en la supervivencia y la emergencia, que saca belleza de los elementos de desecho que usa como escenografía y atrezzo en sus producciones. Fúria es ejemplar de su lenguaje.

Daniel Abreu__Dalet(DA) (28 y 29 de abril. Artes escénicas)

Dalet es la cuarta letra del alfabeto hebreo. También representa el número cuatro y significa puerta. En un sentido simbólico, alude al paso de un lugar a otro distinto al que nos encontramos, que puede conducirnos a algo bueno, malo, mejor o peor en relación a la situación actual. En consecuencia, simboliza el cambio. Pero desde ahora, Dalet es también la nueva coreografía del creador tinerfeño Daniel Abreu, quien la equipara a un símil de las etapas de la vida, esas que van pasando del nacimiento al crecimiento, a la adolescencia, a la vida adulta, la senectud, la muerte… «La presencia de Dalet, asegura, nos invita a cambiar de lugar, de mundo».

Isabel de Naverán_Envoltura, historia y síncope(29 de abril. Artes escénicas-día de la danza)

Envoltura, historia y síncope es el nombre de una zona de investigación de largo aliento que Isabel de Naverán desarrolla desde 2016 en torno a la relación de los cuerpos con la gran Historia y a las historias llamadas menores de los gestos y movimientos en danza.

Envoltura, historia y síncope es también un libro –publicado en la colección Letra Caniche de la editorial Caniche– que adopta la forma de conferencia performativa en la que los contenidos e imágenes que acompañan el proyecto y que están presentes en el libro, se despliegan haciendo lugar a una situación de conexión en vivo de las imágenes, las palabras y los gestos. La conferencia performativa ofrece un acceso a la investigación desde la práctica de las vinculaciones sensibles del material documental, de las anécdotas, observaciones, uniones y quiebros de los cuerpos e imágenes estudiados. Se trata de una acción que entreteje contenido y forma, revelando cómo la producción de conocimiento siempre se da en un lugar necesariamente situado y condicionado por sus materialidades intelectuales y sensibles.

Festival Relevo (14 y 15 de abril. Música)

Relevo es un festival que busca ser eco del siempre efervescente panorama artístico nacional, un espacio donde imaginar el futuro de la música ofreciendo una ventana para el desarrollo y el descubrimiento de nuevo talento. Durante dos jornadas, el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque acogerá una programación ecléctica y estimulante, con músicos noveles, cuyos nombres apenas están en el umbral del runrún de la industria musical, aunque en círculos muy cerrados y especializados están generando una merecida expectación, pero henchidos de talento. Relevo también es un espacio para el intercambio de ideas, un muestrario de nuevas propuestas creativas, donde artistas consolidados proporcionan herramientas a los jóvenes valores. Paralelamente, el festival también cuenta con una programación de conversaciones entre profesionales de las industrias creativas y expertos en otros ámbitos relacionados. Pasado. Presente. Relevo.

Bachar Mar-Khalifé_On/off  (28 de abril. Música)

Bachar Mar-Khalifé continua la tradición de orfebres de la melodía de la cultura árabe. Nacido en el Líbano en 1983, pero residente en París desde los seis años, este joven talento de la música sin fronteras se mueve por un instinto atravesado por la belleza, por la poesía de una cultura centenaria que, en su teclado, descubre nuevas formas de vida hasta el punto de abrirle un futuro donde la emoción se revindica desnuda, sin etiquetas.

Cantante, compositor y virtuoso del laúd, este prodigioso pianista se formó en el Conservatorio Nacional de Música y Danza de París con su hermano Rami Khalifé para después publicar su primer álbum, Oil Slick, una auténtica declaración de intenciones que le llevó diez años en crear. Tras posteriores discos y colaboraciones con formaciones como la Orquesta Nacional de Francia y el Ensemble Intercontemporain, y artistas tan diversos como Bojan Z, Carl Craig, Francesco Tristano, Murcof, Kery James, Chapelier Fou, Christophe o el trío K / D / M., Mar-Khalifé estrena en Madrid su quinto disco, On/Off, grabado en su casa familiar en el norte de Beirut.

Luna Miguel_La muerte de la lectora (25 de abril. Palabra)

Luna Miguel, o en este caso, la lectora, volverá a subirse en abril de 2023 a un escenario configurado por la artista plástica Paola de Diego, en el que intentará batir su propio récord de lectura, dejándose mirar por los espectadores durante más de 48 horas, en una sesión de leer y de leer sin apenas pausa para alimentarse o para descansar, sin posibilidad de interactuación con otro ser que no esté hecho de páginas. Sentada en un pupitre, deberá devorar todo aquello de cuanto sus ojos puedan alimentarse. No se trata de presenciar la gesta de qué rápido lee esa niña, ni tampoco de cuánto le cuesta pasar el ecuador de Anna Karenina, o de El libro de Genji, o de Los recuerdos del porvenir. De nuevo en palabras de Valdés, se trata más bien de contemplar cómo «la literatura se vuelve literal cuando atraviesa nuestro cuerpo». ¿Morirá la Lectora? ¿Aguantará el dolor del reto autoimpuesto? ¿Será más llevadera la hazaña si a su alrededor todos leen? ¿Si desde las butacas otros cuerpos emprenden el mismo viaje? ¿Si quienes normalmente leían a La Lectora ahora son los que le regalan otros textos con los que distraerse o despejarse durante las tediosas horas restantes?

El espacio en blanco: placer y descubrimiento del cuerpo de las mujeres (18 de abril. Pensamiento)

Aunque omnipresente en nuestra cultura gracias a las industrias pornográfica, médica, publicitaria y de los juguetes sexuales, el órgano genital femenino sigue siendo un desconocido para muchos hombres e, incluso, para algunas mujeres. En esta conversación, tres voces autorizadas de tres generaciones sucesivas de mujeres, artistas e investigadoras nos llevan de regreso al «origen del mundo» para descubrir la anatomía y el placer de un cuerpo de las mujeres que sigue siendo definido como un cuerpo masculino «mutilado» o «insuficiente». Un enorme «espacio en blanco» en el que confluyen la cultura, la religión, la economía, el poder y las prácticas políticas y artísticas que en las últimas décadas lo han convertido en un territorio a conquistar. Contará con la participación de la periodista, escritora y divulgadora sobre salud sexual Celia Blanco acompañada por la ginecóloga Miriam Al Abid Mendiri, la historiadora de arte María Bastarós y la escritora Anna Freixas.

Under The Figg Trees_Erige Sehiri (12 de abril. Cine)

Para las jóvenes trabajadoras agrícolas, las largas jornadas de trabajo en el campo son una forma de ayudar a sus familias, de estar juntas y de escapar de la monotonía de la vida rural. Siempre encuentran la manera de divertirse, a veces a costa de los demás, especialmente de los trabajadores de más edad. El huerto de higos se convierte en un teatro de emociones, donde se juegan las relaciones con el trabajo, el amor, la amistad y la tierra. Erige Sehiri es una directora y productora franco-tunecina. Con su propia productora, Henia Production, ha desarrollado documentales de autor distinguidos en festivales como Visions du Réel, IDFA o Cinemed. En 2021 escribió, dirigió y produjo su primer largometraje de ficción, Under the Fig Trees, que ganó varios premios de postproducción en el Festival Internacional de Cine de Venecia. A continuación, entró en la selección de la 54ª Quincena de los Realizadores del Festival Cannes 2022.

Don Juan_Serge Bozon (19 de abril. Cine)

Abandonado el día de su boda, Laurent, un actor de teatro que interpreta el papel del famoso seductor Don Juan, no puede evitar ver a su exprometida en todas las mujeres que conoce. En un intento de reparar su corazón roto y su ego, intenta seducirlas a todas, pero ninguna es receptiva a sus elaborados (y musicales) avances. Mientras tanto, en el teatro, la actriz principal renuncia y la producción incorpora a la exprometida de Laurent como sustituta.

Serge Bozon es, además de director, también conocido por su faceta como actor, habiendo trabajado para autores como Jean-Paul Civeyrac, Judith Cahen o Cédric Kahn. Dirigió varios cortometrajes y, en 1998, se dio a conocer con su primer largometraje: L’Amitié. Tras un lapso de cuatro años, Bozon regresó escribiendo y dirigiendo La France, una original aproximación a la Primera Guerra Mundial. Galardonada con el Premio Jean Vigo en mayo de 2007, también fue presentada en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes 2007. Además, en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes, obtuvo el premio a la mejor película gracias a Tip Top, el año 2013.

Océano Mar (del 26 de abril al 23 de julio. Arte)

Organizada por MadBlue Summit Océano mar recoge el título de la novela homónima de Alessandro Baricco, una obra en la que proliferan ecos y alusiones, invenciones y descubrimientos. Por un lado, un pintor que busca el inicio del mar para poder retratarlo. Por otro, una mujer que espera que el mar la cure de amar demasiado o un cura que evita el mar o un hombre misterioso que ha regresado del mar. En la novela, si el mar es el tema, el océano es la desmesura, un lugar donde todos acaban acudiendo, un lugar indecible donde el tiempo desaparece. El mar y el océano pueden cambiar nuestra manera de entender el mundo, pero también debemos cambiar nosotros la manera de entender el océano y el mar. Como en la novela, las historias de esta exposición funcionan como breves pinceladas, poéticas y conceptuales, exigentes y evocadoras, todas unidas por su atracción hacia el mar. “Si Baricco en su novela pretende «decir el mar», esta exposición trata de «expresarlo» adentrándonos en sus complejidades y sus misterios”, afirma su comisario Iñaki Martínez Antelo.

Antonio Fernández Alvira_Memoria de forma (28 de enero al 10 de abril. Arte-instalación)

La “ausencia de memoria de forma” remite a ciertos elementos, como los fluidos, que necesitan de un contenedor físico que los albergue para poder ser almacenados. Es decir, los fluidos toman la forma del recipiente que los contiene, sin que existan fuerzas de recuperación elástica como en los sólidos. Debido a su separación molecular, los fluidos no poseen una forma definida, y se deforman continuamente (fluyen) bajo la aplicación de una tensión tangencial, por muy pequeña que sea.

El conjunto de trabajos de esta instalación parte de los recipientes que tradicionalmente han servido para albergar y transportar fluidos, como ánforas, vasijas, jarrones, jarras, vasos, cuencos, etc. Para ello se han estudiado sus formas y materiales mediante ejercicios de descomposición y fragmentación, trabajando con dichos recipientes en su elaboración en fresco junto a un alfarero. Este alfarero es el último de una larga saga de alfareros de un pequeño pueblo de la provincia de Huesca, de la comarca de donde proviene la familia del artista, Antonio Fernández Alvira: “he pretendido también trabajar con el entorno de donde provengo, y que a mí me ha ido construyendo y dado mi forma”.

Pan y circo (Hasta el próximo 16 de abril de 2023. Arte-exposición)

La exposición colectiva cuenta con la participación de Greta Alfaro, Saelia Aparicio, Rosalía Banet, Basurama, Luna Bengoechea, Bene Bergado, Tania Blanco, Marta Fernández Calvo, Peter Foldes, Manuel Franquelo, Ángel Marcos, Antoni Miralda, Asunción Molinos Gordo, Santiago Morilla, Estibaliz Sádaba, Carles Tarrassó y Winkler + Noah, y está comisariada por Alicia Ventura. «Pan y circo», frase popular que tiene su origen en la locución latina panem et circenses (pan y espectáculos de circo) proviene de la «Sátira X» del poeta romano Juvenal, en  la que alude a la práctica política de ofrecer comida barata y entretenimiento al pueblo como estrategia para controlarlo y silenciarlo.

Zoom in / Zoom out (14 de marzo, 13 de abril y 17 de mayo. Arte)

Este año “Los artistas y su palabra”, organizado por Arte Madrid y Condeduque, bajo el título “Zoom in, zoom out” y comisariado por Marta Ramos-Yzquierdo, propone acercarse a la producción de diferentes creadores contemporáneos siguiendo esta misma lógica aplicada a un trabajo. En cada una de las sesiones los artistas invitados analizarán una obra durante 30 minutos, desde el más pequeño detalle de su producción a la relación de su práctica dentro del contexto social en la que se insiere. 

Tres ensayos de paisaje de Lys Villalba Rubio y Lluís Alexandre Casanovas Blanco (del 22 de febrero al 31 de diciembre de 2023. Arte-instalación)

La instalación artística Tres ensayos de paisaje investiga el impacto de las nuevas condiciones climáticas en la configuración de lo público: desde el rol de la vegetación, el confort ambiental y el consumo energético, a los mecanismos de inclusividad, las relaciones intergeneracionales y otros modos de sociabilidad. Este proyecto, un ejercicio de prototipado cuyas experiencias pueden también aplicarse a otros lugares de la ciudad, huye de visiones preestablecidas sobre lo que constituye un espacio público, sugiriendo alternativas para construirlo colectivamente.

(RE)vuelta al patio (Hasta junio de 2023. Mediación)

(RE)vuelta al patio muta en esta tercera edición para poner en el centro de su proyecto el patio de Condeduque y el juego. El juego como un espacio de experimentación, aprendizaje e investigación donde el mundo se pone entre paréntesis y, simultáneamente, en el que el mundo se discute, se agita y se reelabora. Esta edición pretende contestar preguntas tales como: ¿a qué juegan las familias? o ¿Cómo han variado los juegos?