Condeduque ofrecerá entre abril y junio un total de siete obras de artes escénicas, nueve conciertos y cinco propuestas de arte

Artes Escénicas

Lía Rodrigues_Furia (22 y 23 de abril. Artes escénicas)

En Río de Janeiro instaló Lía Rodrigues la sede de su compañía en 2004. En 2009 fundó el Centro de Artes Maré y en el 2011 arrancó su Escuela de Danza, que mantiene hasta 350 alumnos aprendiendo a bailar. Pero en los años ochenta del siglo pasado, Rodrigues estaba muy lejos de la favela, viviendo experiencias intensas en el París cosmopolita, donde se integró al elenco del clásico May B, de Maguy Marin, pionera la nouvelle danse francesa, que ha sido inspiración hasta hoy. A su vuelta a Río, fundó Panorama, en 1992, que sigue siendo el festival de danza más importante del país. Pero, en lo personal, su labor más relevante es la de su compañía.

Con ellos (más de la mitad son residentes de Maré) ha creado un catálogo de coreografías relevantes, que le han servido para edificar una estética y un modo escénico sustentado en la supervivencia y la emergencia, que saca belleza de los elementos de desecho que usa como escenografía y atrezzo en sus producciones. Fúria es ejemplar de su lenguaje.

Daniel Abreu__Dalet(DA)(28 y 29 de abril. Artes escénicas)

Dalet es la cuarta letra del alfabeto hebreo. También representa el número cuatro y significa puerta. En un sentido simbólico, alude al paso de un lugar a otro distinto al que nos encontramos, que puede conducirnos a algo bueno, malo, mejor o peor en relación a la situación actual. En consecuencia, simboliza el cambio. Pero desde ahora, Dalet es también la nueva coreografía del creador tinerfeño Daniel Abreu, quien la equipara a un símil de las etapas de la vida, esas que van pasando del nacimiento al crecimiento, a la adolescencia, a la vida adulta, la senectud, la muerte… «La presencia de Dalet, asegura, nos invita a cambiar de lugar, de mundo».

Isabel de Naverán_Envoltura, historia y síncope (29 abril. Artes escénicas-día de la danza)

Envoltura, historia y síncope es el nombre de una zona de investigación de largo aliento que Isabel de Naverán desarrolla desde 2016 en torno a la relación de los cuerpos con la gran Historia y a las historias llamadas menores de los gestos y movimientos en danza. Es también un libro –publicado en la colección Letra Caniche de la editorial Caniche– que adopta la forma de conferencia performativa en la que los contenidos e imágenes que acompañan el proyecto y que están presentes en el libro, se despliegan haciendo lugar a una situación de conexión en vivo de las imágenes, las palabras y los gestos. La conferencia performativa ofrece un acceso a la investigación desde la práctica de las vinculaciones sensibles del material documental, de las anécdotas, observaciones, uniones y quiebros de los cuerpos e imágenes estudiados. Se trata de una acción que entreteje contenido y forma, revelando cómo la producción de conocimiento siempre se da en un lugar necesariamente situado y condicionado por sus materialidades intelectuales y sensibles.

Javiera de la Fuente_Envioletá(4 de mayo. Artes escénicas)

Envioletá es un proyecto híbrido que pretende pensar, escribir y decir, danzar o mover, subvertir y entonar parte del legado poético, sonoro y performativo de la cantora chilena Violeta Parra. Nos valemos de una etapa oculta e iniciática en que la Violeta, ahora sinónimo de chilenidad, se sumergiera en el mundo de la canción popular andaluza, el «género español» que recorriera Latinoamérica en los 40 y 50. Decimos que Envioletá es una serie de estados de contradicción, una forma de hacer y de estar que bebe y se aloja en Violeta Parra y el flamenco, indistintamente, y en el quehacer chileno y flamenco de Javiera de la Fuente. Desde ahí un nuevo cuerpo, un cuerpo itinerante y paradójico que se remueve, la promesa de una danza que es muchas danzas y ninguna, cuerpos y relatos afectados y movidos entre aquí y allá.

Ça Marche_Los figuranrtes. Un retrato poliédrico de la imagen de la infancia (6 mayo. Artes escénicas)

Los figurantes es una máquina de observar. Reproduce los filtros de una mirada adulta que, invariablemente sesgada por la culpa y el deseo, se dirige a la infancia como al más proyectivo, al más delirante y finalmente al más enigmático —quizás el más oscuro— de los espectáculos. De esta ficción amorosa en la que todo un público de adultos anhela reconocerse, los niños solo son figurantes: son en cambio ogros y hombres del saco, aquí, quienes desde la oscuridad deletrean signos, descodifican indicios, fabrican presagios; son ellos los protagonistas, los intérpretes, los profanadores; son ellos quienes expugnan la tautología de la infancia.

Jérôme Bel_Gala (20 y 21 de mayo. Artes escénicas)

Al inicio de Gala, Bel nos presenta una serie larga de diapositivas que nos muestran escenarios vacíos. Desde abigarrados escenarios de grandes casas de ópera a sencillos tablaos de teatros de barrio. La insistencia en presentarlos vacíos nos empuja de forma automática a lo que quiere, que es que nos hagamos la gran pregunta. ¿Quién puede habitarlos? ¿Quién tiene permiso para acceder y quién no? ¿Qué significa la representación escénica? ¿Qué es lo distintivo que tiene un artista: la técnica, la belleza, el peso, el color?…

Celso Giménez_Las niñas zombie (del 1 al 11 de junio. Artes escénicas)

Condeduque produce la primera pieza de Celso Giménez como creador en solitario, al margen de su trabajo como miembro de La Tristura y de otras colaboraciones como las que ha realizado con La Veronal, El conde de Torrefiel o Mucha Muchacha. Esta pieza, sin embargo, no está lejos de los presupuestos temáticas y formales de obras como Renacimiento o CINE, de La Tristura, pues como en ellas, la voluntad aquí es abordar episodios de nuestra historia política reciente proponiendo una profunda investigación del lenguaje escénico, en busca de los puntos que conectan íntimamente el presente pero alejándose de las estéticas tradicionalmente asociadas a estas cuestiones.

Música

Aziza Grahim_Nomada Blues (24 de marzo. Música)

Aziza Brahim es una cantante y percusionista saharaui, nacida y crecida en los campamentos de refugiados saharauis de Tinduf, Argelia. La artista propone un recorrido por buena parte de su repertorio original, canciones de resistencia y exilio que parten de la tradición de El Haul, la música del Sáhara Occidental, para conocer otros ritmos africanos, ibéricos, europeos y globales a la búsqueda de un sonido propio que equilibre la tradición y la modernidad y que conecte las músicas del desierto con las de las grandes ciudades.

Festival Relevo (14, 15 y 16 de abril. Música)

Relevo es un festival que busca ser eco del siempre efervescente panorama artístico nacional, un espacio donde imaginar el futuro de la música ofreciendo una ventana para el desarrollo y el descubrimiento de nuevo talento. Durante dos jornadas, Condeduque acogerá una programación ecléctica y estimulante, con músicos noveles, cuyos nombres apenas están en el umbral del runrún de la industria musical, aunque en círculos muy cerrados y especializados están generando una merecida expectación, pero henchidos de talento. Relevo también es un espacio para el intercambio de ideas, un muestrario de nuevas propuestas creativas, donde artistas consolidados proporcionan herramientas a los jóvenes valores. Paralelamente, el festival también cuenta con una programación de conversaciones entre profesionales de las industrias creativas y expertos en otros ámbitos relacionados. Pasado. Presente. Relevo.

Bachar Markhalifé_On/off (28 de abril. Música)

Bachar Mar-Khalifé continua la tradición de orfebres de la melodía de la cultura árabe. Nacido en el Líbano en 1983, pero residente en París desde los seis años, este joven talento de la música sin fronteras se mueve por un instinto atravesado por la belleza, por la poesía de una cultura centenaria que, en su teclado, descubre nuevas formas de vida hasta el punto de abrirle un futuro donde la emoción se revindica desnuda, sin etiquetas. Cantante, compositor y virtuoso del laúd, este prodigioso pianista se formó en el Conservatorio Nacional de Música y Danza de París con su hermano Rami Khalifé para después publicar su primer álbum, Oil Slick, una auténtica declaración de intenciones que le llevó diez años en crear. Tras posteriores discos y colaboraciones con formaciones como la Orquesta Nacional de Francia y el Ensemble Intercontemporain, y artistas tan diversos como Bojan Z, Carl Craig, Francesco Tristano, Murcof, Kery James, Chapelier Fou, Christophe o el trío K / D / M., Bachar estrena en Madrid su quinto disco, On/Off, grabado en su casa familiar en el norte de Beirut.

Yeli Yeli (11 de mayo. Música)

Igual que el ritual del pañuelo que da nombre al proyecto —Yeli Yeli— para comprobar que las gitanas llegan vírgenes al matrimonio, hace referencia a los cantes de alboreá. Romero y Da Linha llegan vírgenes al espacio de creación, inocentes e ingenuos, sin saber qué va a ocurrir, sin ningún tipo de prejuicios, sin miedo alguno al saber que no han manchado el pañuelo porque han sido violadas y que son impuras porque quizás, en el proceso, ya cayeron en la deshonra.

En este caso el cante tradicional con el que trabaja Álvaro Romero se emplea como herramienta crítica de pensamiento, haciendo de las letras un espejo en el que el público puede mirarse y verse los lunares, las arrugas propias de la edad o las cicatrices de viejas heridas. Romero lanza preguntas al aire como si fueran «oles» escritos en lenguaje matemático y, sin detener su cante ni un solo momento, da claves para construir un relato sobre quiénes somos y sobre quiénes hemos sido. De este modo, la escena se convierte en un jardín en el que florecen cuestiones sobre la memoria histórica, la identidad colectiva, los roles de género o la violencia machista.

Toundra y Manu Brabo_Ukraína  (24 y 25 de mayo. Música)

Manu Brabo y Esteban Girón, dos artistas asturianos se conocieron hace relativamente poco. Manu era fan de Toundra. Esteban era fan de Manu. Uno siempre quiso ser rockero. Otro quería ser periodista de guerra en su adolescencia. Cuando se conocieron, a los pocos minutos se forjó una relación de amistad sincera, basada en el cariño sincero y una profunda y mutua admiración. Cuando Manu se va a la guerra, deja a sus amigos de Toundra preocupados y expectantes a ver qué nuevas genialidades pueden ver en el trabajo del famoso sportinguista. Cuando Toundra saca nueva música, Manu siempre les manda un mensaje de «me parece increíble, como siempre». Ahora, en medio de la guerra de Ucrania, Manu les manda material con el que la banda puede inspirarse y aplicar las tensiones propias de su música al reflejo de la mayor de las atrocidades: la guerra.

Los Voluble_Flamenco Is Not A Crime + Jaleo Is A Crime (26 de mayo. Música)

Flamenco is not a crime y JALEO IS A CRIME son dos acercamientos desde la remezcla, la cultura crítica y el live cinema propiciados por Los Voluble para aproximar dos géneros como la electrónica y el flamenco. Puntos de unión que se consolidan a través de la experiencia visual que consiguen generar utilizando la pantalla como un instrumento más. La improvisación flamenca o la pureza de la electrónica se remezclan en vivo en esta doble sesión. Los Voluble dan rienda suelta a dos propuestas que terminan de componer un discurso plagado de referencias, capas y matices.

La chica_La Loba (27 de mayo. Música)

Sophie Fustec, más conocida como La Chica, creadora de ambientes únicos, es capaz de transformar la música urbana en un ritual chamánico. En sus directos, llenos de fuerza y simbolismo, se nos descubre una artista curtida en los escenarios que nos ofrece una propuesta visual tremendamente estética, colorida y atractiva. Sus letras están cargadas de la poesía callejera más cruda y son fusionadas con las rítmicas más elegantes. La Chica destila empoderamiento, saber hacer y una sinceridad abrumadora cuando interpreta sus canciones. En sus espectáculos, tradición y modernidad se dan la mano para transportarnos a ese mundo minimalista, pero cargado de significado que nos propone La Chica. En su último álbum, titulado La Loba y publicado en 2020, sus composiciones exploran temas tan dispares, pero a la vez tan relacionados como la delicadeza y lo primitivo del ser humano, la muerte, la desconexión con la naturaleza o la represión del poder de las mujeres a lo largo de la historia.

Onipa_Tapes Of Utopia (2 de junio. Música)

Onipa es un proyecto afrofuturista de Ghana/Londres fundado en 2018 por K.O.G (fundador de K.O.G y Zongo Brigade) y Tom Excell (fundador de Nubiyan Twist). Junto a sus compañeros de banda Finn Booth (Nubiyan Twist) y Wonky Logic (Steam Down). Desde su actuación de debut en el festival The Great Escape, han actuado en otros importantes certámenes del Reino Unido y Europa, incluidos Glastonbury (Truth Stage), Shambala (Dance Tent), Fellabration (Paradiso, Ámsterdam) y espectáculos inolvidables en Zanzíbar y La Reunión en 2020. También fueron invitados por África Express a actuar en Australia para la celebración del centenario de Nelson Mandela, así como en The Circus de Damon Albarn en Leyton, Londres.

Caterina Barbieri_Spirit Exit_Soundset Series_Día Europeo de la Música (24 de junio. Música)

La compositora y música italiana Caterina Barbieri se ha convertido en una de las referentes de la música electrónica contemporánea, es considerada una virtuosa en la creación con sintetizadores modulares, con los que crea piezas elegantes y extáticamente intensas que son de una belleza universal. Atemporales y místicas, abren referencias a la música sacra y son cósmicas e íntimas al mismo tiempo. Conceptualmente también profundizan, girando en torno a temas como la cibercultura y el posthumanismo. Su investigación actual está centrada en la respuesta cognitiva entre el ser humano y la tecnología, poniendo el foco en el uso creativo de la composición digital y las secuencias complejas que desatan alucinaciones de tiempo y espacio, a menudo explorando estados alterados de consciencia que inducen al trance.

Spirit Exit es el último trabajo que Barbieri ha lanzado al mercado, cuya puesta en escena se ha convertido en la experiencia audiovisual inmersiva más excitante de los últimos tiempos en la electrónica de vanguardia.

Arte

Antonio Fernández Alvira_Memoria de forma (28 de enero al 10 de abril. Arte-instalación)

La “ausencia de memoria de forma” remite a ciertos elementos, como los fluidos, que necesitan de un contenedor físico que los albergue para poder ser almacenados. Es decir, los fluidos toman la forma del recipiente que los contiene, sin que existan fuerzas de recuperación elástica como en los sólidos. Debido a su separación molecular, los fluidos no poseen una forma definida, y se deforman continuamente (fluyen) bajo la aplicación de una tensión tangencial, por muy pequeña que sea.

El conjunto de trabajos de esta instalación parte de los recipientes que tradicionalmente han servido para albergar y transportar fluidos, como ánforas, vasijas, jarrones, jarras, vasos, cuencos, etc. Para ello se han estudiado sus formas y materiales mediante ejercicios de descomposición y fragmentación, trabajando con dichos recipientes en su elaboración en fresco junto a un alfarero. Este alfarero es el último de una larga saga de alfareros de un pequeño pueblo de Huesca, de la comarca de donde proviene la familia del artista, Antonio Fernández Alvira: “he pretendido también trabajar con el entorno de donde provengo, y que a mí me ha ido construyendo y dado mi forma”.

Pan y circo (Hasta el próximo 16 de abril de 2023. Arte-exposición)

La exposición colectiva cuenta con la participación de Greta Alfaro, Saelia Aparicio, Rosalía Banet, Basurama, Luna Bengoechea, Bene Bergado, Tania Blanco, Marta Fernández Calvo, Peter Foldes, Manuel Franquelo, Ángel Marcos, Antoni Miralda, Asunción Molinos Gordo, Santiago Morilla, Estibaliz Sádaba, Carles Tarrassó y Winkler + Noah, y está comisariada por Alicia Ventura.

«Pan y circo», frase popular que tiene su origen en la locución latina panem et circenses (pan y espectáculos de circo) proviene de la «Sátira X» del poeta romano Juvenal, en la que alude a la práctica política de ofrecer comida barata y entretenimiento al pueblo como estrategia para controlarlo y silenciarlo.

Zoom in / Zoom out (13 de abril y 17 de mayo. Arte)

Este año “Los artistas y su palabra”, organizado conjuntamente por Arte Madrid y el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, bajo el título “Zoom in, zoom out” y comisariado por Marta Ramos-Yzquierdo, propone acercarse a la producción de diferentes creadores contemporáneos siguiendo esta misma lógica aplicada a un trabajo. En cada una de las sesiones los artistas invitados analizarán una obra durante 30 minutos, desde el más pequeño detalle de su producción a la relación de su práctica dentro del contexto social en la que se insiere. 

Océano Mar (del 26 de abril al 23 de julio. Arte)

Organizada por MadBlue Summit «Océano mar» recoge el título de la novela homónima de Alessandro Baricco, una obra en la que proliferan ecos y alusiones, invenciones y descubrimientos. Por un lado, un pintor que busca el inicio del mar para poder retratarlo. Por otro, una mujer que espera que el mar la cure de amar demasiado o un cura que evita el mar o un hombre misterioso que ha regresado del mar. En la novela, si el mar es el tema, el océano es la desmesura, un lugar donde todos acaban acudiendo, un lugar indecible donde el tiempo desaparece. El mar y el océano pueden cambiar nuestra manera de entender el mundo, pero también debemos cambiar nosotros la manera de entender el océano y el mar. Como en la novela, las historias de esta exposición funcionan como breves pinceladas, poéticas y conceptuales, exigentes y evocadoras, todas unidas por su atracción hacia el mar. “Si Baricco en su novela pretende «decir el mar» esta exposición trata de «expresarlo» adentrándonos en sus complejidades y sus misterios”, afirma su comisario Iñaki Martínez Antelo.

Tres ensayos de paisaje de Lys Villalba Rubio y Lluís Alexandre Casanovas Blanco (del 22 de febrero al 31 de diciembre de 2023. Arte-instalación)

La instalación artística Tres ensayos de paisaje investiga el impacto de las nuevas condiciones climáticas en la configuración de lo público: desde el rol de la vegetación, el confort ambiental y el consumo energético, a los mecanismos de inclusividad, las relaciones intergeneracionales y otros modos de sociabilidad. Este proyecto, un ejercicio de prototipado cuyas experiencias pueden también aplicarse a otros lugares de la ciudad, huye de visiones preestablecidas sobre lo que constituye un espacio público, sugiriendo alternativas para construirlo colectivamente.