La protagonista, a la que hemos llamado Lula de manera libre, se encuentra en su casa, el pequeño (ínfimo) estudio que se puede permitir con el sueldo que percibe como diseñadora. Es artista, tiene un trabajo “alimenticio”, como ella dice. Es algo que le da una nómina a final de mes, pero poco más. Con una gran carga de ironía, sarcasmo y humor vamos conociendo a nuestra protagonista, sus pensamientos y sus deseos. Deseos que nunca se cumplieron.
En estos momentos la falta de motivación ante la vida se le va amontonando entre las cuatro paredes de este pequeño piso urbano, más bien nicho urbano, donde podríamos decir que “vive”. Y así se desarrolla su viaje. Un viaje a Ítaca en el que va dejando atrás sueños, experiencias, personas… el viaje de la vida hasta llegar al último puerto, la muerte. Una muerte que ella acelera a través de esa pastilla llamada M.A.R.I.L.U.L.A. Un suicidio. Un suicidio poético y absurdo que vivimos de su mano, que nos lleva a conocer a un pintoresco San Pedro a las puertas del cielo; o nos dará el gusto de reencontrar en el infierno a Larra disfrazado de Nino Bravo que no canta ninguna de sus canciones, pero canta. Finalmente, un viaje que le hace aprender que los problemas no radican en el lugar donde se vive o en el estado en el que “está” una persona, sino que los problemas nos acompañan allá donde vayamos.
Después de este viaje lleno de acidez y humor entendemos que, al final, lo que importa es nuestra actitud ante las experiencias que se nos presentan. Y qué más da estar en la tierra, en el cielo, en el limbo o en el infierno, si no disfrutamos de nuestra condición. Y esa es la clave, amigas, ¿qué más hacer? Lo único que nos queda en este mundo y en el otro es disfrutar de cada momento, vivir como si fuera el último y pegarnos unos bailes. Y ya estaría.
La propuesta de M.A.R.I.L.U.L.A. se basa en un ejercicio de metonimia tanto a nivel escénico como interpretativo. Nos encontramos ante un espacio que se concibe solo a través de una alfombra, algunos libros y un ordenador portátil. Este es el espacio de la casa de Lula. Ella es artista, es una ciudadana como todas nosotras. Tiene trabajo, tiene amigos, folla, sale a pasear, se toma sus vinos. Y se ríe. Y se lo pasa bien.
Pero algo no funciona.
El viaje de Lula es el de muchas de nosotras cuando no nos sentimos satisfechas con nuestras vidas.
Y cuando no estamos satisfechas nos preguntamos qué hicimos mal. El mundo nos dijo que teníamos que estudiar. Y lo hicimos. Que teníamos que tener pareja. Y lo intentamos. A veces hasta la tuvimos. Teníamos que tener una casa y la alquilamos. Y, por supuesto, un trabajo estable. Lo conseguimos. Además, de nuestra especialidad. Entonces ¿qué no está funcionando?
A través de M.A.R.I.L.U.L.A. nos plantamos ante un proceso de transformación de una persona que se siente perdida y que no sabe qué hacer con su vida hasta la epifanía en la que entendemos que lo único que nos puede hacer sentir vivas es disfrutar de cada momento que tenemos en este mundo (o en el otro).
Una propuesta escénica vital, que une lo absurdo y la tragedia de nuestros días desde un punto de vista muy personal y sin olvidar el humor necesario para tratar ciertos tabúes de esta sociedad en la que vivimos. Desarrollada desde una concepción estética minimalista que otorga el mayor poder de evocación a la interpretación de Olga Goded y que busca la conexión con un público de todo tipo y condición.
Porque, al final, todos habitamos este pequeño mundo y merece la pena empezar a pensar que podemos ser felices.
Surca Teatro
La trayectoria de Surca Teatro comienza en el año 2011. El primer montaje que aborda la compañía es El color de agosto, con texto de Paloma Pedrero bajo la dirección de Jaroslaw Bielski. (Réplika Teatro, Madrid).
Sin embargo, no es hasta 2014 cuando la compañía se consolida con el estreno de El troquel (Premio UCM de teatro 2011), texto de Ignacio Pajón Leyra y dirección de Eva Egido. Un espectáculo que, en palabras de Juan Carlos Rubio: “habla de lo verdadero y lo falso, de la relativa importancia de lo auténtico en los tiempos que vivimos”. (Teatro del Arte, Madrid).
Dirigido al público juvenil Surca Teatro produce en 2014 Cualquier lugar, cualquier día, con texto de Ignacio Pajón Leyra y dirección de Olga Goded. Una comedia pacifista que recorre algunos de los conflictos bélicos más importantes de la Historia. (Estreno en el IES El Greco, Toledo).
Fruto de la coproducción de Surca Teatro, Acciones Imaginarias y Ediciones Antígona nacen Las MicroMachines, un proyecto teatral que trabaja obras breves en clave de comedia de autores significativos de la escena actual. En 2015 estrena El dulce olor de la cizaña, texto de Juan Pablo Heras y dirección de Juan Ayala (La Infinito, Madrid); en 2016 Mi amado calavera, texto de Juan Mairena y dirección de Juan Ayala, y en 2018 ¿Nos hacemos un Ibsen?, texto de Nando López y dirección de César Barló. (Teatro del Bosque dentro del VI Ciclo Micro A Escena, Móstoles).
En 2017 coproduce el musical infantil Carlota, odisea en el espacio, escrito y dirigido por Eva Egido (Teatros Luchana, Madrid).
En 2018 coproduce y estrena Los paños de ganchillo con texto de Eva Redondo y dirección de Joan Taltavull dentro del Festival Pedra Viva, donde la actriz Sita Muñoz recibe la Mención de Honor por su interpretación. (Canteras de Líthica, Ciutadella de Menorca).
En 2020 produce el cortometraje Polvo con guión y dirección de Marina Barceló (pendiente de estreno).
En 2021 estrena M.A.R.I.L.U.L.A., de Lena Kitsopoulou, dirigida por César Barló y protagonizada por Olga Goded, en el festival Pedra en Viu de Menorca.
Lena Kitsopoulou
Lena Kitsopoulou nació en 1971 en Atenas. Es actriz, dramaturga y directora de teatro. En 2006 se publica por la editorial Kedros su primer libro de relatos cortos, Murciélagos, y gana el Premio al Mejor Escritor Novel concedido por la revista Diavazo. Desde entonces escribe y dirge teatro. En 2009 escribe y dirige su obra MARILULA para el Teatro Nacional de Gracia. En 2013 fue galardonada con el Premio Internacional Autoren Preis en Heidelberger Stückemarkt por su drama Athanasios Diakos – El Regreso. Ha estado invitada como dramturga en varios países com Italia (Piccolo Teatro), España (Teatro Nacional de Madrid y Sala Seca-Espai Brossa, de Barcelona), Francia (Thèâtre de la Ville), Suiza (Thèâtre Saint Gervais en Ginebra y Thèâtre Vide en Lausana) y Alemania Heidelberger Stückemarkt). Sus obras y sus relatos están traducidos y publicados en inglés, español, polaco, francés, catalán y alemán. Durante los últimos años ha trabajado como directora para el Teatro Nacional de Grecia, el Festival de Atenas, el Centro Cultural Onassis, El Teatro de Arte de Atenas, y otros. En febrero de 2016 dirigió Hedda Gabler, de Ibsen, en el Theater Oberhausen en Oberhausen, en Alemania. En octubre del mismo año escribió y dirigió la obra Antigona – Lonely Planet – en la Fundación Onassis en Nueva York, y asímismo en diciembre estuvo invitada con su obra El sinsentido de la vida en Thèâtre Saint Gervais en Ginebra. Durante los años 2017-18 escribe y dirige la obra Tyrranosaurus Rex para el Teatro Nacional de Grecia, la nueva versión de Antigona – Lonely Planet, para el centro cultural Onassis, así como su última obra, Cry, para el Thèâtre Saint Gervais en Ginebra.
Olga Goded
Actriz. Licenciada en Filosofía por la UCM y Diplomada en Artes Escénicas e Interpretación en Réplika Teatro, dirigida por Jaroslaw Bielski. Amplía su formación con diversos cursos de canto, interpretación ante la cámara, esgrima, bufón, talleres de interpretación, etc… Desde el 2017 hasta el 2020 ha estado investigando con José́ Sanchis Sinisterra en el Nuevo Teatro Fronterizo.
Miembro estable de la Compañía Espada de Madera, dirigida por Antonio Díaz-Florián durante cinco años representando numerosos espectáculos entre los que destacan: Yerma (Lorca) y La Celestina (Fernando de Rojas) (Madrid, 2005); La Casa de Bernarda Alba (Lorca) (Madrid, 2006); Fuenteovejuna (Lope de Vega) (Madrid, 2007); Bodas de sangre (Lorca) (Madrid, 2008); Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín (Lorca) (Madrid, 2009).
Entre los montajes en los que participa cabe destacar: Para acabar de una vez con el juicio de Dios, texto de Antonin Artaud (Madrid, 2002) y Antígona, texto de María Zambrano (Madrid, 2003) ambos dirigidos por M. Santiago Bolaños; Dulcinea, escrito y dirigido por Marife Santiago Bolaños; Secretos de un matrimonio, texto de Ingmar Bergman y dirección de Jaroslaw Bielski (Madrid, 2008); Cualquier lugar, cualquier día, con texto de I. Pajón Leyra y dirección de E. González (Madrid, 2009); El color de agosto, texto de Paloma Pedrero y dirección de Jaroslaw Bileski (Madrid,2011); Photocall, texto de Alberto Conejero y dirección de Rubén Vejabalbán (Madrid, 2014); El troquel, texto de Ignacio Pajón Leyra y dirección de Eva Egido (Madrid, 2014); el micro Mi amado calavera, texto de Juan Mairena y dirección de Juan Ayala (Madrid, 2016); Cómo ser Conchita Piña y no morir por un verso, textos de Conchita Piña y dirección de César Barló (Madrid, 2017); el infantil Carlota, odisea en el espacio, texto y dirección: E. Egido (Madrid, 2017); Los paños de ganchillo, texto de Eva Redondo y dirección de Joan Taltavull (Menorca, 2018); y el micro ¿Nos hacemos un Ibsen?, texto de Nando López y dirección de César Barló (Madrid, 2018).
César Barló
César Barló es director de escena, dramaturgista, actor, docente y diseñador de iluminación. Desde 2019 es Miembro de la Academia de las Artes Escénicas de España (AAEE)
En 2007 funda AlmaViva Teatro, compañía con la que ha desarrollado la mayor parte de su carrera. Desde entonces ha dirigido montajes premiados en dfierentes ámbitos y reconocidos a nivel nacional como internacional.
Se diploma en interpretación por la escuela “La Lavandería” (2004). Posteriormente se licencia por la RESAD en Dirección de Escena (2009) y obtiene el Máster de Teatro y Artes Escénicas en 2011 por la UCM.
Ha recibido diferentes cursos de formación y talleres con maestros como Patrice Chéreau, Emma Cohen, Juan Mayorga, Laila Ripoll, Declan Donnellan Eugenio Barba o Mauricio Kartún.
Bajo la producción de su compañía, AlmaViva Teatro, ha dirigido casi todas sus propuestas hasta la fecha. Entre sus montajes sobre teatro clásico cuenta con propuestas como Los comendadores de Córdoba, de Lope de Vega (2007), representado en el FITC de Almagro 2008; El pleito matrimonial del Cuerpo y el Alma, de Calderón de la Barca (2008), para el Corpus Christie de Yepes (Toledo); El Hamete de Toledo, de Lope de Vega (2009); La hija del aire – parte primera -, de Calderón de la Barca (2009); S, Segismundo a través del espejo de Semíramis, a partir de La vida es sueño y La hija del aire, de Calderón de la Barca (2011); Fedra-ariadna-Medea, a partir de textos de Ovidio (2012); Fuente Ovejuna. Ensayo desde la violencia, a partir del texto de Lope de Vega (2013); Don Juan Tenorio, de José Zorrilla (2011, 2012 y 2013); La Tempestad, de William Shakespeare (2016) y La vida es sueño (auto), de Calderón de la Barca. En 2008 dirigió Cimbelino, de W. Shakespeare, para la compañía Yambo Teatro.
Entre sus propuestas de textos contemporáneos cabe destacar Revelación (The secret rapture), de David Hare (2010); La noche justo antes de los bosques, de B.M. Koltès (2014); Sed, de Alejandro Butrón (2016); El estado de sitio, de Albert Camus (2018) y Conoces a Arturo Ui, a partir del texto de Bertolt Brecht (2020).
Karmen Abarca
Nacida en Madrid. Licenciada en Escenografía por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid, en 2012. Es miembro de la Asociación de Artistas Plásticos Escénicos de España (AAPEE).
Su formación, al igual que su experiencia profesional, abarcan, a lo largo de los años las áreas de Escenografía, Iluminación y Vestuario, tanto en su vertiente técnica como en el área artística.
Desde el punto de vista técnico, su formación se completa en el Centro de Tecnología del Espectáculo y en los últimos años trabaja con Fundación Siglo de Oro (RAKATá) como Directora Técnica.
Entre sus trabajos de diseño de vestuario y espacio escénico, destacan, entre otros, los siguientes:
Conoces a Arturo Ui, a partir de La Resistible Ascensión de Arturo Ui, de Bertolt Brecht (2020) dirigida por César Barló; Estado de sitio, de Albert Camus (escenografía y vestuario) de Cesar Barló, Viaje al fin de la noche, (escenografía y vestuario) de Proyecto 43.2, La rebelión de los hijos que nunca tuvimos, de Bazo y Bazo (escenografía y vestuario) de Eva Redondo; La tempestad, de William Shakespeare (vestuario) de Cesar Barló; Calderón Cadáver, de aa/vv (escenografía) de Ernesto Arias (2016); La mirada del otro, de María San Miguel y Chani Martín (escenografía); Mujeres y criados, de Lope de Vega (escenografía) de Boswell/Arribas (2016); El secreto de las mujeres: El musical, de Y. Porras (iluminación) de Diágoras (2015). Entre Marta y Lope, de Miralles/Malla (espacio, vestuario e iluminación), por G. Malla (2014); Cuarteto, de H. Müller (iluminación), por C. Pardo (2013); La violación de Lucrecia, de William Shakespeare (vestuario), dirigido por Simon Bredem (2012); The Wall (iluminación y vestuario), por Alonso/Laguna (2012); Mi primer amor, de Samuel Beckett (iluminación), por Ernesto Arias (2008).
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