El actor y director teatral Miguel del Arco llevará al Pavón Teatro Kamikaze desde este jueves 9 de marzo su adaptación de 'Misántropo', de Moliere, en la que se aborda la "relación del hombre con la verdad y la honestidad", que para el autor está "totalmente desaparecida" en la política actual.

"Los políticos usan una retórica indignante y que parte de la base de que el ciudadano de a pie es idiota. La verdad tiene muchos lados, pero en algunos casos es como es y los políticos han conseguido desarrollar una retórica en la que parece que nada importa. Sobre eso estamos construyendo esta ciudad y me parece terrible", ha señalado el autor.

Del Arco ha llevado el texto de 'Misántropo' a la sociedad actual --renunciando a usar versos alejandrinos del original, por ejemplo--, aunque siempre con la línea de "buscar una fidelidad con el autor" en las adaptaciones de clásicos. Israel Elejalde dará vida a Alcestes, quien decide aislarse para buscar la "libertad necesaria para ser un hombre decente".

Sin pelucas

"En la adaptación hay una fidelidad de espíritu, no literal, para que el ciudadano se sienta reconocido en la obra, algo que siempre fue el esfuerzo y la búsqueda del propio Moliere. No se es más fiel por poner a personajes con pelucas y caras blancas, porque te alejaría de lo que quieres contar", ha señalado.

Preguntado sobre su identificación con el personaje, Del Arco ha reconocido que no se ha "sentido en ningún momento" un misántropo, apostando por "el entendimiento" entre las personas antes que el aislamiento y el rechazo. "Estamos condenados a entendernos, aunque a veces resulte más cansino y complicado hay que intentarlo permanentemente", ha añadido.

Alcestes no era misántropo

De hecho, el director de la obra se identifica con el personajes de Alcestes, quien tampoco es un misántropo en el sentido estricto de la palabra, puesto que "siempre quiso volver a la sociedad". "Él quiere cambiar, buscando una nueva manera de relacionarse desde la honestidad, pero se pega un batacazo por amor", ha apuntado.

En cualquier caso, Del Arco ha alertado de que el ser humano "nunca podrá encontrar la verdad absoluta" porque "el cambio es algo constante" en su condición. "Por más que uno intente ser honesto consigo mismo, hay situaciones y compromisos que hacen que la verdad no sea duradera. En cualquier caso, yo creo en lo que decía Machado: 'Tu verdad no, la verdad. Y sal conmigo a buscarla", ha concluido.

'Misántropo' lleva más de tres años en escena girando por distintas ciudades españoles y su regreso a Madrid supone un refuerzo de la apuesta del Pavón Teatro Kamikaze por "convertirse en un teatro de repertorio". "Esto nos permite que las nuevas generaciones puedan disfrutar de un montaje que ha tenido cierto éxito".

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Fotografía: Eduardo Moreno

El dramaturgo César Oliva dirige en Madrid 'Las bicicletas son para el verano', obra con la que el teatro Fernán Gómez celebrará su 40 aniversario, que regresará al escenario catorce años después de su última reposición.

"Necesitamos enfoques distintos sobre la Guerra Civil que enriquezcan cualquier discurso", ha manifestado Oliva este miércoles 8 de marzo durante una entrevista con motivo de la puesta en escena de esta obra, que podrá verse en el teatro madrileño desde este jueves día 9 hasta el próximo 30 de abril.

La obra cuenta los avatares de una familia de clase media en Madrid durante la Guerra Civil y se enfoca principalmente en la perspectiva de Luis, el chico que pide a sus padres una bicicleta para ese verano del 1936.

En palabras del dramaturgo, la habilidad de Fernán Gómez está en narrar esta historia "en clave de comedia" porque muestra la visión de "una familia de clase media normalita sin ninguna implicación política que vive los avatares de la Guerra Civil desde el comedor de su casa".

"Esa habilidad le da también una vigencia extraordinaria porque no hay día en el que no aparezca un tema relacionado con la memoria histórica", ha resaltado Oliva, quien considera que nunca se habla demasiado acerca de este asunto. "Es raro el año que no se estrena una película o se publica una novela sobre la Guerra de Secesión de Estados Unidos", ha argumentado.

Modernidad y simbolismo

Según ha explicado, la novedad de esta puesta en escena reside principalmente en la "eliminación de elementos secundarios" para dar "más valor" a las historias de la familia que protagoniza la obra y mostrar su "conflicto vital", por lo que se han eliminado escenas y se ha reducido la duración final.

Asimismo, hay una "búsqueda de elementos simbolistas que evitan el peligro del costumbrismo y del casticismo que suele estar detrás de muchas escenas", que además consigue una obra "más moderna y accesible, que llegue de una manera más rotunda al espectador".

En cuanto al decorado, ha señalado que lo primero que ve el espectador es un escenario vacío con muebles al fondo, como parte de una "posible idea soñada" que lleva a pensar que hay aspectos "en el fondo de la memoria" que van a apareciendo.

El teatro Sanpol de Madrid estrenará el próximo domingo el musical 'Aladino y la lámpara' que podrá verse hasta el 9 de abril. Se trata de una nueva versión musical, a cargo de la Compañía La Bicicleta, de los cuentos de las 'Las mil y una noches' ambientada en un Oriente Mágico.

La música está compuesta por H21, el mismo equipo de producción de 'La isla del tesoro' y que también realizaron la versión de la 'La flauta mágica' de Mozart con la que el teatro Sanpol obtuvo el Premio Gran Vía al mejor espectáculo familiar del año 2007.

En el reparto de 'Aladino' figuran algunos de los integrantes de La Bicicleta, compañía que puso en escena 'Caperucita Roja', que ha obtenido un gran éxito de público esta temporada.

El inquieto e idealista Aladino estará interpretado por Quim Capdevilla; la hermosa princesa Badulbudur por Adriana Vaquero; el rey juguetón por Víctor Benedé, la valerosa madre por Natalia Jara, el visir por Miguel Cazorla y el genio de la lámpara por Carlos London. Personajes que, junto a otros de la fábula oriental y a alfombras voladoras, castillos que aparecen y desaparecen en un abrir y cerrar de ojos, y a genios de mal genio, parecen surgir de una lámpara encantada.

La obra se pondrá en escena a partir de este domingo, 12 de marzo, a partir de las 17,30 horas.

El Teatro de la Comedia de Madrid acoge, desde el próximo día 8 hasta el 26 de marzo, el drama político 'La judía de Toledo' de Lope de Vega, versionada y dirigida por Laila Ripoll, que define al texto como "Lope en estado puro". El espectáculo se representa con motivo del 25 aniversario de Micomicón Teatro, que coproduce la obra junto a la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

La obra ha sido presentada este lunes 6 de marzo por Laila Ripoll, la directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Helena Pimenta, y los actores Manuel Agredano, Federico Aguado, Ana Varela, Mariano Llorente, Elisabet Altube, Teresa Espejo, Marcos León y Jorge Varandela.

El texto de Lope de Vega, que este año cumple su 400 aniversario, es, según Laila Ripoll, un drama político donde los hombres de poder se comportan de manera reconocible en muchas actitudes que se pueden ver hoy, algo que "interesa" e "inquieta" a la directora.

Además, Ripoll ha afirmado que en este texto "espléndido" hay un espectáculo posible lleno de "lecturas complejas, momentos desconcertantes, deslumbrantes de belleza e inquietantes", y que se trata de una obra "muy política y de amor", con un "aire de misterio sobrenatural" que la hace "muy interesante".

Por otro lado, la directora ha comentado que han situado la obra en un "pasado cercano", en los años 60 y 70, ya que no "resultaba interesante" situarla en la actualidad. "Sin tocar el texto no chirría que vayan vestidos más o menos contemporáneos", ha añadido.

Para Ripoll, se trata de una historia "de poder, de amor y de misterio", de un drama político en el que el rey hace "vejación" de sus funciones por estar con su amante, una temática que, a su juicio, "a cualquiera le llama".

En la misma línea, Helena Pimenta ha comentado que como no se trata de un texto "cotidiano" permite que el público alcance un conocimiento y una sensibilidad que "no tiene en su vida normal".

Asimismo, ha manifestado que se trata de uno de los espectáculos "más esperados y más queridos", ya que es un "grandísimo" espectáculo y un título "absolutamente necesario".

Por otro lado, la directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico ha destacado que es un "honor" recibir a Micomicón y compartir esta producción y que es una "delicia" apuntarse con ellos al desarrollo del proyecto.

Por su parte, el actor Mariano Llorente, que da vida a Garcerán Manrique, ha dicho que en el teatro hay lenguajes y signos, como el vestuario, que se "superponen y conviven" en el espectáculo para darle una "mayor riqueza" y que añaden "otras cosas" al teatro.

De este modo, Llorente ha añadido que con este montaje el espectador va a percibir algo "más rico" que si se hubieran vestido con "calzas y bolillas".

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Fotografía: Masescena

"Como dramaturgo, estaría encantado de que Trump gobernara en España, porque me afilaría la dentadura"

Albert Boadella estrenará este miércoles 8 de marzo en los Teatros del Canal 'El sermón del bufón', un espectáculo en el que el dramaturgo reflexiona sobre distintas artes y realidades de la sociedad, entre las que se incluye la situación actual de Cataluña, donde "hay un conjunto importante de ciudadanos que están enfermos mentales".

Así lo ha explicado Boadella en rueda de prensa para presentar esta obra, culpando a los dirigentes catalanes de "inducir a la paranoia". "Es la patología más sencilla de transmitir, crear paranoicos es muy fácil: unos desvergonzados han jugado con los sentimientos de arraigo de la gente y ha funcionado", ha lamentado.

De hecho, el director teatral ha llegado a comparar esta inducción a la paranoia con la actuación de los dirigentes alemanes en los años 30, antes de la II Guerra Mundial. "Convirtieron una sociedad culta en una sociedad despreciable que llegó a los límites a los que llegó. Que los catalanes estén paranoicos con el resto de españoles no tiene justificación ninguna", ha señalado.

'El sermón del bufón' cuenta con guión y dirección del propio Boadella y supone su regreso por primera vez a los Teatros del Canal, tras ocho años ejerciendo como director. La obra, que estará un total de cuatro días consecutivos y ya tiene todas las entradas agotadas, parte de la idea de llevar a escena un texto que en principio iban a ser unas conferencias.

Boadella ha explicado que no se trata de "un ajuste de cuentas con nadie", si bien hace un repaso a su trayectoria vital en el que salen nombres como los de Jordi Pujol o el Rey emérito Juan Carlos. "Me habría encantado ser bufón si Juan Carlos I hubiera tenido corte, porque es un gran cachondo y habría dado mucho de sí", ha comentado con humor.

Respecto a Pujol --a quien ha calificado como "capo mafioso"-- ha contado una anécdota sobre uno de sus hijos que recibía clases de expresión del dramaturgo en "una escuela pija". "Era un alumno insoportable, no paraba de armar jaleo y le pedí que saliera de clase. Como se negaba, le di dos cachetazos, pero creo que le tendría que haber pegado más fuerte", ha afirmado.

Los "camellos" del arte

El actor ha sido preguntado también por otros líderes como el presidente de Estados Unidos, Donald Trump, de quien ha llegado a asegurar que le habría "encantado" que llegase a gobernar en España porque, como dramaturgo, se "afilaría la dentadura". "Para los titiriteros es una suerte tener dirigentes tan radicales, aunque para los ciudadanos sea una putada", ha ironizado.

"La maldad es teatral, somos como cuervos que aprovechamos las calamidades que la sociedad ha tenido que sufrir. No podemos justificar la sátira, pero lo que nos mueve es ese espectro de maldad con personajes sórdidos y brutales. Mira a Hitler lo que ha dado de sí", ha justificado.

La reflexión de Boadella alcanza al mundo del arte, donde dice que hay "unos camelos impresionantes". "Se intenta acomplejar a los incautos amateurs que se acercan a él. Cuando alguien dice que es artista contemporáneo me muero de la risa ¿Pero que otra cosa puedes ser sino? Hay arte bueno y malo y, para mi, lo que tiene que hacer es interesar a los espectadores", ha incidido.

Teatro "Antisectáreo"

Respecto a la decisión del Ayuntamiento de Madrid de cambiar los nombres de las salas Max Aub y Fernando Arrabal del centro Matadero, se ha mostrado a favor. "Hay que tener mucho cuidado con poner nombres contemporáneos a salas, hay que esperar, no es como con Lope de Vega o Moliere. Por ejemplo, el nombre de Fernán Gómez también me parece inadecuado, no porque no tenga simpatía, pero no hay justificación suficiente", ha lamentado.

Asimismo, ha defendido su labor al frente de los Teatros del Canal, recordando que propuso una programación "antisectárea". "Los artistas tenemos tendencia a construir una secta alrededor, pero yo actué más de gestor que como artista. Hice un teatro pensando en todos, no solo en mis gustos, porque era dinero público y los impuestos son una cosa muy importante y lo más democrático que existe", ha concluido.

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Fotografía: Maescena

La obra 'Furiosa Escandinavia', Premio Lope de Vega 2016, llegará el próximo 9 de marzo al Teatro Español para recuperar la famosa 'magdalena de Proust' y en la que sus personajes pasarán del presente al pasado para bucear en "el duelo amoroso".

'Furiosa Escandinavia' es un texto de Antonio Rojano que estará en el Español hasta el 16 de abril y cuenta con la dirección de Víctor Velasco. Los actores Francesco Carril, Sandra Arpa, David Fernández e Irene Ruiz dan vida a unos treinteañeros en Madrid --en un futuro "cercano y no distópico", según Rojano-- desesperanzados con sus vidas actuales.

En esta obra no será el mordisco de una magdalena lo que active el recuerdo del pasado, sino unas pastillas que llevarán a sus protagonistas a "intentar resolver su duelo amoroso a través de la imaginación", como ha explicado Carril. No obstante, la obra proustiana estará muy presente en todo el texto y sustenta gran parte de los diálogos.

"Es cierto que está basada en Proust y, sobre todo en sus mecanismos de la memoria, pero yo no los robo para hacer una versión de 'En busca del tiempo perdido', sino para una cosa nueva", ha indicado Rojano. Así, en 'Furiosia Escandinavia' se trata de "captar un tiempo que se desmorona sobre otro", al igual que Proust hablaba de una "burguesía fría y acomodada".

"Quería hablar de cómo un joven se enfrenta a ese mundo, con una mirada al futuro de dolor y desesperanza, sin esperar cosas positivas", ha indicado el dramaturgo, a pesar de reiterar que, pese a este aparente tono oscuro, el público también se encontrará con muchos momentos de humor.

La exploración además de distintas técnicas narrativas a un texto teatral suponen otro de los retos de esta pieza, que en manos de Velasco pasa a "privilegiar el viaje interior con la imaginación". "La ficción puede ser más verdad que la realidad. No necesariamente hay que viajar a Escandinavia para haber estado allí", ha apuntado el director teatral.

Los 'voyeurs'

El motivo del título de esta obra responde a motivos 'líricos' --aunque culmina en un fiordo noruego--, si bien en un principio iba a llamarse únicamente Escandinavia. "Ya había otra obra con ese nombre y quería distinguirla. El adjetivo 'furiosa' parece que genera una estancia con cierta incertidumbre y sobre todo también más poesía", ha indicado.

La escenografía será un apartamento que "tiene algo de set de 'Gran Hermano'", con grandes dosis realistas. "Vemos casi toda la acción como si estuviéramos siendo 'voyeurs' y las dificultades espaciales se conciben como un viaje interior", ha apuntado Velasco, quien recuerda la película 'La ventana indiscreta' para usar como ejemplo.

Tokyo ya nos quiere

Hay otras influencias en torno al texto como podrían ser la película 'Olvídate de mí' o el libro de Ray Loriga 'Tokyo ya no nos quiere'. "Pocas veces como actor uno siente que tiene tanto que ver con su texto. Es un elogio a la imaginación y cómo puede salvarte, lo que creo que conecta con la base de nuestro oficio", ha reconocido Carril.

La directora del Teatro Español, Carme Portaceli, ha defendido la llegada de la "creación joven" a un teatro público, que debe de "potenciar" esto. "Hay que poner los medios para que estas obras se realicen de una manera digna: últimamente estamos acostumbrados por los problemas económicos a que se hagan con una mano delante y otra detrás", ha concluido.

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El actor Roberto Álvarez ha afirmado que, entre otros casos, observó al violador de Ciudad Lineal para dar vida al padre del drama sobre incesto y pedofilia, 'Festen' de Thomas Vinterberg y Mogens Rukov, adaptada al teatro por Bo Hr. Hansen y versionada y dirigida por Magüi Mira desde el próximo 3 de marzo al próximo 9 de abril en la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán de Madrid.

La obra, producida por el Centro Nacional Dramático, es para Magüi Mira un análisis "lúcido" del "fascismo latente" en la sociedad "clasista y patriarcal" actual. El texto trata, además del incesto y la pedofilia, la "brutal" cohesión de la hipocresía social.

'Festen' ha sido presentada este miércoles 1 de marzo en el Teatro Valle-Inclán por Magüi Mira y los actores Roberto Álvarez, Carolina África, Carmen Conesa, Manu Cuevas, Karina Garantivá, Gabriel Garbisu, David Lorente, Jesús Noguero, Clara Sanchis e Isabelle Stoffel.

Sobre el caso del pederasta, Roberto Álvarez ha subrayado que si se coge "exclusivamente" su testimonio ante el juez "casi le crees", ya que sostiene "absolutamente" que es inocente y que le produce "la mayor abyección posible" hacer eso a unas niñas.

Otro caso en el que se fijó el actor para interpretar su papel es un vídeo de Facebook en el que una chica graba a su padre para que confiese que la violó "desde que era muy pequeña hasta los dieciséis años". Para Álvarez, era "alucinante" ver la reacción del padre, que "es nada", y que en un momento determinado culpa a la mente humana de sus actos.

Durante el acto de presentación, Magüi Mira ha manifestado que tenía la "necesidad vital" de llevar a escena el texto "desde hace muchos años", ya que es un texto "salvaje", en el que hay "brutalidad" pero también "ternura y belleza", y que es "un bofetón a las conciencias podridas y a las conciencias dormidas".

En la misma línea, Magüi Mira ha comentado que es una historia "muy farragosa y muy difícil de concretar", y que es un tema "que no se vende porque la gente quiere mirar hacia otro lado", por lo que el texto, a su juicio, también habla de una "hipocresía que parece pactada para mantener el sistema injusto en el que vivimos".

Igualmente, la directora y actriz ha destacado que en la obra se busca que "el padre pida perdón", por lo que "hay una necesidad de establecer justicia pero no venganza".

Para Mira es un "privilegio" dirigir a gente "tan talentosa" como el equipo que forma parte de la obra, por lo que ha agradecido a sus "maravillosos" compañeros por aceptar la propuesta y ha añadido que ahora están en "momentos de mucho vértigo" y que falta por ver la llegada al espectador.

Por su parte, Carmen Conesa, que interpreta el papel de madre, ha manifestado que Magüi ha llenado el espectáculo de "pequeñas gotas de metáfora que hacen bello una cosa tan terrorífica". Por ello, en su opinión, la obra muestra "la parte oscura y negra de lo bello".

De este modo, Conesa ha comentado que esas metáforas llevan a entender "este microcosmos que es esta familia", que representa la hipocresía de una sociedad en la que parece que "todo está bien" pero que en el fondo "todo está bastante podrido".

A la hora de interpretar a su personaje, la actriz decidió hacer lo que hacen sus perros. "Cuando veo que no entiendo algo, miro a mi marido (Roberto Álvarez) como me miran a mí mis perros, le miro y solamente le miro, porque no puedo entender cómo una madre puede entrar en una habitación y ver a su hijo sometido por el padre y cerrar la puerta y sigue la vida", ha declarado.

Por otro lado, Isabelle Stoffel, que interpreta el papel de la hija Linda, ha afirmado que su personaje ve "como única solución" el suicidio, algo que, a su juicio, le pasa a "mucha gente". Igualmente, la actriz ha añadido que entiende que "si alguien no se tira de un balcón no aparece en los medios".

Finalmente, Stoffel ha destacado que su personaje "ya está liberada" porque se ha quitado "el peso de la vida terrenal que vivía". Por ello, la actriz ha intentado entender "por qué el agresor hace este tipo de cosas", pero que es "muy difícil meterse en ese lugar".

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El Teatro Campos afirma que el artista no podrá acudir por "compromisos profesionales"

El espectáculo 'Te odio, pero como amigo', de Jorge Cremades, previsto para los días 31 de marzo y 1 de abril en el Teatro Campos de Bilbao se ha pospuesto hasta una fecha "aún por confirmar". "El artista, sintiéndolo mucho, no podrá acudir a Bilbao en las fechas previstas por compromisos profesionales", ha indicado el centro artístico en un comunicado.

La devolución de las entradas vendidas se realizará por el mismo canal en el que se hizo la compra. Los espectadores que hubieran adquirido sus localidades en la taquilla del teatro tendrán que presentarlas en dicho lugar para proceder a la devolución dentro de los horarios de la taquilla del teatro.

Para todas aquellas personas que adquiriesen sus entradas a través del servicio de Internet, venta telefónica o cajero, se anularán de forma automática y el importe será reembolsado en su cuenta. El ingreso se efectuará en los próximos días. Para más información o cualquier consulta se puede contactar con el teléfono de taquilla: 94 443 86 10.

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Fotografía: MasEscena

CaixaForum Madrid ha acogido, este viernes 24 de febrero con motivo del 30 aniversario de la fundación de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, un homenaje al actor y director de teatro Adolfo Marsillach, durante el cual su hija, Blanca Marsillach, ha subrayado que "Marsillach sigue siendo Marsillach", y ha añadido que "pruebas son amores y no buenas razones".

En el acto han participado, además de su hija, los actores Juan Ribó, Silvia Marsó, Carlos Hipólito, Magüi Mira, Emilio Gutiérrez Caba, Mercedes Lezcano y Juanjo Artero; el secretario de Estado de Cultura, Fernando Benzo; y la responsable del programa de Personas Mayores de la Obra Social 'la Caixa', Cristina Segura.

Durante el encuentro, el secretario de Estado de Cultura ha afirmado que los grandes saltos culturales "no los hacen los políticos", sino que los hacen personas "creativas que redefinen el lenguaje teatral" y que "forman y potencian" una generación de actores, como, a su juicio, Adolfo Marsillach.

Para Fernando Benzo es "motivo de orgullo" sentarse con la gente del teatro, algo que, según ha comentado, hace con "muchísima humildad".

Sobre Marsillach, Benzo ha destacado que es una "referencia constante" y que tiene la sensación personal de que ha formado parte de su vida y de su crecimiento, entre otros motivos porque, en su opinión, "se parece horrores" a su padre.

En el marco de este homenaje, organizado por Varela Producciones, la compañía de Blanca Marsillach y la Obra Social 'la Caixa', que también ha contado con la presencia de diez personas mayores que participan en la obra 'Entre versos y Marsillach', acompañados por la actriz Mónica Buiza, se ha presentado la ampliación de la gira de la función, que se interpreta este viernes 24 de febrero en CaixaForum Madrid.

De este modo, 'Entre versos y Marsillach', que comenzó su andadura en septiembre de 2016 en Barcelona, ampliará su gira a once ciudades a lo largo de 2017: Alicante, Oviedo, Burgos, Málaga, Valladolid, Cáceres, Santander, Lleida, Ciudad Real, Toledo y Mallorca.

Sobre la obra, Cristina Segura ha destacado la "capacidad y la vitalidad" de las personas mayores, porque, en su opinión, "las edades no reflejan el espíritu". Por ello, ha añadido que ha sido una experiencia "muy positiva".

"Hombre sabio y con sentido del humor"

En alusión a Marsillach, la actriz Silvia Marsó ha recordado que la experiencia "más importante" de trabajar con él era conocerle, y estar con él "día a día escuchándole".

Además, ha añadido que era un hombre "sabio, con sentido del humor, ironía" y que era "muy directo", ya que "te decía las cosas tal cual", que es una de las cosas que más le gusta a Marsó de la gente.

Para el actor Juan Ribó, Marsillach "influyó" en su carrera, porque fue el "primer maestro" que tuvo, ya que, según ha afirmado, fue el primero que le empujó a dedicarse al teatro. Por ello, ha manifestado que fue un "gran maestro y grandísima persona y director".

En la misma línea, el actor ha subrayado que "ningún" director ha tenido la "dimensión" de Marsillach, quien, a su juicio, era una persona "muy prolífica en su talento".

Asimismo, Ribó ha comentado que, aunque nunca trabajó con él, coincidió con Marsillach porque antes los actores eran "como una especie de familia", ya que, según ha dicho, se reunían "aquí y allá", algo que ahora "no existe".

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Fotografía: MasEscena