Masescena - Teatro

AÑO VII  Número 340

22 FEBRERO 2024

 

Texto: Agencia / Fotografía: Masescena

La actriz Irene Escolar lleva a las tablas del Pavón Teatro Kamikaze la obra 'Blackbird', de David Harrower, un texto en el que una pareja se reencuentra después de quince años para cerrar las "heridas profundas" que les dejó su relación y en la que se habla del "deseo, la pérdida y el amor", según la actriz.

'Blackbird' se enmarca dentro del Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid y estará en el Pavón hasta el próximo 7 de abril. La historia gira en torno al inesperado reencuentro de los protagonistas, Una y Ray, que pone en peligro sus vidas actuales y "tensa la comodidad dentro del orden moral establecido".

Escolar adquirió los derechos de la obra hace ya tres años y consiguió el apoyo de la Comunidad de Madrid para ponerla en pie. "Es un texto representado en todo el mundo y para mí supone el proyecto más personal que he sacado adelante. Me costó mucho encontrar a alguien que apostara por esto", ha señalado.

La actriz está acompañada en el escenario por José Luis Torrijo y bajo la dirección de Carlota Ferrer. Para la adaptación "respetuosa" de este texto --en verso libre--, se ha contado con José Manuel Mora, quien ha reconocido que esta obra tiene "algo de terrible e insoportable, pero con lo que los humanos se sienten identificados".

En tiempo real

Para Ferrer, que ha insistido en la importancia de no desvelar mucho del argumento, la clave reside en la "construcción de un puzzle" a través del diálogo que establecen los protagonistas. A lo largo de una hora y media --'Blackbird' transcurre en tiempo real--, Una se enfrentará a sus demonios al presentarse en el lugar de trabajo de Ray.

"¿Cómo sería un encuentro entre estas dos personas que llevan tanto sin verse? Uno seguro que lleva muchas cosas preparadas, pero a la hora de la verdad, cuando tienes delante a la otra persona, igual dices lo contrario, porque mentimos mucho. Y una vez el espectador sepa lo ocurrido, cada uno hará su juicio moral", ha señalado Ferrer.

Un combate verbal

Con una escenografía "cinematográfica" compuesta por dos planos en un mismo escenario y unas pequeñas casas que recomponen una urbanización en miniatura, Escolar ha apostado por un texto "contemporáneo sobre la psicología" del amor. "Son dos seres que consiguen sobrevivir al dolor y hay un combate verbal que sucede en el mismo espacio".

La obra saldrá de gira por España una vez termine de representarse en el Pavón y es probable que vuelva a este teatro. Jaime de los Santos, director de la Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, ha resaltado la necesidad de que los poderes públicos se "impliquen más allá de subvenciones" en obras de este tipo. "El teatro es rebeldía, pero también esperanza", ha concluido.

Texto: Masescena / Fotografía: Masescena

La Compañía Nacional de Teatro Clásico estrenará "La dama duende" y llevará a escena otras dos obras

Bajo el lema "Respira Festival", el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro ha presentado este jueves en el Teatro María Guerrero, sede del Centro Dramático Nacional, la programación de su 40 edición que tendrá lugar del 6 al 30 de julio.
En el acto han intervenido el secretario de Estado de Cultura, Fernando Benzo; el viceconsejero de Cultura del Gobierno de la Junta de Comunidades de Castilla La Mancha, Jesús Carrascosa; el presidente de la Diputación de Ciudad Real, José Manuel Caballero; el alcalde de Almagro, Daniel Reina y la directora de la Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, Natalia Menéndez. También ha estado presente la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Montserrat Iglesias.

Más de cien representaciones y compañías de trece países?
Durante los 25 días del Festival, podrán verse 102 representaciones a cargo de 50 compañías participantes y catorce propuestas internacionales llegadas de 13 países: México, Reino Unido, Rumanía, Portugal, Brasil, Francia, Israel, Grecia, Argentina, Canadá, Colombia, Holanda y Alemania, que este año es el país invitado de honor. Además, destaca la participación de México y Rumanía por su compromiso con el Festival.
 
La programación se completa con 24 eventos gratuitos, 2 exposiciones, 1 macro exposición y 10 eventos especiales que se celebrarán en 19 espacios de la ciudad de Almagro. Este año se suman, además, el Pradillo de San Blas y el Pradillo de Santo Domingo.
 
En esta 40ª edición, José Sacristán recibirá el 6 de julio el XVII Premio Corral de Comedias en reconocimiento a su calidad humana y actoral, su dedicación y su vocación.
 
Esta nueva edición del Festival, cuya imagen es obra de la Premio Nacional de Fotografía Cristina García Rodero, reunirá sobre el escenario a directores, actores y dramaturgos de la talla de Gerardo Vera, Helena Pimenta, Andrés Lima, Eduardo Vasco, Carles Alfaro, Laila Ripoll, Alfredo Sanzol, Meritxell Roda, Eva del Palacio, Fernando Fernán Gómez, Álvaro Tato, Juan Mayorga, Alberto Conejero, Elena María Sánchez, Claudio Hochman, Alfonso Plou, Juan Echanove, José Luís Gil, Joaquín Notario, Pepa Pedroche, Enric Benavent, El Brujo, Arturo Querejeta, Nathalie Poza, Fernando Conde, Javier Collado o Montse Diez.
 
Un homenaje al público y a los actores?
Almagro rinde homenaje en su 40 edición a todos los actores y actrices profesionales que han pasado por los escenarios de la ciudad a lo largo de estos 40 años. De este modo, el Festival reconoce el trabajo de los actores a través de las tres figuras que han participado en más ediciones del Festival: Arturo Querejeta, Pepa Pedroche y Joaquín Notario.
 
El día de la inauguración, 6 de julio, en la Plaza Mayor, tendrá lugar un gran espectáculo incluido dentro de los 24 eventos gratuitos programados: "Clásicos en escena", realizado gracias a la labor conjunta con el Centro de Documentación Teatral del INAEM.
 
El Festival realizará un homenaje los espectadores a través de "El Festival y yo", una exposición que recoge las fotografías realizadas directamente por el público que ha pasado por Almagro a lo largo de estos 40 años.
 
Estrenos exposiciones y eventos especiales
?Algunos de los platos fuertes de la programación de este año serán las propuestas de la Compañía Nacional de Teatro Clásico: Helena Pimenta dirigirá el estreno absoluto de la obra de Calderón "La dama duende" y cerrará el Hospital de San Juan con "El perro del hortelano", mientras que la Joven Compañía de Teatro Clásico interpretará "Fuente Ovejuna" bajo la dirección de Javier Hernández Simón.
 
Dentro de los 10 eventos especiales que se celebrarán con motivo del aniversario destaca la presentación de un libro realizado por la Fundación en coedición con la AECID, que recoge la historia de los 40 años del Festival.
 
Por otra parte, el Museo Nacional del Teatro organiza y produce la exposición "Cuarenta años vistiendo emociones". A ello se suma una macro exposición a cargo de la Acción Cultural Española, comisariada por Jorge Díez, en la que participan los artistas Pepe Buitrago, Dionisio Cañas, Mercedes Lara, Juan López y Alicia Martín.

Agencia / Fotografía: INAEM

El director del Centro Dramático Nacional (CDN), Ernesto Caballero, se ha alzado este lunes con el Premio Valle-Inclán de Teatro en su undécima edición por su trabajo al frente de la obra 'El Laberinto Mágico', una revisión de la obra de Max Aub sobre la tragedia de la Guerra Civil.

El ganador de esta edición, convocado por 'El Cultural' de 'El Mundo' y dotado con 5.000 euros y una estatua de Víctor Ochoa, se ha dado a conocer en el transcurso de una cena que ha tenido lugar en el restaurante del Teatro Real y ha sido presentada por la actriz Celia Freijeiro.

El jurado del Premio Valle-Inclán, patrocinado por la Fundación Coca-Cola, ha elegido al ganador entre una lista de doce candidaturas de actores y directores de teatro mediante el sistema eliminatorio por rondas 'Goncourt', es decir, varias vueltas de votaciones en cada una de las cuales se elimina al candidato con menos papeletas.

Finalmente, el dramaturgo Ernesto Caballero se ha alzado con el premio en la ronda final al imponerse al actor Israel Elejalde, finalista por su papel del príncipe danés de 'Hamlet', y al director Alfredo Sanzol, autor de 'La respiración'.

El resto de finalistas han sido: Maria Adanez y Paco Bezerra, por 'El pequeno poni'; José Luis Arellano, por 'La odisea'; Pedro Casablanc, por 'Yo, Feuerbach'; Mario Gas, por 'Incendios'; Ana Peinado, por 'Ana el 11 de marzo'; Sergio Peris-Mencheta, por 'La cocina'; José Sacristán, por 'Muñeca de porcelana'; y Maribel Verdu, por 'Invencible'.

Coincidiendo con la celebración del Día del Teatro, el ministro de Educación, Cultura y Deporte y portavoz del Gobierno, Íñigo Méndez de Vigo, ha sido el encargado de entregar el galardón a Ernesto Caballero en reconocimiento por su trabajo en 'El Laberinto Mágico', una versión de José Ramón Fernández del conjunto de seis novelas escritas por Max Aub que tienen como telón de fondo la Guerra Civil.

Este espectáculo ha sido galardonado con los premios a Mejor Espectáculo, Mejor Actor Protagonista (Paco Ochoa), Mejor Actor Secundario (Alfonso Torregrosa) y Mejor Actor Revelación (Borja Luna) en la última edición de los Academy Awards de The Central Academy of Drama de China.

Al acto, que coincide con la conmemoración del Día Mundial del Teatro, también ha contado con la asistencia de la alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena, así como numerosos rostros conocidos como Cayetano Martínez de Irujo, Nuria Espert, Paloma Segrelles, José Luis Moreno, Mira Magüi, María Hervás, Juncal Rivero, Blanca Marsillach o Silvia Marsó.

La Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico Almagro recibirá el Premio Max a la Contribución a las Artes Escénicas 2017, según ha decidido el comité organizador de estos galardones, que se entregarán el próximo 5 de junio, tal y como ha anunciado la SGAE este lunes 27 de marzo, coincidiendo con el Día Mundial del Teatro.

Este reconocimiento ha sido otorgado por unanimidad por "un trabajo continuado de preservación y puesta en valor del teatro del Siglo de Oro y por su firme apuesta por la renovación estética y búsqueda de nuevos lenguajes que han permitido, a través de una mirada joven, acercar este patrimonio cultural a las nuevas generaciones y la creación de nuevos públicos".

La directora de la Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, Natalia Menéndez, recibirá este galardón durante la ceremonia de entrega de la 20 edición de los Premios Max de las Artes Escénicas que organiza la Fundación SGAE con la colaboración de la Generalitat Valenciana en el Palau de les Arts de Valencia.

Menéndez ha recibido esta noticia "con gran alegría" ya que supone "el reconocimiento a un trabajo de 40 ediciones, ocho directores diferentes y mucha gente invisible a la que hay que agradecer su dedicación", según ha señalado.

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, considerado el más importante del mundo dedicado al teatro de los siglos XVI y XVII y que cuenta con 40 ediciones, se centró en sus inicios solo en el teatro del Siglo de Oro español, pero con el paso de los años abrió sus escenarios al barroco europeo y al teatro oriental de la misma época.

"El patrimonio que nos dejaron estos autores es tan fuerte y potente, habla de inquietudes tan cercanas al presente que los artistas actuales no pueden más que rescatarlos con la mirada de hoy", subraya la directora del festival.

A través del Premio Corral de Comedias, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro reconoce la trayectoria artística de figuras e instituciones del mundo de las artes escénicas y en diversos campos o especialidades, siendo galardonados, entre otros, Concha Velasco (2016), José Luis Gómez (2015), la Schaubühne de Berlin (2013), Núria Espert (2011) o Francisco Nieva (2010).

Asimismo, cada año se celebra un homenaje a personalidades de diferentes disciplinas que han contribuido a ensalzar el patrimonio artístico barroco dentro del Festival como José Nieto (2016), Ángel Fernández Montesinos (2014), José Tamayo (2007) o Elio Berhayer (2005).

Además de las 23 categorías a concurso de los Premios Max de las Artes Escénicas, tras la incorporación desde este año de un nuevo galardón específico dedicado al Espectáculo de Calle, el comité organizador concede tres premios especiales: Max de Honor, que se dará a conocer el 26 de abril, Max a la Contribución a las Artes Escénicas y el Max Aficionado, el 10 de mayo.

La SGAE ha reivindicado con motivo del Día Mundial del Teatro, que tendrá lugar este lunes 27 de marzo, "el valor de la dramaturgia" recordando que la promoción de esta disciplina es "una tarea fundamental para contribuir a la creación artística".

La dramaturgia supone un 8% de la masa autoral de la SGAE, ya que según datos de 2016, de los 110.447 miembros de la asociación un total de 8.825 son autores dramáticos y coreógrafos.

El Día Mundial del Teatro (World Theatre Day) se creó en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (IIT) y, todos los años, el 27 de Marzo se organizan distintos eventos para resaltar esta efeméride. En esta edición de 2017, es la actriz francesa Isabelle Huppert la encargada del Mensaje Internacional en el Día Mundial del Teatro.

En su estrategia de apoyo y promoción de las Artes Escénicas, la Sociedad General de Autores y Editores cuenta con un departamento específico para la gestión de los derechos de las obras dramáticas y coreográficas; su misión es fomentar el conocimiento y explotación de las mismas en el mercado.

Además, dentro de los órganos de gobierno de la entidad, está el denominado colegio de Gran Derecho, encargado de velar por la promoción del teatro y la danza que se hace en España. Entre sus miembros se encuentran destacados autores dramáticos y coreógrafos como Paloma Pedrero, Pera Tantiñá (La Fura dels Baus), Juli Disla, Eduardo Galán, Joan Vives o Eva Yerbabuena.

Asimismo, la SGAE, a través de su Fundación, es promotora de numerosas iniciativas que impulsan la labor de nuestros autores dramáticos, coreógrafos y compositores escénicos, como los Premios Max, que nacieron en 1998 de la mano de la entidad.

La cantaora de flamenco Carmen Linares debuta como actriz de teatro en 'Séneca' de Antonio Gala, versionada y dirigida por Emilio Hernández y coproducida por el Centro Dramático Nacional y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, que se representa en el teatro Valle-Inclán de Madrid desde el 24 de marzo al 14 de mayo. "Hay escenas que requieren de un dramatismo que el flamenco tiene", ha asegurado la artista, que interpreta el papel de Helvia.

En la misma línea, ha añadido que hay escenas dramáticas en las que el flamenco tiene "una fuerza", y que por ello está "perfectamente encajado" en esta versión.

Además, Linares ha señalado que se lleva la interpretación de las canciones a su terreno porque "es lo natural" y porque es donde ella se siente bien. "Estoy muy feliz y voy a dar todo lo que tenga dentro porque la obra lo merece", ha dicho.

Sobre esta nueva experiencia, la cantaora ha confesado que al principio estaba "muy asustada" pero que ha recibido la ayuda de todos sus compañeros. Sobre ellos ha comentado que son "extraordinarios", que cantan "muy bien" y que son "muy buenos" actores.

Igualmente, Linares ha agradecido la confianza que le ha dado Emilio Hernández, ya que la ha "convencido" y "engañado" para actuar al tener la obra "muy poco" texto. Por ello, ha bromeado con que cada vez le quita "más cante" y le pone "más texto".

Cuando canta "se para la función"

Por su parte, el actor Antonio Valero, que da vida a Séneca sobre el escenario, ha afirmado que Linares está haciendo de actriz y de cantante, y que cada vez que canta "se para la función", la aplauden, y le dicen al público: "sigan ustedes".

Asimismo, Valero ha subrayado que el texto es "absolutamente" actual, ya que parece que está escrito ahora y no hace 30 años. "Es una obra que mueve mucho al actor y da gusto interpretar a un personaje así", ha dicho.

"Absoluta libertad" por parte de Gala

Por otro lado, Emilio Hernández ha asegurado que ha tenido la "suerte" de que Antonio Gala le diera "absoluta libertad" para llevar a escena su texto. Por ello, ha añadido que desde el principio Gala no puso "ninguna exigencia" y que le dio "toda su confianza" para hacer la obra.

Sobre el texto original, el director ha señalado que ha desarrollado algunas partes al subrayar "mucho más" la belleza introduciendo "algunos" poemas de Antonio Gala. "Es un honor que un autor tan importante del siglo XX esté de vuelta en el teatro con una obra fundamental", ha declarado.

Para Hernández, la función es "un debate y un combate de ideas" que trata los temas de "la ética, el sexo y el poder", y en ella la música, que representa una "suma de culturas", es, en su opinión, un "elemento necesario" porque ocupa el espacio del "combate entre belleza y corrupción".

Un Nerón reprimido por el poder

Por su parte, Diego Garrido, que interpreta a Nerón, ha afirmado que su personaje es la representación del "espíritu joven", de "nuevos impulsos" y de "nuevas formas" de querer hacer las cosas, pero que está reprimido por el "poder, la corrupción, los intereses privados y la caspa".

De este modo, el actor ha subrayado que es "muy hermoso" ver cómo Nerón "en una primera instancia" intentó hacer "grandes cosas" por su pueblo, pero que las figuras de poder que le rodeaban "no se lo permitieron", algo que, a su juicio, ocurre a día de hoy en muchos países. "Es bonito defender eso en escena y representar ideas nuevas y ciertos ideales", ha concluido.

El reparto de la obra lo completan Esther Ortega, que interpreta a Agripina; Eva Rufo, a Popea; José Luis Sendarrubias, a Otón; Aka Thiéméle, a un esclavo; Ignasi Vidal, a Petronio; y Carolina Yuste, a Acté.

Escrito por: Agencia
Fotografía: MarcosGPunto

- Dan Jemmet revisita libremente el clásico del dramaturgo inglés ‘Noche de Reyes’ con ‘Shake’, una comedia inventiva y perspicaz que reflexiona sobre la condición humana
- Con esta pieza se inicia en La Abadia un ciclo de comedia a partir de motivos shakesperianos que se completará con la llegada de los montajes del Teatro de la Ciudad: “La Ternura”, de Alfredo Sanzol, y “Sueño”, de Andrés Lima.

 

La actriz ganadora del Goya a actriz revelación 2016, Irene Escolar, regresará al festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid, que se celebrará del 7 de abril al 7 de mayo, con la puesta en escena de 'Blackbird'.

Según ha informado el Gobierno regional en un comunicado, se trata de un thriller que narra el "atormentado" reencuentro entre dos amantes a quienes darán vida Irene Escolar y José Luis Torrijo, que podrá verse en El Pavón Teatro Kamikaze.

En concreto, el autor escocés David Harrower muestra la historia de un hombre y una mujer que tratan de curar la herida de un amor imposible que "aún sigue abierta".

Respecto a la puesta en escena, la directora Carlota Ferrer ha afirmado que "'Blackbird' es una tragedia contemporánea a modo de thriller". "El conflicto real traspasa la escena, se desplaza al patio de butacas y obliga al espectador a identificarse en lugares incómodos y a vivir emociones difíciles de nombrar", ha dicho.

Así, la función transcurre en único espacio escénico donde conviven diferentes lenguajes como el teatral, el cinematográfico y el performativo, lo cual permite a la narración escénica viajar entre lo real, lo vivido y las heridas del pasado.

Escrito por: Agencia
Fotografía: UIMP

La Fundación SGAE ha convocado el XXVI Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela, el XVIII Premio SGAE de Teatro Infantil y el XI Certamen Internacional Leopoldo Alas Mínguez para textos teatrales, con el propósito de impulsar y apoyar la creación de nuevos textos dramáticos que contribuyan al enriquecimiento del panorama teatral y apoyar a los autores dramáticos, según informa la Fundación.

El plazo de entrega de textos, que se abrió el pasado jueves 2 de marzo, finalizará el próximo 20 de abril. El veredicto de los tres premios se hará público antes del 31 de diciembre y el jurado estará integrado por profesionales de las Artes Escénicas de "reconocido prestigio".

La dotación de estos premios alcanza los 18.000 euros, repartidos de la siguiente forma: 8.000 euros para el Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela, así como para el Premio SGAE de Teatro Infantil, y 2.000 euros para el Certamen Internacional Leopoldo Alas Mínguez.

Además, señala que estos galardones reconocen la inclusión de los textos en el Ciclo SGAE de Lecturas Dramatizadas y su posterior publicación dentro de las colecciones que edita la Fundación SGAE.

Escrito por: Agencia


Juan Diego lleva al Teatro Reina Victoria 'Una gata sobre un tejado de zinc', de Tennesee Williams, a partir del próximo viernes 17 de marzo, una obra que el intérprete considera muy vigente al hablar de las relaciones de poder en la sociedad. "Y nosotros estamos rodeados de tiranos", ha explicado el actor.

"Este texto habla de la sociedad occidental y las relaciones enfermizas que se dan en la sociedad, sobre todo en las que están basadas en el poder. Al frente de estas sociedades siguen habiendo auténticos tiranos y la obra hace hincapié en cómo se reparte el dinero, que es motivo de conflicto", ha apuntado.

El actor ha resaltado que la obra apunta tanto a la importancia del dinero como a la familia "fuente maravillosa de neurosis". "Todos estos problemas hacen una sociedad cada vez más enferma, más mercantilista y que va al 'aquí y ahora'. Hay un tipo de sociedad insolidaria de coge el dinero y corre que está destrozando a la gente", ha indicado.

Preguntado sobre si España está en esa situación, Juan Diego ha asegurado que "se está haciendo todo lo posible" para que los ciudadanos se marchen del país. "No quieren que los niños estudien, se está intentando crear una sociedad clasista, pero cada vez mas reducida, para poder seguir manteniendo el poder sobre el desconocimiento", ha lamentado.

En su caso, asegura que no tiene intención de "marcharse de España", sino de "seguir resistiendo". "Soy un resistente de toda la vida, he estado también en la clandestinidad y peleando. Mientras la gente goce la cultura, no hay que abandonar, porque si se entrega la cultura se entrega todo", ha indicado.

Sin localismos americanos

'Una gata sobre un tejado de zinc caliente', que estará hasta el 14 de mayo en cartel, cuenta con la dirección y versión de Amelia Ochandiano, además de con Eloy Azorín, Begoña Maestre, José Luis Patiño y Marta Molina en el reparto --junto a Juan Diego--. El texto de Williams habla de la reunión de una familia en torno al patriarca, que tiene cáncer pero es el único que no sabe de su enfermedad.

Ochandiano ha optado por eliminar "todos los localismos americanos" --la obra original transcurría en el sur de Estados Unidos en los años 50-- para poder cerrar este "drama contemporáneo". "Lo que a mi me interesa es podría ocurrir igual en Estados Unidos que en una hacienda de Cádiz", ha aseverado, tras admitir que barajó ésa última opción con un terrateniente español.

Los temas que interesan a Ochandiano son "conflictos esenciales" de la sociedad actual: "el amor, el miedo a la muerte o a la verdad e, incluso, a enfrentarse a uno mismo". La dramaturga ha modificado ligeramente el título de la obra que había llegado a España, porque entiende que se ajusta más tanto literalmente como al espíritu del texto.

Una gata, no la gata

"Quise dejar claro que no es el personaje de 'la' gata la protagonista, sino que es coral. Lo que el autor quiere decir es que los personajes están viviendo como una gata en un tejado de zinc, todos viviendo al borde. Hay esa sensación de estar al borde y de no aguantar más, es un sentimiento que recorre a varios de los personajes", ha explicado.

Juan Diego aceptó el papel dos días después de recibir el texto. El actor ha bromeado asegurando sentirse "satisfecho una vez se ha parido a este hijo de puta". "El personaje lo saco de dentro: el canalla, el ángel, el homosexual o el asesino, todos están dentro de notrosos, lo bueno y lo malo. Mi trabajo es sacarlo con el mayor mimo tal y como está concebido por el autor", ha concluido.

Escrito por: Agencia
Fotografía: Carlos Montenegro

Heredero de la riquísima tradición de la commedia dell’arte, Arlequino, servidor de dos amos, interpretado por actores venecianos, abre una inmersión en el mundo de la comedia en el Teatro de La Abadía. Le seguirán Entremeses de Cervantes, a finales de marzo; y en los meses de abril y mayo la libre versión de Noche de Reyes de Shakespeare rebautizado como Shake, de Dan Jemmett, en el marco del Festival de Otoño a Primavera, y las coproducciones de La Abadía y el Teatro de la Ciudad La Ternura y Sueño, de Alfredo Sanzol y Andrés Lima respectivamente, a partir de motivos shakesperianos.
La figura de Arlequino, paradigma del teatro de máscara, y El servidor de dos amos, el texto de Carlo Goldoni más representado en el mundo entero, llegan de la mano del Teatro Stabile del Veneto – Teatro Nazionale a la sala Juan de la Cruz de La Abadía los días 17 y 18 de marzo. Es la primera vez que se puede ver esta compañía en España. Dos únicas oportunidades para ver este montaje dirigido por Giorgio Sangati, que ya como actor llegó a pertenecer al elenco del montaje de referencia con Ferruccio Soleri, lo que le concede un amplio conocimiento sobre la inmortal obra de Goldoni. Marco Zoppello interpreta a Arlequino: barbudo y con una espesa melena roja, enérgico y vital, nada tonto y mucho menos ingenuo que sus predecesores. El reparto de este montaje, que la compañía lleva ya dos años interpretando con éxito, se completa con Anna De Franceschi, Francesco Folena Comini, Eleonora Fuser, Irene Lamponi,  Marta Meneghetti, Michele Mori, Stefano Rota y Laura Serena, a los que acompaña Veronica Canale con su música de acordeón en directo.
En su puesta en escena, Sangati nos sitúa en un extraño ático atestado de viejos baúles y poblado por una animada compañía de actores. A la llegada del público los cómicos abren los baúles, recuperan la ropa usada mil veces, los accesorios magullados por el uso y los instrumentos musicales polvorientos… todo lo necesario para revivir esta pieza maestra de Goldoni. Poco a poco el polvo se desvanece con el sonido de las canciones y la música, y los personajes y máscaras recobran vida.
Una compañía de jóvenes y audaces artistas es la responsable de esta nueva adaptación de El servidor de dos amos que surge a partir de un extraordinario Arlequino, Marco Zoppello, que construye un arquetipo muy alejado de los vistos anteriormente. Un Arlequín que está muy seguro de su inteligencia,  como bien reivindica con orgullo al final del espectáculo, librándose con destreza de las complejas tramas amorosas de sus dos amos, que van tejiendo una enmarañada red.
Para la crítica italiana “la versión de Strehler ocupa un lugar indiscutible en la historia del teatro italiano, pero esta relectura se presenta como una nueva y logradísima reinvención. El director Giorgio Sangati ha conseguido desvincularse de las formas consagradas con soltura y ligereza. Se ha mostrado especialmente atento al trabajo de equipo, con algunos ‘lazzi’ muy bien conseguidos e hilando sin el menor tropiezo una trama apretada y gozosa, para cuya ambientación bastan tres baúles que hacen las veces de paredes y puertas”.
El espectáculo se representa en La Abadía en lengua original con sobretítulos en castellano.

Sinopsis
La conocida obra gira en torno a la figura de Arlequino, que siempre tiene hambre y que para aumentar sus ingresos hace el esfuerzo de servir a dos amos al mismo tiempo, lo cual le obliga a hacer auténticos malabares, y en efecto termina cobrando por partida doble: los palos de uno y otro amo.
Trenzado con esta historia hay un argumento lleno de enredo: de amores no correspondidos, matrimonios forzosos, una mujer que viaja vestida de hombre, fingiendo ser su hermano que todos creen muerto en un asesinato cometido por... uno de los enamorados.
Y así vemos pasar a todas las figuras emblemáticas de la commedia dell’arte —en realidad un estilo anterior al de Goldoni, escritor del Siglo de las Luces—: el rico mercader veneciano, el pedante ‘dottore’, el posadero, la criada, los enamorados…

Teatro Stabile del Veneto – Teatro Nazionale
El Teatro Stabile del Veneto (popularmente conocido como el “Carlo Goldoni”), se fundó en 1992. En 2015 obtiene el reconocimiento de Teatro Nacional, que lo sitúa entre las excelencias nacionales reconociendo el Veneto como una de las regiones teatralmente más fuertes de Italia.
Actualmente dirigido por Massimo Ongaro, produce con frecuencia obras de Goldoni, y en general el teatro del XVII y del XVIII, pero sin descuidar la dramaturgia contemporánea.
De entre los directores de escena que han trabajado en este casa, cabe destacar a Benno Besson, Lluís Pasqual, Pierluigi Pizzi y Jacques Lassalle, junto a actores como Marcello Mastroianni, Giulio Bosetti, Ugo Pagliai y Paola Gassman y jóvenes talentos como Giorgio Sangati, Enrico Castellani y Valeria Raimondi.

Escrito por: Nota de Prensa
Fotografía: Teatro de La Abadía

El actor José Coronado protagoniza desde el próximo jueves 16 de marzo la obra 'Ushuaia' en el Teatro Español, un texto de Alberto Conejero que cuenta la historia de un hombre que huye de sus demonios a la ciudad más austral del mundo y que el autor ha calificado como "thriller emocional".

'Ushuaia', texto ganador del Premio Ricardo López Aranda y que estará en el Español hasta el 16 de abril, cuenta la historia de Mateo, una persona recluida en el bosque y cuya incipiente ceguera le obligará romper su soledad para contratar a la misteriosa Nina. La obra está dirigida por Julián Fuentes Reta y cuenta con un reparto en el que, además de Coronado, están Ángela Villar, Olivia Delcán y Daniel Jumillas.

"Es la historia de un hombre que lucha contra sus fantasmas", ha explicado Conejero, autor de 'La piedra oscura' y que escribió esta obra durante un año en la propia Ushuia, gracias a una beca. Es por ello que este confín apartado en el mundo se convierte en un protagonista más de la pieza.

"Ushuaia no solo es el lugar físico, sino una metáfora de los propios conflictos: un estado del alma pero también una prisión. Me sentía atraído por esa belleza amenazante del espacio", ha señalado. Conejero también ha apuntado que esta parte de la Patagonia "sirvió de refugio a muchos criminales" tras la II Guerra Mundial, aunque sin desvelar más de la trama porque "requiere cierta complicidad del espectador".

Regreso de Coronado al teatro

Coronado regresa al Teatro Español --ya ha estado aquí con otras tres obras-- y asegura que estar en este sitio "genera algo mágico y una energía solo comparable al Teatro romano de Mérida". El actor ha admitido que, una vez tuvo el texto que "llegó por azar", fue el que hizo la gestión y los contactos para participar en la obra de Conejero.

"No solo me convencía el personaje, sino que admiro la obra de Alberto desde que vi 'La piedra oscura', y creo que ésta la supera en belleza y complejidad: además hay una dosis de onirismo que te pone la piel de gallina y lágrimas en los ojos", ha añadido. Para Coronado, cualquier oportunidad es "buena para volver a las tablas, que es de donde el actor tiene que beber".

Conejero ha reconocido que cuando escribió el texto tenía en mente un actor de más edad que la de Coronado, pero que su incorporación a la obra ha añadido matices que hasta el propio autor del texto "desconocía". "No había pensado en él pero está muy bien que haya venido. Es como el amor, que no piensas antes de quién te vas a enamorar", ha indicado.

De Lorca a Moby Dick

Si en 'La piedra oscura' Lorca inundaba el texto del autor jiennense, en 'Ushuaia' es la literatura de viajes del siglo XIX la protagonista, con influencia especial de Joseph Conrad, Jack London o Herman Melville. De hecho, en la obra habrá una ballena en escena que recuerda a Moby Dick, de este último escritor.

"Es una obra de aventuras, donde hay un entramado de raíces y un bosque helado. Alberto lleva este texto lleno de capas a esa literatura de viajes, la transforma y la hace suya para contar que en los confines remotos es donde las verdades afloran", ha defendido Fuentes, premio Max al mejor director en 2015 por 'Cuando deje de llover'.

El propio Conejero ha reconocido que seguirá "fiel a sus obsesiones" con esta nueva obra. La directora del Teatro Español, Carme Portaceli, ha afirmado que la elección de 'Ushuaia' responde al interés por un teatro "que no sea solo realista, sino con un halo poético, y con un lenguaje que te golpea".

Escrito por: Agencia
Fotografía: Teatro Español

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