Un año más apuesta por creadores y artistas de distintos países, nueve en esta edición, que se mueven en territorios arriesgados desde la diversidad, el activismo y la multiplicidad de formatos que van de la performance o el site specific a la instalación interactiva, el teatro y la danza
Una de las propuestas destacadas es la instalación interactiva del artista palestino Basel Zaara, Dear Laila, que comparte la experiencia de desplazamiento y resistencia a través de la historia de su familia en el campo de refugiados de Yarmouk (Siria)
Calidoscópica, de Sonia Gómez, pone el contrapunto con una pieza lúdica y festiva que escenifica el encuentro de dos mujeres y sus vivencias sobre salud mental, creatividad y bienestar
Corrimiento al rojo, un estreno del original colectivo Taller Placer, promete una nota de audacia poética a través de una experiencia de oscuridad y transubstanciación colectiva
Los estrenos de The Miracle Worker, encargo del festival a Victor Longás y Lucas Ares (Desgarradura) con un site specific para el Patio de La Casa Encendida, y Eyilá, de José Ramón Hernández y Osikán-Vivero de creación, que cierran el festival con su pieza sobre cimarronaje y espiritualidad yoruba, completan la programación
Esta XII edición propone una reflexión sobre algunas cuestiones cruciales para nuestra sociedad: el aislamiento social radical, el pensamiento marginal, la salud mental, el desplazamiento, la resistencia, el cimarronaje, la fugitividad y la experiencia de oscuridad asociada a la luz.
Ídem 2024 presenta seis propuestas, tres estrenos absolutos y otro en España, de creadores que se mueven en territorios arriesgados y que trabajan desde la diversidad y el activismo con colectivos o material muy sensible. Creadores y artistas procedentes de Francia, Cuba, Palestina y España, con la participación de artistas de Japón, Venezuela, Guinea Ecuatorial, Ecuador o República Dominicana.
Sus proyectos presentan multiplicidad de formatos que van de la performance o el site specific a la instalación interactiva, el teatro y la danza. Todos ellos dialogan entre sí, nos convocan, nos provocan y nos interrogan. ¿Qué cuerpos importan?, ¿quién se merece una vida visible?, ¿qué vidas cuentan?
Son algunas de las cuestiones que plantea el Festival que se abrirá el viernes 13 de septiembre con HIKU, la esperada pieza esperada de la compañía francesa Shonen, que presenta por primera vez su trabajo en España, dirigida por Anne-Sophie Turión y Eric Ming Cuong.Su propuesta transita entre la performance y el cine, la ficción y el documental, y convoca a través de robots en tiempo real a los propios hikikomori, colectivo que voluntariamente se ha aislado de todo contacto con la sociedad y que se presentan aquí como un grupo resistente a los mandatos contemporáneos. La pieza abre el espacio para un encuentro que de otro modo habría sido imposible.
Otra de las intervenciones destacadas del festival es la de Basel Zaraa, artista palestino que estrena en nuestro país su pieza Dear Laila (ganadora del premio del público ZKB 2023), una instalación íntima e interactiva que comparte la experiencia palestina de desplazamiento y resistencia a través de la historia de su propia familia en el campo de refugiados de Yarmouk, explorando cómo la guerra y el exilio se experimentan a través del espacio cotidiano, doméstico y público. Para ello da vida a este lugar, ahora destruido, a través de la narración de historias familiares y de una aproximación sensorial.
Desde otro registro, más cercano a lo lúdico y festivo, Calidoscópica, de la bailarina, performer y coreógrafa Sonia Gómez, explora la idea de los cuerpos que son aislados por la sociedad. En un espectáculo performativo, musical y dancístico que escenifica el encuentro de dos mujeres y sus vivencias sobre salud mental, creatividad y bienestar, propone darnos a conocer de primera mano la potencialidad que puede llegar a tener la estigmatizada locura o trastorno mental.
Paula Miralles y Vicente Arlandis, del colectivo Taller Placer, estrenan su pieza Corrimiento al rojo, un site specific donde proponen una experiencia de oscuridad y transubstanciación colectiva. La propuesta apela a otras maneras de componer nuestra imaginación sensorial, de lo que se puede revelar detrás de aquello que se esconde, desde una mirada científica y poética a la vez.
Otros dos estrenos completan la programación
Victor Longás y Lucas Ares (Desgarradura), presentan The Miracle Worker, pieza pensada para el Patio de La Casa Encendida y donde proponen al público diferentes espacios escénicos por los que transitar para presentarnos sus reflexiones sobre la soledad, el aislamiento y la desaparición social del individuo, moviéndose entre los límites de la realidad y la ficción.
Ídem 2024 se clausura el sábado 21 de septiembre con el estreno de Eyilá, de José Ramón Hernández y Osikán-Vivero de creación, que tiene como punto de partida la pregunta «¿dónde radica la fuerza política de nuestra espiritualidad?». El proyecto está desarrollado junto a comunidades que se excluyen del espacio social voluntaria e involuntariamente, personas afro, migrantes, trans y racializadas, y construye un archivo vivo de espiritualidad, memoria, resistencias, cimarronaje, reparación y sanación.
El festival está comisariado por Marisa Lull.
Ídem 2024 cuenta con el apoyo del INAEM.
Colaboran: Fundación ONCE y Fundación Japón, Madrid.
Las entradas están disponibles en www.lacasaencendida.es.
Programa
SITE SPECIFIC
Corrimiento al rojo, de Taller Placer
Viernes 13 y sábado 14 de septiembre, 19:00 h
Estreno
Una pieza que explora la relación entre cuerpo, presencia y oscuridad desde dos vertientes: una científica relacionada con el estudio de la luz como fenómeno físico a lo largo de la historia y otra más poética relacionada con los diferentes significados y narrativas que el binomio luz versus oscuridad han tenido en nuestra construcción cultural.
Corrimiento al rojo es una pieza escénica site specific que surge de una investigación artística sobre noche y oscuridad realizada por Paula Miralles y Vicente Arlandis (Taller Placer).
La propuesta de base para la creación de la pieza consiste en la construcción de una cámara oscura y la recreación de experimentos científicos con filtros y prismas para difractar, refractar y reflejar la luz, así como la recreación del fenómeno del eclipse. Una experiencia de oscuridad y transubstanciación colectiva que explora cómo la luz, el espacio, la palabra y el sonido trabajan juntos y afectan nuestros cuerpos. Este estado en el cual nos coloca la propuesta apela a otras maneras de componer nuestra imaginación sensorial, nos habla de lo que se puede revelar detrás de aquello que se esconde y nos confirma que estar perdidas durante un rato en un mundo lleno de certezas puede ser también una buena manera de habitarlo.
Paula Miralles y Vicente Arlandis forman Taller Placer, un lugar desde donde promueven el uso y la creación de prácticas de diferentes tipos que son en sí mismas críticas y que pueden ser utilizadas como herramientas de transformación social y personal. Sus proyectos se desarrollan en varias líneas: proyectos de investigación y edición, trabajos de creación artística, talleres de formación y programación de artes vivas. Han desarrollado proyectos en colaboración con instituciones reconocidas dentro del campo de la investigación en artes vivas tales como Centro Conde Duque de Madrid, el Instituto Valenciano de Arte Moderno o Medialab Prado de Madrid entre otras. Sus proyectos han sido seleccionados y desarrollados en convocatorias públicas de importantes instituciones culturales de la ciudad de Valencia como Centre de Cultura Contemporània del Carme, el Institut Valencià de Cultura, el Ayuntamiento de Valencia o el Centro de Creación escénica La Granja del IVC.
PERFORMANCE
Viernes 13 y sábado 14 de septiembre, 20 h
Estreno en España
HIKU lleva a escena el fenómeno japonés de los hikikomori, esos reclusos voluntarios aislados de toda vida social, cuyo único contacto con el exterior es a través de la televisión, Internet y los videojuegos en línea, conectando en directo con tres de ellos. Mediante robots teledirigidos se los dota de presencia pública y poder de acción. Una pieza a medio camino entre el cine y la performance, la ficción y el documental.
La piezaabre el espacio para un encuentro que de otro modo habría sido imposible. En el escenario, o más exactamente en telepresencia, Shizuka, Mastuda y Yagi, tres hikikomori en proceso de resocialización, hablan, interactúan con el público, mueven piezas del decorado y despliegan pancartas. Cada uno pilota su robot desde su dormitorio, a miles de kilómetros de distancia, mientras Yuika, su intérprete y compañera de actuación, les acompaña en el escenario en carne y hueso.
Intercaladas con las acciones escénicas, las secuencias cinematográficas abren una ventana a su intimidad, aquí revisitada o incluso fantaseada, navegando entre los recuerdos de sus años de retiro y las sensaciones actuales. Recorriendo la fascinación que genera el fenómeno Hikikomori, HIKU invita al público a entrar en contacto con su pensamiento marginal, su relación distanciada con el mundo, su forma de detener el tiempo. Como reflejo de nuestras propias elecciones íntimas, cuestionan nuestras vulnerabilidades, nuestras soledades, nuestras capacidades para desconectarnos de la realidad de una manera más o menos elegida y nuestras capacidades de resistencia. Habitado por robots, el escenario se convierte en un espacio inquietante que sacude nuestras relaciones con la virtualidad, con el cuerpo vivo y la noción de presencia.
Anne-Sophie Turion
Es artista visual y performer. Aborda la realidad y la recalifica para inclinarla del lado de la ficción. En 2014 fundó con Jeanne Moynot la compañía Le parc à thèmes, con la que crea piezas a caballo entre las artes visuales y la performance en vivo. Su trabajo se ha presentado, en particular, en el festival Actoral (Marsella), el festival Hors-pistes – Centre Pompidou (París), el Frac PACA (Marsella), el festival Drodesera – Centrale Fies (Italia).
Eric Minh Cuong
El coreógrafo y artista visual Eric Minh Cuong con su compañía Shonen («chico joven» en japonés), aúna danza, nuevas tecnologías (robots humanoides, drones, realidad aumentada, etc.) y el cuerpo in situ en sus en espectáculos, instalaciones, performances y películas. Su trabajo se ha mostrado en Francia y Europa (Palais de Tokyo, Tanzhaus NRW Dusseldorf, Festival de Marseille, Charleroi danse, Nuit Blanche Paris 2018, etc.) y ha recibido varios premios (Audi talents 2017, Bourse Beaumarchais Sacd Danse y el premio LE BAL-ADAGP de joven creación contemporánea para 2021).
Eric Minh Cuong Castaing es artista asociado en el Ballet Nacional de Marsella (2016-2019), y a partir de 2020 en la Comédie de Valence.
La compañía Shonen está subvencionada por la DRAC Provence-Alpes-Côte d’Azur y recibe apoyo operativo del Ayuntamiento de Marsella. Recibe financiación para proyectos de la Región Sur y el Departamento de Bouches-du-Rhône. Ha recibido apoyo de la Fondation Daniel et Nina Carasso – artiste citoyen engagé en 2023. Eric Minh Cuong Castaing es miembro del Ensemble Artistique de la Comédie de Valence y es artista asociado de ICK Dans Ámsterdam desde 2020.
Colaboran: Fundación ONCE y Fundación Japón, Madrid.
PERFORMANCE
Domingo 15 de septiembre, 13 h
Espectáculo performativo, musical y dancístico que escenifica el encuentro de dos mujeres y sus vivencias sobre salud mental, creatividad y bienestar.
Calidoscópica es una invitación de la bailarina, performer y coreógrafa Sonia Gómez a Encarni Espallargas, un espectáculo performativo, musical y dancístico que escenifica el encuentro de dos mujeres.
La pieza gira en torno a las vivencias de las dos performers teniendo en cuenta la salud mental, la creatividad y el bienestar. En escena se construye un relato con ejes entrelazados que invitan a imaginar cómo sería la vida con una esquizofrenia productiva.
Calidoscópica indaga en el tipo de filtro para convertirse en visible y dar a conocer de primera mano la potencialidad que puede llegar a tener la estigmatizada locura o trastorno mental.
Sonia Gómez
«Bailarina, performer y coreógrafa. Estudio Danza Contemporánea y Coreografía en el Institut del Teatre de Barcelona y en P.A.R.T.S Bruselas, Bélgica. Desde el año 2004 desarrollo proyectos que tienen como eje temático la identidad, pero también el descubrimiento de ciertas imposturas sociales a través del arte y de las imposturas del arte a través del cuerpo y la performance. Actuando en: España, Reino Unido, Italia, Alemania, Francia, Estonia, Portugal, EUA, Brasil, México, Holanda, China, Colombia, Chile, República Checa y Canadá.
2007 Premio FAD Sebastià Gasch. 2010 Premio espectáculo innovador en gira, Experiéncias con un desconocido. Feria internacional/Huesca. 2017 Premio Delfí Colomer mención especial, A vore. 2018 Premio mejor espectáculo de danza Premios butaca, A vore.
2022 Mejor coreografía, Premios butaca, The black body, the blue mind and the fluorescent guts. 2022 Mejor diseño iluminación, Anna Rovira, Premios apdc, The black body, the blue mind and the fluorescent guts».
Encarni Espallargas
«Nací prematura, éramos trillizas, María José y Florentina Bienvenida murieron, yo fui la más pequeña, me llamo Encarni como mi madre.
A los diez años perdí la visión del ojo izquierdo.
Durante 14 años trabajé en una editorial, no estaba contratada y el trato era malo.
Tengo un trastorno mental y sigo un tratamiento medicado.
Formo parte de diversas iniciativas participativas, grupos de trabajo y de investigación que acompañan a las enfermedades mentales, como Veus o la compañía La Trifulca dels Fútils.
Compongo e interpreto canciones a capella, una recopilación titulada: Con el corazón en las manos‘».
Colabora: Fundación ONCE.
INSTALACIÓN
Jueves 19, viernes 20 y sábado 21, 10 h
La instalación Dear Laila replica la casa en miniatura de una familia donde un padre palestino le cuenta a su hija de cinco años sobre el lugar donde creció y por qué no pueden visitarlo. A través de audiocuentos, fotografías y artefactos, su creador Basel Zaraa comparte su propia historia de exilio, desplazamiento y resistencia.
Las semillas de Dear Laila se plantaron cuando la hija de Basel, de cinco años, empezó a preguntarle por su casa cuando era pequeño. Ante la imposibilidad de llevarla allí, Basel decidió acercarle el lugar creando una maqueta de la casa de su infancia en el campo de refugiados palestinos de Yarmouk, en Damasco.
Dear Laila comparte la experiencia palestina del desplazamiento y la resistencia a través de la historia de una familia, explorando cómo la guerra y el exilio se viven a través de lo cotidiano, lo doméstico y el espacio público. Es una instalación íntima e interactiva que recrea su casa familiar destruida en el campo de refugiados palestinos de Yarmouk en Damasco en la que participa un espectador cada vez, y que utiliza la narración de recuerdos y detalles táctiles para dar vida a este lugar ahora destruido.
Ganadora del Premio ZKB del Público 2023.
Basel Zaraa es un artista palestino radicado en el Reino Unido cuyo trabajo utiliza los sentidos para acercar al público a las experiencias del exilio y la búsqueda de identidad. Su proyecto actual, Dear Laila, ganó el Premio del Público ZKB en 2023. Su trabajo anterior incluye As Far As My Fingertips Take Me, una colaboración con Tania El Khoury que recibió el premio a la producción destacada en los Premios Bessie en 2019. Su trabajo se ha mostrado en más de 40 salas y festivales en los cinco continentes.
PERFORMANCE
The Miracle Worker, de Desgarradura
Jueves 19 de septiembre, 21 h
Estreno
The Miracle Worker es una pieza que rastrea entre los límites de la realidad y la ficción, teniendo en su eje central la idea de soledad extrema, de las soledades elegidas e impuestas.
Con el uso del vídeo en directo como elemento narrativo fundamental y experimentando con la imagen y otros modos de generar presencias en escena, Desgarradura (Víctor Longás y Lucas Ares) nos invitan a vivir una experiencia entre los límites del cine, el teatro y un concierto mediante un dispositivo que pone al espectador en el centro del espacio deambulando y siguiendo a 4 intérpretes que se enfrentan a la idea de la soledad dentro de su profesión. La pieza se despliega como una revista de variedades en la que, a través de diferentes técnicas y estilos escénicos, se construye un imaginario con el que repensar las formas de habitar nuestras vidas
Lucas Ares (actor, bailarín y creador escénico) y Víctor Longás (escenógrafo, artista plástico y creador escénico) se conocen en el contexto de la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid en 2017 y comienzan a trabajar aunando sus visiones afines sobre la escena en diferentes proyectos.
Desde 2021, bajo el nombre de Desgarradura, han estrenado varias piezas de creación propia como Díptico de Verónica, en el Teatro de La Abadía, en el marco de Domingos de Insurrección, festival de creación contemporánea en espacios no convencionales y que ha podido verse en otros espacios como el Contenedor Cultural de la UMA; o Criadas en el Teatro Galileo – Quique San Francisco, dentro del segundo festival Sala Joven, que ha podido verse además en el Salón Teatro del Centro Dramático Gallego.
El trabajo que realizan en Desgarradura se sitúa en el espacio de convergencia entre las artes plásticas y los lenguajes propios de las escénicas, un espacio lleno de tensiones donde entender y expandir el acto escénico en sí. Colocan en el centro de su práctica el uso de vídeo en directo como elemento narrativo fundamental de las piezas, experimentando con la imagen y los modos de generar presencias en escena.
PERFORMANCE
Eyilá, de José R. Hernández y Osikán-Vivero de creación
Sábado 21 de septiembre, 21 h
Estreno
Clausura del festival Ídem 2024 con el estreno de Eyilá, una ceremonia escénica que parte de la pregunta: ‘¿Dónde radica la fuerza política de nuestra espiritualidad?’ y que explora el cruce entre el cuerpo filosófico yoruba, las ritualidades afrocaribeñas y las performatividades contemporáneas.
Eyilá en lengua yoruba significa ‘candela’ y es el signo número doce del diloggún (sistema de adivinación de la Regla de Osha Ifá ). Eyilá es el segundo episodio de la serie ‘Opira‘ de Osikán-Vivero de creación, que inició en La Habana en 2019 con la obra Okana – ritual afroRadioactivo y que explora la ritualidad afrodescendiente, los cuerpos mitológicos y filosóficos que la sostienen y pone en crisis las idea de representación y performatividad.
José Ramón Hernández
Artista indisciplinar afrocubano graduado del Instituto Superior de Arte de Cuba. Fundador y director artístico de Osikán-Vivero de creación y de la Residencia Afronteriza del Centro Cultural Espacio Afro de Madrid. Su práctica se desplaza entre la dirección artística, la dramaturgia, la coreografía, el comisariado, la instalación, la performance, la educación, la mediación y la gestión cultural.
Su investigación creativa pone foco en las ritualidades afrodescendientes, la performatividades, las cuerpas periféricas, las materias, las espiritualidades, las memorias, las migraciones, las cartografías y los deseos. Ensaya los límites entre la ficción y la realidad, el trabajo con documentos no ficcionales y las herramientas de lo sensible para afectar e intervenir procesos sociales y comunidades.
Recibió el Premio Circuito de las Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid 2022, con la instalación Ojú inú yàrá, el Premio Villanueva de la Crítica (Unión Nacional de Artistas de Cuba UNEAC y Asociación Internacional de Críticos de Teatro) y el Premio Aire Frío (Asociación de jóvenes escritores y artistas de Cuba) por la obra BaqueStriBois 2016 y el Primer Premio en La Fiesta de las relaciones 2006 por la obra Maferefún pa Antonia.
Su obra se ha mostrado en Cuba, México, Chile, República Dominicana, Canadá, Alemania, Bélgica, Estados Unidos, Brasil y España.
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