Heredero de la riquísima tradición de la commedia dell’arte, Arlequino, servidor de dos amos, interpretado por actores venecianos, abre una inmersión en el mundo de la comedia en el Teatro de La Abadía. Le seguirán Entremeses de Cervantes, a finales de marzo; y en los meses de abril y mayo la libre versión de Noche de Reyes de Shakespeare rebautizado como Shake, de Dan Jemmett, en el marco del Festival de Otoño a Primavera, y las coproducciones de La Abadía y el Teatro de la Ciudad La Ternura y Sueño, de Alfredo Sanzol y Andrés Lima respectivamente, a partir de motivos shakesperianos.La figura de Arlequino, paradigma del teatro de máscara, y El servidor de dos amos, el texto de Carlo Goldoni más representado en el mundo entero, llegan de la mano del Teatro Stabile del Veneto – Teatro Nazionale a la sala Juan de la Cruz de La Abadía los días 17 y 18 de marzo. Es la primera vez que se puede ver esta compañía en España. Dos únicas oportunidades para ver este montaje dirigido por Giorgio Sangati, que ya como actor llegó a pertenecer al elenco del montaje de referencia con Ferruccio Soleri, lo que le concede un amplio conocimiento sobre la inmortal obra de Goldoni. Marco Zoppello interpreta a Arlequino: barbudo y con una espesa melena roja, enérgico y vital, nada tonto y mucho menos ingenuo que sus predecesores. El reparto de este montaje, que la compañía lleva ya dos años interpretando con éxito, se completa con Anna De Franceschi, Francesco Folena Comini, Eleonora Fuser, Irene Lamponi,  Marta Meneghetti, Michele Mori, Stefano Rota y Laura Serena, a los que acompaña Veronica Canale con su música de acordeón en directo.En su puesta en escena, Sangati nos sitúa en un extraño ático atestado de viejos baúles y poblado por una animada compañía de actores. A la llegada del público los cómicos abren los baúles, recuperan la ropa usada mil veces, los accesorios magullados por el uso y los instrumentos musicales polvorientos… todo lo necesario para revivir esta pieza maestra de Goldoni. Poco a poco el polvo se desvanece con el sonido de las canciones y la música, y los personajes y máscaras recobran vida.Una compañía de jóvenes y audaces artistas es la responsable de esta nueva adaptación de El servidor de dos amos que surge a partir de un extraordinario Arlequino, Marco Zoppello, que construye un arquetipo muy alejado de los vistos anteriormente. Un Arlequín que está muy seguro de su inteligencia,  como bien reivindica con orgullo al final del espectáculo, librándose con destreza de las complejas tramas amorosas de sus dos amos, que van tejiendo una enmarañada red.Para la crítica italiana “la versión de Strehler ocupa un lugar indiscutible en la historia del teatro italiano, pero esta relectura se presenta como una nueva y logradísima reinvención. El director Giorgio Sangati ha conseguido desvincularse de las formas consagradas con soltura y ligereza. Se ha mostrado especialmente atento al trabajo de equipo, con algunos ‘lazzi’ muy bien conseguidos e hilando sin el menor tropiezo una trama apretada y gozosa, para cuya ambientación bastan tres baúles que hacen las veces de paredes y puertas”.El espectáculo se representa en La Abadía en lengua original con sobretítulos en castellano. SinopsisLa conocida obra gira en torno a la figura de Arlequino, que siempre tiene hambre y que para aumentar sus ingresos hace el esfuerzo de servir a dos amos al mismo tiempo, lo cual le obliga a hacer auténticos malabares, y en efecto termina cobrando por partida doble: los palos de uno y otro amo.Trenzado con esta historia hay un argumento lleno de enredo: de amores no correspondidos, matrimonios forzosos, una mujer que viaja vestida de hombre, fingiendo ser su hermano que todos creen muerto en un asesinato cometido por… uno de los enamorados.Y así vemos pasar a todas las figuras emblemáticas de la commedia dell’arte —en realidad un estilo anterior al de Goldoni, escritor del Siglo de las Luces—: el rico mercader veneciano, el pedante ‘dottore’, el posadero, la criada, los enamorados… Teatro Stabile del Veneto – Teatro NazionaleEl Teatro Stabile del Veneto (popularmente conocido como el “Carlo Goldoni”), se fundó en 1992. En 2015 obtiene el reconocimiento de Teatro Nacional, que lo sitúa entre las excelencias nacionales reconociendo el Veneto como una de las regiones teatralmente más fuertes de Italia.Actualmente dirigido por Massimo Ongaro, produce con frecuencia obras de Goldoni, y en general el teatro del XVII y del XVIII, pero sin descuidar la dramaturgia contemporánea.De entre los directores de escena que han trabajado en este casa, cabe destacar a Benno Besson, Lluís Pasqual, Pierluigi Pizzi y Jacques Lassalle, junto a actores como Marcello Mastroianni, Giulio Bosetti, Ugo Pagliai y Paola Gassman y jóvenes talentos como Giorgio Sangati, Enrico Castellani y Valeria Raimondi. Escrito por: Nota de PrensaFotografía: Teatro de La Abadí...

El actor José Coronado protagoniza desde el próximo jueves 16 de marzo la obra ‘Ushuaia’ en el Teatro Español, un texto de Alberto Conejero que cuenta la historia de un hombre que huye de sus demonios a la ciudad más austral del mundo y que el autor ha calificado como «thriller emocional». ‘Ushuaia’, texto ganador del Premio Ricardo López Aranda y que estará en el Español hasta el 16 de abril, cuenta la historia de Mateo, una persona recluida en el bosque y cuya incipiente ceguera le obligará romper su soledad para contratar a la misteriosa Nina. La obra está dirigida por Julián Fuentes Reta y cuenta con un reparto en el que, además de Coronado, están Ángela Villar, Olivia Delcán y Daniel Jumillas. «Es la historia de un hombre que lucha contra sus fantasmas», ha explicado Conejero, autor de ‘La piedra oscura’ y que escribió esta obra durante un año en la propia Ushuia, gracias a una beca. Es por ello que este confín apartado en el mundo se convierte en un protagonista más de la pieza. «Ushuaia no solo es el lugar físico, sino una metáfora de los propios conflictos: un estado del alma pero también una prisión. Me sentía atraído por esa belleza amenazante del espacio», ha señalado. Conejero también ha apuntado que esta parte de la Patagonia «sirvió de refugio a muchos criminales» tras la II Guerra Mundial, aunque sin desvelar más de la trama porque «requiere cierta complicidad del espectador». Regreso de Coronado al teatro Coronado regresa al Teatro Español –ya ha estado aquí con otras tres obras– y asegura que estar en este sitio «genera algo mágico y una energía solo comparable al Teatro romano de Mérida». El actor ha admitido que, una vez tuvo el texto que «llegó por azar», fue el que hizo la gestión y los contactos para participar en la obra de Conejero. «No solo me convencía el personaje, sino que admiro la obra de Alberto desde que vi ‘La piedra oscura’, y creo que ésta la supera en belleza y complejidad: además hay una dosis de onirismo que te pone la piel de gallina y lágrimas en los ojos», ha añadido. Para Coronado, cualquier oportunidad es «buena para volver a las tablas, que es de donde el actor tiene que beber». Conejero ha reconocido que cuando escribió el texto tenía en mente un actor de más edad que la de Coronado, pero que su incorporación a la obra ha añadido matices que hasta el propio autor del texto «desconocía». «No había pensado en él pero está muy bien que haya venido. Es como el amor, que no piensas antes de quién te vas a enamorar», ha indicado. De Lorca a Moby Dick Si en ‘La piedra oscura’ Lorca inundaba el texto del autor jiennense, en ‘Ushuaia’ es la literatura de viajes del siglo XIX la protagonista, con influencia especial de Joseph Conrad, Jack London o Herman Melville. De hecho, en la obra habrá una ballena en escena que recuerda a Moby Dick, de este último escritor. «Es una obra de aventuras, donde hay un entramado de raíces y un bosque helado. Alberto lleva este texto lleno de capas a esa literatura de viajes, la transforma y la hace suya para contar que en los confines remotos es donde las verdades afloran», ha defendido Fuentes, premio Max al mejor director en 2015 por ‘Cuando deje de llover’. El propio Conejero ha reconocido que seguirá «fiel a sus obsesiones» con esta nueva obra. La directora del Teatro Español, Carme Portaceli, ha afirmado que la elección de ‘Ushuaia’ responde al interés por un teatro «que no sea solo realista, sino con un halo poético, y con un lenguaje que te golpea». Escrito por: AgenciaFotografía: Teatro Españo...

El actor y director teatral Miguel del Arco llevará al Pavón Teatro Kamikaze desde este jueves 9 de marzo su adaptación de ‘Misántropo’, de Moliere, en la que se aborda la «relación del hombre con la verdad y la honestidad», que para el autor está «totalmente desaparecida» en la política actual. «Los políticos usan una retórica indignante y que parte de la base de que el ciudadano de a pie es idiota. La verdad tiene muchos lados, pero en algunos casos es como es y los políticos han conseguido desarrollar una retórica en la que parece que nada importa. Sobre eso estamos construyendo esta ciudad y me parece terrible», ha señalado el autor. Del Arco ha llevado el texto de ‘Misántropo’ a la sociedad actual –renunciando a usar versos alejandrinos del original, por ejemplo–, aunque siempre con la línea de «buscar una fidelidad con el autor» en las adaptaciones de clásicos. Israel Elejalde dará vida a Alcestes, quien decide aislarse para buscar la «libertad necesaria para ser un hombre decente». Sin pelucas «En la adaptación hay una fidelidad de espíritu, no literal, para que el ciudadano se sienta reconocido en la obra, algo que siempre fue el esfuerzo y la búsqueda del propio Moliere. No se es más fiel por poner a personajes con pelucas y caras blancas, porque te alejaría de lo que quieres contar», ha señalado. Preguntado sobre su identificación con el personaje, Del Arco ha reconocido que no se ha «sentido en ningún momento» un misántropo, apostando por «el entendimiento» entre las personas antes que el aislamiento y el rechazo. «Estamos condenados a entendernos, aunque a veces resulte más cansino y complicado hay que intentarlo permanentemente», ha añadido. Alcestes no era misántropo De hecho, el director de la obra se identifica con el personajes de Alcestes, quien tampoco es un misántropo en el sentido estricto de la palabra, puesto que «siempre quiso volver a la sociedad». «Él quiere cambiar, buscando una nueva manera de relacionarse desde la honestidad, pero se pega un batacazo por amor», ha apuntado. En cualquier caso, Del Arco ha alertado de que el ser humano «nunca podrá encontrar la verdad absoluta» porque «el cambio es algo constante» en su condición. «Por más que uno intente ser honesto consigo mismo, hay situaciones y compromisos que hacen que la verdad no sea duradera. En cualquier caso, yo creo en lo que decía Machado: ‘Tu verdad no, la verdad. Y sal conmigo a buscarla», ha concluido. ‘Misántropo’ lleva más de tres años en escena girando por distintas ciudades españoles y su regreso a Madrid supone un refuerzo de la apuesta del Pavón Teatro Kamikaze por «convertirse en un teatro de repertorio». «Esto nos permite que las nuevas generaciones puedan disfrutar de un montaje que ha tenido cierto éxito». Escrito por: AgenciaFotografía: Eduardo Moren...

El dramaturgo César Oliva dirige en Madrid ‘Las bicicletas son para el verano’, obra con la que el teatro Fernán Gómez celebrará su 40 aniversario, que regresará al escenario catorce años después de su última reposición. «Necesitamos enfoques distintos sobre la Guerra Civil que enriquezcan cualquier discurso», ha manifestado Oliva este miércoles 8 de marzo durante una entrevista con motivo de la puesta en escena de esta obra, que podrá verse en el teatro madrileño desde este jueves día 9 hasta el próximo 30 de abril. La obra cuenta los avatares de una familia de clase media en Madrid durante la Guerra Civil y se enfoca principalmente en la perspectiva de Luis, el chico que pide a sus padres una bicicleta para ese verano del 1936. En palabras del dramaturgo, la habilidad de Fernán Gómez está en narrar esta historia «en clave de comedia» porque muestra la visión de «una familia de clase media normalita sin ninguna implicación política que vive los avatares de la Guerra Civil desde el comedor de su casa». «Esa habilidad le da también una vigencia extraordinaria porque no hay día en el que no aparezca un tema relacionado con la memoria histórica», ha resaltado Oliva, quien considera que nunca se habla demasiado acerca de este asunto. «Es raro el año que no se estrena una película o se publica una novela sobre la Guerra de Secesión de Estados Unidos», ha argumentado. Modernidad y simbolismo Según ha explicado, la novedad de esta puesta en escena reside principalmente en la «eliminación de elementos secundarios» para dar «más valor» a las historias de la familia que protagoniza la obra y mostrar su «conflicto vital», por lo que se han eliminado escenas y se ha reducido la duración final. Asimismo, hay una «búsqueda de elementos simbolistas que evitan el peligro del costumbrismo y del casticismo que suele estar detrás de muchas escenas», que además consigue una obra «más moderna y accesible, que llegue de una manera más rotunda al espectador». En cuanto al decorado, ha señalado que lo primero que ve el espectador es un escenario vacío con muebles al fondo, como parte de una «posible idea soñada» que lleva a pensar que hay aspectos «en el fondo de la memoria» que van a apareciendo...

El teatro Sanpol de Madrid estrenará el próximo domingo el musical ‘Aladino y la lámpara’ que podrá verse hasta el 9 de abril. Se trata de una nueva versión musical, a cargo de la Compañía La Bicicleta, de los cuentos de las ‘Las mil y una noches’ ambientada en un Oriente Mágico. La música está compuesta por H21, el mismo equipo de producción de ‘La isla del tesoro’ y que también realizaron la versión de la ‘La flauta mágica’ de Mozart con la que el teatro Sanpol obtuvo el Premio Gran Vía al mejor espectáculo familiar del año 2007. En el reparto de ‘Aladino’ figuran algunos de los integrantes de La Bicicleta, compañía que puso en escena ‘Caperucita Roja’, que ha obtenido un gran éxito de público esta temporada. El inquieto e idealista Aladino estará interpretado por Quim Capdevilla; la hermosa princesa Badulbudur por Adriana Vaquero; el rey juguetón por Víctor Benedé, la valerosa madre por Natalia Jara, el visir por Miguel Cazorla y el genio de la lámpara por Carlos London. Personajes que, junto a otros de la fábula oriental y a alfombras voladoras, castillos que aparecen y desaparecen en un abrir y cerrar de ojos, y a genios de mal genio, parecen surgir de una lámpara encantada. La obra se pondrá en escena a partir de este domingo, 12 de marzo, a partir de las 17,30 horas...

El teatro Sanpol de Madrid estrenará el próximo domingo el musical ‘Aladino y la lámpara’ que podrá verse hasta el 9 de abril. Se trata de una nueva versión musical, a cargo de la Compañía La Bicicleta, de los cuentos de las ‘Las mil y una noches’ ambientada en un Oriente Mágico. La música está compuesta por H21, el mismo equipo de producción de ‘La isla del tesoro’ y que también realizaron la versión de la ‘La flauta mágica’ de Mozart con la que el teatro Sanpol obtuvo el Premio Gran Vía al mejor espectáculo familiar del año 2007. En el reparto de ‘Aladino’ figuran algunos de los integrantes de La Bicicleta, compañía que puso en escena ‘Caperucita Roja’, que ha obtenido un gran éxito de público esta temporada. El inquieto e idealista Aladino estará interpretado por Quim Capdevilla; la hermosa princesa Badulbudur por Adriana Vaquero; el rey juguetón por Víctor Benedé, la valerosa madre por Natalia Jara, el visir por Miguel Cazorla y el genio de la lámpara por Carlos London. Personajes que, junto a otros de la fábula oriental y a alfombras voladoras, castillos que aparecen y desaparecen en un abrir y cerrar de ojos, y a genios de mal genio, parecen surgir de una lámpara encantada. La obra se pondrá en escena a partir de este domingo, 12 de marzo, a partir de las 17,30 horas...

El Teatro de la Comedia de Madrid acoge, desde el próximo día 8 hasta el 26 de marzo, el drama político ‘La judía de Toledo’ de Lope de Vega, versionada y dirigida por Laila Ripoll, que define al texto como «Lope en estado puro». El espectáculo se representa con motivo del 25 aniversario de Micomicón Teatro, que coproduce la obra junto a la Compañía Nacional de Teatro Clásico. La obra ha sido presentada este lunes 6 de marzo por Laila Ripoll, la directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Helena Pimenta, y los actores Manuel Agredano, Federico Aguado, Ana Varela, Mariano Llorente, Elisabet Altube, Teresa Espejo, Marcos León y Jorge Varandela. El texto de Lope de Vega, que este año cumple su 400 aniversario, es, según Laila Ripoll, un drama político donde los hombres de poder se comportan de manera reconocible en muchas actitudes que se pueden ver hoy, algo que «interesa» e «inquieta» a la directora. Además, Ripoll ha afirmado que en este texto «espléndido» hay un espectáculo posible lleno de «lecturas complejas, momentos desconcertantes, deslumbrantes de belleza e inquietantes», y que se trata de una obra «muy política y de amor», con un «aire de misterio sobrenatural» que la hace «muy interesante». Por otro lado, la directora ha comentado que han situado la obra en un «pasado cercano», en los años 60 y 70, ya que no «resultaba interesante» situarla en la actualidad. «Sin tocar el texto no chirría que vayan vestidos más o menos contemporáneos», ha añadido. Para Ripoll, se trata de una historia «de poder, de amor y de misterio», de un drama político en el que el rey hace «vejación» de sus funciones por estar con su amante, una temática que, a su juicio, «a cualquiera le llama». En la misma línea, Helena Pimenta ha comentado que como no se trata de un texto «cotidiano» permite que el público alcance un conocimiento y una sensibilidad que «no tiene en su vida normal». Asimismo, ha manifestado que se trata de uno de los espectáculos «más esperados y más queridos», ya que es un «grandísimo» espectáculo y un título «absolutamente necesario». Por otro lado, la directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico ha destacado que es un «honor» recibir a Micomicón y compartir esta producción y que es una «delicia» apuntarse con ellos al desarrollo del proyecto. Por su parte, el actor Mariano Llorente, que da vida a Garcerán Manrique, ha dicho que en el teatro hay lenguajes y signos, como el vestuario, que se «superponen y conviven» en el espectáculo para darle una «mayor riqueza» y que añaden «otras cosas» al teatro. De este modo, Llorente ha añadido que con este montaje el espectador va a percibir algo «más rico» que si se hubieran vestido con «calzas y bolillas». Escrito por: AgenciaFotografía: Masescen...

«Como dramaturgo, estaría encantado de que Trump gobernara en España, porque me afilaría la dentadura» Albert Boadella estrenará este miércoles 8 de marzo en los Teatros del Canal ‘El sermón del bufón’, un espectáculo en el que el dramaturgo reflexiona sobre distintas artes y realidades de la sociedad, entre las que se incluye la situación actual de Cataluña, donde «hay un conjunto importante de ciudadanos que están enfermos mentales». Así lo ha explicado Boadella en rueda de prensa para presentar esta obra, culpando a los dirigentes catalanes de «inducir a la paranoia». «Es la patología más sencilla de transmitir, crear paranoicos es muy fácil: unos desvergonzados han jugado con los sentimientos de arraigo de la gente y ha funcionado», ha lamentado. De hecho, el director teatral ha llegado a comparar esta inducción a la paranoia con la actuación de los dirigentes alemanes en los años 30, antes de la II Guerra Mundial. «Convirtieron una sociedad culta en una sociedad despreciable que llegó a los límites a los que llegó. Que los catalanes estén paranoicos con el resto de españoles no tiene justificación ninguna», ha señalado. ‘El sermón del bufón’ cuenta con guión y dirección del propio Boadella y supone su regreso por primera vez a los Teatros del Canal, tras ocho años ejerciendo como director. La obra, que estará un total de cuatro días consecutivos y ya tiene todas las entradas agotadas, parte de la idea de llevar a escena un texto que en principio iban a ser unas conferencias. Boadella ha explicado que no se trata de «un ajuste de cuentas con nadie», si bien hace un repaso a su trayectoria vital en el que salen nombres como los de Jordi Pujol o el Rey emérito Juan Carlos. «Me habría encantado ser bufón si Juan Carlos I hubiera tenido corte, porque es un gran cachondo y habría dado mucho de sí», ha comentado con humor. Respecto a Pujol –a quien ha calificado como «capo mafioso»– ha contado una anécdota sobre uno de sus hijos que recibía clases de expresión del dramaturgo en «una escuela pija». «Era un alumno insoportable, no paraba de armar jaleo y le pedí que saliera de clase. Como se negaba, le di dos cachetazos, pero creo que le tendría que haber pegado más fuerte», ha afirmado. Los «camellos» del arte El actor ha sido preguntado también por otros líderes como el presidente de Estados Unidos, Donald Trump, de quien ha llegado a asegurar que le habría «encantado» que llegase a gobernar en España porque, como dramaturgo, se «afilaría la dentadura». «Para los titiriteros es una suerte tener dirigentes tan radicales, aunque para los ciudadanos sea una putada», ha ironizado. «La maldad es teatral, somos como cuervos que aprovechamos las calamidades que la sociedad ha tenido que sufrir. No podemos justificar la sátira, pero lo que nos mueve es ese espectro de maldad con personajes sórdidos y brutales. Mira a Hitler lo que ha dado de sí», ha justificado. La reflexión de Boadella alcanza al mundo del arte, donde dice que hay «unos camelos impresionantes». «Se intenta acomplejar a los incautos amateurs que se acercan a él. Cuando alguien dice que es artista contemporáneo me muero de la risa ¿Pero que otra cosa puedes ser sino? Hay arte bueno y malo y, para mi, lo que tiene que hacer es interesar a los espectadores», ha incidido. Teatro «Antisectáreo» Respecto a la decisión del Ayuntamiento de Madrid de cambiar los nombres de las salas Max Aub y Fernando Arrabal del centro Matadero, se ha mostrado a favor. «Hay que tener mucho cuidado con poner nombres contemporáneos a salas, hay que esperar, no es como con Lope de Vega o Moliere. Por ejemplo, el nombre de Fernán Gómez también me parece inadecuado, no porque no tenga simpatía, pero no hay justificación suficiente», ha lamentado. Asimismo, ha defendido su labor al frente de los Teatros del Canal, recordando que propuso una programación «antisectárea». «Los artistas tenemos tendencia a construir una secta alrededor, pero yo actué más de gestor que como artista. Hice un teatro pensando en todos, no solo en mis gustos, porque era dinero público y los impuestos son una cosa muy importante y lo más democrático que existe», ha concluido. Escrito por: AgenciaFotografía: Maescen...

* Ofrecerá 24 espectáculos y 139 funciones en 31 municipios de la región, del 3 al 26 de marzo En esta edición, el festival crece llevando sus propuestas a nuevos escenarios como el Teatro Pavón Kamikaze, la Sala Alcalá 31 y el Auditorio Fundación RealeFacilita la inclusión de niños y jóvenes con discapacidad intelectual, visual o sorderaCompañías de prestigio internacional, como la italiana TPO y la canadiense DinamO Theatre, protagonistas el primer fin de semanaCalderón de la Barca y Lewis Carroll entre los autores universales que inspirarán los diferentes montajes Teatralia, el Festival Internacional para niños y jóvenes de la Comunidad de Madrid, vuelve a los escenarios de la región a partir de mañana y hasta el 26 de marzo, en la que es ya su vigésimo primera edición y que contará con 24 espectáculos y 139 funciones. Se trata de una cita imprescindible que apuesta por el teatro de calidad para todos los públicos y que convoca a las mejores compañías nacionales e internacionales que trabajan para un público infantil y juvenil exigente. En esta edición, el festival crece llevando sus propuestas a nuevos escenarios como el Teatro Pavón Kamikaze, la Sala Alcalá 31 o el Auditorio Fundación Reale, patrocinador oficial en esta edición. Presente en 31 municipios, Teatralia presta especial atención a la diversidad de públicos, de géneros y edades, y tampoco olvida a los espectadores con necesidades especiales, facilitando la inclusión en el disfrute de la cultura a personas con discapacidad intelectual, así como otras afectadas por sordera o discapacidad visual. Las tendencias más actuales en materia de teatro, danza, circo, música, títeres y sombras componen la muestra de este año. El festival ofrece creaciones para todas las edades (de 0 a 18 años) que se complementan con talleres, espectáculos en hospitales y una gran campaña escolar con 58 funciones en colegios e institutos de toda la región. Clásicos y vanguardia para todos los públicosEn esta XXI edición, se entrelazan los clásicos de la literatura con la vanguardia más actual. Podrán verse personajes de siempre como ‘Gretel y Hansel’ de la mano de Le Carrousel, una compañía que aunque hacía tiempo que no visitaba España, ha presentado sus prestigiosos espectáculos en numerosas ocasiones en nuestro país. Los Hermanos Grimm vuelven a estar presentes en los títeres de ‘El zapatero y los duendes’ de Manicomio de Muñecos, y William Shakespeare llega bajo una mirada diferente en un ‘Romeo y Julieta de bolsillo’, obra de gran comicidad a cargo de la compañía Criolla. En la programación también están presentes otras obras literarias de altura como el ‘Moby Dick’, de Melville, en versión de Teatro Gorakada, en un espectáculo alabado por público y crítica; y la ‘Alicia’ de Lewis Carroll, que vivirá un último sueño con la compañía El Retablo, mientras Hamed y Mara sobreviven a la guerra a través de la fantasía en ‘Maravilla en el país de las miserias’, de Átikus Teatro. Además, visitarán el festival prestigiosas compañías internacionales de la talla de Le fil rouge théâtre (‘Enchantés’), David DynamO Théâtre (‘Devant moi, le ciel’), Théâtre Motus (‘Elisapi y las auroras boreales’), Ljubljana Puppet Theatre (‘Lamparita, Guisante y Pluma’) o Le Clan des Songes (‘Fragile’). La programación de más de tres semanas se completa, entre otros, con ‘Alegría, palabra de Gloria Fuertes’, que conmemora el centenario de la escritora y su legado a través de escenas inspiradas en sus cuentos, poesías y personajes. En el festival, además, se impartirán talleres con el objetivo de seguir acercando las disciplinas artísticas a los alumnos. El artista Aitor Saraiba compartirá con los más pequeños un taller de dibujo para dar rienda suelta a la imaginación, mientras que la compañía canadiense Théâtre Motus jugará con el teatro de sombras y DynamO Théâtre propondrá un taller lleno de diversión a través del movimiento. Presencia de compañías internacional en el primer fin de semana‘Pop Up Garden’, de la prestigiosa compañía italiana TPO, será el espectáculo encargado de inaugurar el festival el viernes 3 en la sala Verde de los Teatros del Canal. “Un universo visual, colorido y sonoro, recreado gracias a tecnologías interactivas, en correspondencia con una coreografía que nace de pequeños jardines de ensueño”, según la revista Télérama. ‘Devant moi le ciel, Ante mí el cielo’, es otro de los platos fuertes de este fin de semana. El teatro físico de los canadienses de DinamO Theatre habla de la importancia de estar abierto a los demás y de la resiliencia, la capacidad insondable que nos permite avanzar a pesar de las dificultades y los momentos más difíciles. Será en el Teatro Auditorio Ciudad de Alcobendas y en el Centro Cultural Paco Rabal en Palomeras Bajas. Diferentes versiones de ‘Alicia en el país de las maravillas’ y ‘La vida es sueño’Dos actrices escenifican con danzas, máscaras, objetos y otros recursos teatrales algunas de las escenas de ‘Alicia en el país de las maravillas’. En esta ocasión, Alicia debe realizar el último y definitivo sueño de la niñez, enfrentarse al mundo de los adultos, no para verlo desde fuera, sino para ingresar en él. ‘Alicia’, de la compañía El Retablo, estará también este fin de semana en Vadeolmos-Alalpardo y en Madrid, en Cuarta Pared. A La Casa Encendida llega ‘Y los sueños sueños son’, de la compañía Tropos Teatro de Títeres y La Tirita de Teatro. Una versión contada a través de títeres que ha obviado el verso, pero respeta las grandes cuestiones que plantea la obra. Este montaje ha sido finalista en los premios MAX 2015 y en el último certamen Barroco Infantil del Festival de Almagro. El sábado 4 y el domingo 5 (esta última función con audiodescripción para personas con discapacidad visual). Con el hilo, considerado en muchas culturas como la representación de la vida de una persona, comienza el espectáculo ‘Retahilando’ de la compañía madrileña Eugenia Manzanera. Un espectáculo de teatro y música para niños a partir de cuatro años que se podrá disfrutar este fin de semana en Leganés (viernes 3 marzo), Valdemorillo (sábado 4 de marzo) y Majadahonda (domingo 5 de marzo). Finalmente, ‘Sin palabras (se las llevó el aire)’, de LaSal Teatro, se podrá ver el sábado 4 de marzo en Hoyo de Manzanares. El espectáculo, que ganó el premio al Mejor Espectáculo para Primera Infancia en FETEN 2016, está dirigido a bebés a partir de seis meses. Con luz onírica y música evocadora dos chicas duermen tranquilas, como si nada pudiera alterarlas. Pero llega el aire sin avisar, sin preguntar, sin parar, tocando todo lo que encuentra a su paso. Escrito por: Nota de prensaFotografía: Teatrali...

La obra ‘Furiosa Escandinavia’, Premio Lope de Vega 2016, llegará el próximo 9 de marzo al Teatro Español para recuperar la famosa ‘magdalena de Proust’ y en la que sus personajes pasarán del presente al pasado para bucear en «el duelo amoroso». ‘Furiosa Escandinavia’ es un texto de Antonio Rojano que estará en el Español hasta el 16 de abril y cuenta con la dirección de Víctor Velasco. Los actores Francesco Carril, Sandra Arpa, David Fernández e Irene Ruiz dan vida a unos treinteañeros en Madrid –en un futuro «cercano y no distópico», según Rojano– desesperanzados con sus vidas actuales. En esta obra no será el mordisco de una magdalena lo que active el recuerdo del pasado, sino unas pastillas que llevarán a sus protagonistas a «intentar resolver su duelo amoroso a través de la imaginación», como ha explicado Carril. No obstante, la obra proustiana estará muy presente en todo el texto y sustenta gran parte de los diálogos. «Es cierto que está basada en Proust y, sobre todo en sus mecanismos de la memoria, pero yo no los robo para hacer una versión de ‘En busca del tiempo perdido’, sino para una cosa nueva», ha indicado Rojano. Así, en ‘Furiosia Escandinavia’ se trata de «captar un tiempo que se desmorona sobre otro», al igual que Proust hablaba de una «burguesía fría y acomodada». «Quería hablar de cómo un joven se enfrenta a ese mundo, con una mirada al futuro de dolor y desesperanza, sin esperar cosas positivas», ha indicado el dramaturgo, a pesar de reiterar que, pese a este aparente tono oscuro, el público también se encontrará con muchos momentos de humor. La exploración además de distintas técnicas narrativas a un texto teatral suponen otro de los retos de esta pieza, que en manos de Velasco pasa a «privilegiar el viaje interior con la imaginación». «La ficción puede ser más verdad que la realidad. No necesariamente hay que viajar a Escandinavia para haber estado allí», ha apuntado el director teatral. Los ‘voyeurs’ El motivo del título de esta obra responde a motivos ‘líricos’ –aunque culmina en un fiordo noruego–, si bien en un principio iba a llamarse únicamente Escandinavia. «Ya había otra obra con ese nombre y quería distinguirla. El adjetivo ‘furiosa’ parece que genera una estancia con cierta incertidumbre y sobre todo también más poesía», ha indicado. La escenografía será un apartamento que «tiene algo de set de ‘Gran Hermano'», con grandes dosis realistas. «Vemos casi toda la acción como si estuviéramos siendo ‘voyeurs’ y las dificultades espaciales se conciben como un viaje interior», ha apuntado Velasco, quien recuerda la película ‘La ventana indiscreta’ para usar como ejemplo. Tokyo ya nos quiere Hay otras influencias en torno al texto como podrían ser la película ‘Olvídate de mí’ o el libro de Ray Loriga ‘Tokyo ya no nos quiere’. «Pocas veces como actor uno siente que tiene tanto que ver con su texto. Es un elogio a la imaginación y cómo puede salvarte, lo que creo que conecta con la base de nuestro oficio», ha reconocido Carril. La directora del Teatro Español, Carme Portaceli, ha defendido la llegada de la «creación joven» a un teatro público, que debe de «potenciar» esto. «Hay que poner los medios para que estas obras se realicen de una manera digna: últimamente estamos acostumbrados por los problemas económicos a que se hagan con una mano delante y otra detrás», ha concluido. Agenci...

El asentamiento minero de Chacabuco se convirtió, tras el golpe militar del general Pinochet, en un campo de detención para quienes se oponían a la dictadura. Hoy, solo queda un pueblo fantasma en medio del desierto. Combinando drama, música y vídeo, el director belga Fabrice Murgia, uno de los artistas más celebrados de la escena emergente europea, se deja llevar por las narraciones de los supervivientes, los poemas de Neruda y la voz de Violeta Parra para guiar al público en su última creación, Children of Nowhere (Ghost Road 2). La pieza, un poético viaje sobre la memoria, la vejez y la acción, podrá verse por primera vez en Madrid tres únicas noches, del martes 7 al jueves 9 de marzo, a las 19.30 horas, en la Sala Juan de la Cruz del Teatro de La Abadía de la mano del XXXIV Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid....

El actor Roberto Álvarez ha afirmado que, entre otros casos, observó al violador de Ciudad Lineal para dar vida al padre del drama sobre incesto y pedofilia, ‘Festen’ de Thomas Vinterberg y Mogens Rukov, adaptada al teatro por Bo Hr. Hansen y versionada y dirigida por Magüi Mira desde el próximo 3 de marzo al próximo 9 de abril en la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán de Madrid. La obra, producida por el Centro Nacional Dramático, es para Magüi Mira un análisis «lúcido» del «fascismo latente» en la sociedad «clasista y patriarcal» actual. El texto trata, además del incesto y la pedofilia, la «brutal» cohesión de la hipocresía social. ‘Festen’ ha sido presentada este miércoles 1 de marzo en el Teatro Valle-Inclán por Magüi Mira y los actores Roberto Álvarez, Carolina África, Carmen Conesa, Manu Cuevas, Karina Garantivá, Gabriel Garbisu, David Lorente, Jesús Noguero, Clara Sanchis e Isabelle Stoffel. Sobre el caso del pederasta, Roberto Álvarez ha subrayado que si se coge «exclusivamente» su testimonio ante el juez «casi le crees», ya que sostiene «absolutamente» que es inocente y que le produce «la mayor abyección posible» hacer eso a unas niñas. Otro caso en el que se fijó el actor para interpretar su papel es un vídeo de Facebook en el que una chica graba a su padre para que confiese que la violó «desde que era muy pequeña hasta los dieciséis años». Para Álvarez, era «alucinante» ver la reacción del padre, que «es nada», y que en un momento determinado culpa a la mente humana de sus actos. Durante el acto de presentación, Magüi Mira ha manifestado que tenía la «necesidad vital» de llevar a escena el texto «desde hace muchos años», ya que es un texto «salvaje», en el que hay «brutalidad» pero también «ternura y belleza», y que es «un bofetón a las conciencias podridas y a las conciencias dormidas». En la misma línea, Magüi Mira ha comentado que es una historia «muy farragosa y muy difícil de concretar», y que es un tema «que no se vende porque la gente quiere mirar hacia otro lado», por lo que el texto, a su juicio, también habla de una «hipocresía que parece pactada para mantener el sistema injusto en el que vivimos». Igualmente, la directora y actriz ha destacado que en la obra se busca que «el padre pida perdón», por lo que «hay una necesidad de establecer justicia pero no venganza». Para Mira es un «privilegio» dirigir a gente «tan talentosa» como el equipo que forma parte de la obra, por lo que ha agradecido a sus «maravillosos» compañeros por aceptar la propuesta y ha añadido que ahora están en «momentos de mucho vértigo» y que falta por ver la llegada al espectador. Por su parte, Carmen Conesa, que interpreta el papel de madre, ha manifestado que Magüi ha llenado el espectáculo de «pequeñas gotas de metáfora que hacen bello una cosa tan terrorífica». Por ello, en su opinión, la obra muestra «la parte oscura y negra de lo bello». De este modo, Conesa ha comentado que esas metáforas llevan a entender «este microcosmos que es esta familia», que representa la hipocresía de una sociedad en la que parece que «todo está bien» pero que en el fondo «todo está bastante podrido». A la hora de interpretar a su personaje, la actriz decidió hacer lo que hacen sus perros. «Cuando veo que no entiendo algo, miro a mi marido (Roberto Álvarez) como me miran a mí mis perros, le miro y solamente le miro, porque no puedo entender cómo una madre puede entrar en una habitación y ver a su hijo sometido por el padre y cerrar la puerta y sigue la vida», ha declarado. Por otro lado, Isabelle Stoffel, que interpreta el papel de la hija Linda, ha afirmado que su personaje ve «como única solución» el suicidio, algo que, a su juicio, le pasa a «mucha gente». Igualmente, la actriz ha añadido que entiende que «si alguien no se tira de un balcón no aparece en los medios». Finalmente, Stoffel ha destacado que su personaje «ya está liberada» porque se ha quitado «el peso de la vida terrenal que vivía». Por ello, la actriz ha intentado entender «por qué el agresor hace este tipo de cosas», pero que es «muy difícil meterse en ese lugar». Escrito por: AgenciaFotografía: MasEscen...