El actor Roberto Álvarez ha afirmado que, entre otros casos, observó al violador de Ciudad Lineal para dar vida al padre del drama sobre incesto y pedofilia, ‘Festen’ de Thomas Vinterberg y Mogens Rukov, adaptada al teatro por Bo Hr. Hansen y versionada y dirigida por Magüi Mira desde el próximo 3 de marzo al próximo 9 de abril en la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán de Madrid. La obra, producida por el Centro Nacional Dramático, es para Magüi Mira un análisis «lúcido» del «fascismo latente» en la sociedad «clasista y patriarcal» actual. El texto trata, además del incesto y la pedofilia, la «brutal» cohesión de la hipocresía social. ‘Festen’ ha sido presentada este miércoles 1 de marzo en el Teatro Valle-Inclán por Magüi Mira y los actores Roberto Álvarez, Carolina África, Carmen Conesa, Manu Cuevas, Karina Garantivá, Gabriel Garbisu, David Lorente, Jesús Noguero, Clara Sanchis e Isabelle Stoffel. Sobre el caso del pederasta, Roberto Álvarez ha subrayado que si se coge «exclusivamente» su testimonio ante el juez «casi le crees», ya que sostiene «absolutamente» que es inocente y que le produce «la mayor abyección posible» hacer eso a unas niñas. Otro caso en el que se fijó el actor para interpretar su papel es un vídeo de Facebook en el que una chica graba a su padre para que confiese que la violó «desde que era muy pequeña hasta los dieciséis años». Para Álvarez, era «alucinante» ver la reacción del padre, que «es nada», y que en un momento determinado culpa a la mente humana de sus actos. Durante el acto de presentación, Magüi Mira ha manifestado que tenía la «necesidad vital» de llevar a escena el texto «desde hace muchos años», ya que es un texto «salvaje», en el que hay «brutalidad» pero también «ternura y belleza», y que es «un bofetón a las conciencias podridas y a las conciencias dormidas». En la misma línea, Magüi Mira ha comentado que es una historia «muy farragosa y muy difícil de concretar», y que es un tema «que no se vende porque la gente quiere mirar hacia otro lado», por lo que el texto, a su juicio, también habla de una «hipocresía que parece pactada para mantener el sistema injusto en el que vivimos». Igualmente, la directora y actriz ha destacado que en la obra se busca que «el padre pida perdón», por lo que «hay una necesidad de establecer justicia pero no venganza». Para Mira es un «privilegio» dirigir a gente «tan talentosa» como el equipo que forma parte de la obra, por lo que ha agradecido a sus «maravillosos» compañeros por aceptar la propuesta y ha añadido que ahora están en «momentos de mucho vértigo» y que falta por ver la llegada al espectador. Por su parte, Carmen Conesa, que interpreta el papel de madre, ha manifestado que Magüi ha llenado el espectáculo de «pequeñas gotas de metáfora que hacen bello una cosa tan terrorífica». Por ello, en su opinión, la obra muestra «la parte oscura y negra de lo bello». De este modo, Conesa ha comentado que esas metáforas llevan a entender «este microcosmos que es esta familia», que representa la hipocresía de una sociedad en la que parece que «todo está bien» pero que en el fondo «todo está bastante podrido». A la hora de interpretar a su personaje, la actriz decidió hacer lo que hacen sus perros. «Cuando veo que no entiendo algo, miro a mi marido (Roberto Álvarez) como me miran a mí mis perros, le miro y solamente le miro, porque no puedo entender cómo una madre puede entrar en una habitación y ver a su hijo sometido por el padre y cerrar la puerta y sigue la vida», ha declarado. Por otro lado, Isabelle Stoffel, que interpreta el papel de la hija Linda, ha afirmado que su personaje ve «como única solución» el suicidio, algo que, a su juicio, le pasa a «mucha gente». Igualmente, la actriz ha añadido que entiende que «si alguien no se tira de un balcón no aparece en los medios». Finalmente, Stoffel ha destacado que su personaje «ya está liberada» porque se ha quitado «el peso de la vida terrenal que vivía». Por ello, la actriz ha intentado entender «por qué el agresor hace este tipo de cosas», pero que es «muy difícil meterse en ese lugar». Escrito por: AgenciaFotografía: MasEscen...

El Teatro Campos afirma que el artista no podrá acudir por «compromisos profesionales» El espectáculo ‘Te odio, pero como amigo’, de Jorge Cremades, previsto para los días 31 de marzo y 1 de abril en el Teatro Campos de Bilbao se ha pospuesto hasta una fecha «aún por confirmar». «El artista, sintiéndolo mucho, no podrá acudir a Bilbao en las fechas previstas por compromisos profesionales», ha indicado el centro artístico en un comunicado. La devolución de las entradas vendidas se realizará por el mismo canal en el que se hizo la compra. Los espectadores que hubieran adquirido sus localidades en la taquilla del teatro tendrán que presentarlas en dicho lugar para proceder a la devolución dentro de los horarios de la taquilla del teatro. Para todas aquellas personas que adquiriesen sus entradas a través del servicio de Internet, venta telefónica o cajero, se anularán de forma automática y el importe será reembolsado en su cuenta. El ingreso se efectuará en los próximos días. Para más información o cualquier consulta se puede contactar con el teléfono de taquilla: 94 443 86 10. Escrito por: AgenciaFotografía: MasEscen...

Con la incorporación de la actual Dirección del Festival en el mes de febrero de 2010 (dos meses antes de la presentación de la programación de la 33ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro) la precaria situación económica del mismo llevó a entender que existía una deuda económica pendiente de ser saldada. Tras un meticuloso estudio de las partidas contables se cifró la misma en un importe total de 1.342.217,83€, una cifra muy superior a la que en un primer momento se pudo presumir. Esta cantidad se dividía en dos tipos de acreedores: Entidades Financieras (por líneas de crédito y préstamos suscritos): 949.934,75€Proveedores y empleados: 392.283,08€ Tras una profunda reflexión sobre cómo proceder, la decisión que se adoptó desde la Dirección del Festival fue la de reformular el presupuesto inicialmente previsto para la 33ª Edición y así lograr afrontar las deudas a proveedores y empleados, algo que se entendió como absolutamente prioritario. Logrado este primer objetivo se trataría de rebajar, en la medida de lo posible, la deuda con las entidades financieras. En Junta de Patronato, a 21 de Diciembre de 2.010, se pudo comunicar que la deuda heredada con proveedores y empleados había quedado liquidada y que la deuda con las entidades financieras se había logrado minorar hasta los 920.943,84€. Ello suponía un recorte total de un 31,39% respecto a la deuda inicial. Lamentablemente, la difícil situación económica que se estaba viviendo y los recortes notables que sufrió el Festival (su presupuesto para la 34ª Edición descendió un 28,83% respecto a la edición anterior) hacían prácticamente imposible destinar algo del presupuesto a seguir amortizando la deuda heredada. Lo que sí logró el equipo de Dirección fue una renegociación de las líneas de crédito y préstamos con las entidades financieras, reduciéndose notablemente los costes financieros derivados de las mismas. Ante tal situación, la nueva propuesta financiera planteada por la Dirección del Festival y el impulso desde aquélla a través de una fórmula de gestión, los patronos del Festival decidieron aunar esfuerzos y llevar a cabo aportaciones extraordinarias que permitiesen eliminar la deuda financiera existente. En este sentido se acordó, en sesión celebrada por el Patronato de la Fundación el día 28 de febrero de 2.011, la asunción de la referida deuda atendiendo a los porcentajes de titularidad de cada patrono en la Fundación: INAEM: 46%Junta de Comunidades de Castilla la Mancha: 41%Diputación Provincial de Ciudad Real: 7%Excmo. Ayuntamiento de Almagro: 6% Cada patrono propuso un calendario de pagos para poder asumir y dar cumplimiento a su compromiso. Es un placer para esta Dirección el poder comunicar que a 31 de diciembre de 2016 ha quedado amortizado el 100% de la deuda heredada. Agradecemos enormemente el esfuerzo de nuestros patronos así como el del propio equipo del Festival por el impulso e insistencia en lograr que el Festival alcanzase este objetivo. Escrito por: Nota de PrensaFotografía: FITC...

  CaixaForum Madrid ha acogido, este viernes 24 de febrero con motivo del 30 aniversario de la fundación de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, un homenaje al actor y director de teatro Adolfo Marsillach, durante el cual su hija, Blanca Marsillach, ha subrayado que «Marsillach sigue siendo Marsillach», y ha añadido que «pruebas son amores y no buenas razones». En el acto han participado, además de su hija, los actores Juan Ribó, Silvia Marsó, Carlos Hipólito, Magüi Mira, Emilio Gutiérrez Caba, Mercedes Lezcano y Juanjo Artero; el secretario de Estado de Cultura, Fernando Benzo; y la responsable del programa de Personas Mayores de la Obra Social ‘la Caixa’, Cristina Segura. Durante el encuentro, el secretario de Estado de Cultura ha afirmado que los grandes saltos culturales «no los hacen los políticos», sino que los hacen personas «creativas que redefinen el lenguaje teatral» y que «forman y potencian» una generación de actores, como, a su juicio, Adolfo Marsillach. Para Fernando Benzo es «motivo de orgullo» sentarse con la gente del teatro, algo que, según ha comentado, hace con «muchísima humildad». Sobre Marsillach, Benzo ha destacado que es una «referencia constante» y que tiene la sensación personal de que ha formado parte de su vida y de su crecimiento, entre otros motivos porque, en su opinión, «se parece horrores» a su padre. En el marco de este homenaje, organizado por Varela Producciones, la compañía de Blanca Marsillach y la Obra Social ‘la Caixa’, que también ha contado con la presencia de diez personas mayores que participan en la obra ‘Entre versos y Marsillach’, acompañados por la actriz Mónica Buiza, se ha presentado la ampliación de la gira de la función, que se interpreta este viernes 24 de febrero en CaixaForum Madrid. De este modo, ‘Entre versos y Marsillach’, que comenzó su andadura en septiembre de 2016 en Barcelona, ampliará su gira a once ciudades a lo largo de 2017: Alicante, Oviedo, Burgos, Málaga, Valladolid, Cáceres, Santander, Lleida, Ciudad Real, Toledo y Mallorca. Sobre la obra, Cristina Segura ha destacado la «capacidad y la vitalidad» de las personas mayores, porque, en su opinión, «las edades no reflejan el espíritu». Por ello, ha añadido que ha sido una experiencia «muy positiva». «Hombre sabio y con sentido del humor» En alusión a Marsillach, la actriz Silvia Marsó ha recordado que la experiencia «más importante» de trabajar con él era conocerle, y estar con él «día a día escuchándole». Además, ha añadido que era un hombre «sabio, con sentido del humor, ironía» y que era «muy directo», ya que «te decía las cosas tal cual», que es una de las cosas que más le gusta a Marsó de la gente. Para el actor Juan Ribó, Marsillach «influyó» en su carrera, porque fue el «primer maestro» que tuvo, ya que, según ha afirmado, fue el primero que le empujó a dedicarse al teatro. Por ello, ha manifestado que fue un «gran maestro y grandísima persona y director». En la misma línea, el actor ha subrayado que «ningún» director ha tenido la «dimensión» de Marsillach, quien, a su juicio, era una persona «muy prolífica en su talento». Asimismo, Ribó ha comentado que, aunque nunca trabajó con él, coincidió con Marsillach porque antes los actores eran «como una especie de familia», ya que, según ha dicho, se reunían «aquí y allá», algo que ahora «no existe». Escrito por: AgenciaFotografía: MasEscen...

 ·        La pieza pone de relieve el misterio que anida en cada uno de nosotros y la complejidad de las relaciones humanas ·        Podrá verse en la Sala José Luis Alonso del 1 al 19 de marzo Desde el próximo 1 de marzo podrá verse en la Sala José Luis Alonso He nacido para verte sonreír, una producción del Teatro de La Abadía y el uruguayo Ignacio Fumero Ayo. Es el nuevo y esperado montaje de Pablo Messiez, con Isabel Ordaz y Nacho Sánchez como protagonistas. Otro de los grandes alicientes de esta producción será ver representado en España por primera vez un texto de Santiago Loza, figura clave de la dramaturgia actual en Latinoamérica y uno de los autores contemporáneos más representados en Buenos Aires. Un maestro en retratar personajes femeninos, con misterio, y delicadeza. Un testigo minucioso que recrea universos íntimos sirviéndose de la cultura popular. Una mirada singular que revela la extrañeza, la maravilla y el horror que habita en lo cotidiano. Santiago tiene una capacidad esencial de trasladar realidades muy complejas de una manera muy sencilla, con un impacto emocional muy fuerte. Elige las palabras con cuidado, sin dotarlas de interpretación para que el prejuicio no capture la idea, para no dejarse llevar por la censura a la hora de retratar a sus personajes. En escena, una madre se despide de su hijo mientras aguardan al padre que vendrá a buscarlos enseguida para partir a un largo viaje. De alguna manera el hijo ya se fue hace tiempo: se encerró en sí mismo, en una cápsula de hermetismo. El padre ha de llevarlo a un hospital y dejarlo internado para que se cure de su trastorno mental. En este tiempo de espera, la madre busca palabras para despedirse, sin recibir respuesta alguna de parte del joven. Los recuerdos le golpean, insistentes, evocando así ante él y ante el público la historia de una mujer desesperada, una mujer que ha nacido únicamente para ver sonreír a su hijo. Un hijo que no solo no sonríe, sino que permanece ausente, ido, o tal vez habite un mundo para los demás humanos inaccesible. Para Messiez la pieza “es una perlita a la vez delicada y feroz. Un “melodrama de madre” contemporáneo. Un gran bolero. Un encuentro con la  necesidad de estar cerca, de entender qué hay antes o después de las palabras”.En palabras del propio Loza “la obra, a través de la mujer que desespera, intentar dar luz a los afectos, a los que más duelen, que también suelen ser  los que más importan. Una inmensa piedad oculta que expone lo amoroso, y desearía que quienes se acerquen, puedan conmoverse con esta historia tan cercana y frágil”. “Soy otra cosa que no sé”Esta frase supone una especie de revelación en la obra. Refleja directamente el misterio esencial que somos cada uno de nosotros, el misterio que también son los demás, y la posibilidad / imposibilidad de entendernos, conocernos, de saber quién es el otro, qué necesita, qué hace o qué quiere decir cuando dice o hace tal cosa… En el montaje no se alude al posible trastorno de manera clínica o documental, sino en clave poética. El chico simplemente tiene una percepción distinta de la realidad, a la par que es percibido como distinto por los demás. Su visión y su escucha le hacen tener una mirada quizá más incisiva sobre la realidad, sobre cosas que a nosotros se nos escapan por cotidianas. Pese a que haya una sola persona que habla en He nacido para verte sonreír, no se debe considerar como un monólogo. Otro de los aciertos del texto de Loza es hacer de la madre, un personaje absolutamente contradictorio. Hasta su modo de hablar es fiel reflejo de su paradoja: pasa de lo cotidiano, de las costumbres del hogar, a lo misterioso y arcaico, convirtiéndose en un personaje de tragedia que de repente decide alejar a lo que más quiere de su lado. De lo más conservador se mueve a lo ideológicamente cuestionable, porque lo inesperado es otra de las claves de la pieza. Todos tenemos nuestros monstruos, esas cosas que solo nosotros sabemos qué hacemos. Todos somos un misterio enorme, pero vivimos fingiendo normalidad para funcionar en sociedad. El texto cuestiona la locura y sus límites, profundizando en la complejidad de las relaciones humanas. El espacio escénico también habla sobre la contradicción de los personajes. Superposición de dos mundos: el ama de casa, la cocina y el orden doméstico, en contraposición a las ramas, lo boscoso, las sombras que expresan lo inaprensible, el misterio, lo que no se sabe… Dos mundos y dos discursos que dialogan. Escrito por: Nota de PrensaFotografía: Sergio Parra  ...

La Fundación SGAE celebra los 40 años de la compañía La Tartana Teatro con el ciclo ‘El arte de los Títeres’, que tendrá lugar del 23 al 26 de febrero en la Sala Berlanga de Madrid. Esta muestra ofrecerá durante cuatro días una serie de actividades que profundizan en el mundo del títere, las marionetas y los autómatas con el propósito de reivindicar el valor artesano de esta disciplina escénica. Entre estas actividades destaca la exposición Títeres y autómatas de La Tartana; la proyección del largometraje ‘Strings de Anders Ronnow Klarlund’ y de los documentales ‘Construyendo teatro. 40 años de oficio’, de Elena Muñoz, y ‘Hermanos Oligor’, de Joan López Lloret; la conferencia ‘Los títeres en el mundo y su valor’, a cargo de Concha de La Casa, y la acción escénica ‘Imagina’, por La Tartana Teatro. El ciclo se completa con una exhibición de títeres de hilos y de autómatas que pertenecen a las compañías La Tartana, Ferroluar y Rocamora Teatre. Al finalizar cada sesión, tendrá lugar un encuentro con el público y las compañías invitadas. ‘El arte de los Títeres’ arrancará este jueves, 23 de febrero, con la exposición Títeres y autómatas de La Tartana , que inaugurará Juli Disla, director institucional de Artes Escénicas de la Fundación SGAE. La muestra podrá visitarse hasta el 21 de marzo y contará con cuatro autómatas, dos marionetas móviles, una fija y una instalación que ofrece al visitante la posibilidad de interactuar con los elementos y que refleja el espíritu innovador de La Tartana Teatro. La exposición se basa en diversas técnicas como bunraku, varillas, guante, transmisión y mecánica. A continuación, se proyectará el documental ‘Construyendo teatro. 40 años de oficio’, con el que Elena Muñoz analiza la evolución de la compañía y del teatro alternativo a través de diferentes entrevistas a personajes del ámbito cultural. Tras el pase se celebrará un coloquio con el equipo del documental y Juan Muñoz, fundador de La Tartana Teatro. Al día siguiente, Concha de la Casa, directora del Centro de Documentación de las Artes de los Títeres de Bilbao – Pantzerki, ofrecerá la conferencia Los títeres en el mundo y su valor . Tras ella, la Tartana Teatro presentará su espectáculo ‘Imagina’, una acción escénica que combina la técnica de la construcción y la magia del movimiento de los títeres. El sábado 25 de febrero, la Sala Berlanga acogerá la proyección de ‘Strings’, de Anders Ronnow Klarlund, considerado el primer largometraje realizado íntegramente con títeres en el que todos los personajes son conscientes de su identidad como marionetas. Finalmente, ‘El arte de los Títeres’ se despedirá el domingo 26 de febrero con el pase de ‘Hermanos Oligor’, de Joan López Lloret. Este documental enseña el proceso de creación de un espectáculo de espejos que realizan dos hermanos. Escrito por: Nota de prensaFotografía: Fundación SGA...

El director Lluís Pasqual estrenará este miércoles 22 de febrero en el Teatro María Guerrero de Madrid su último espectáculo ‘In memoriam. La quinta del biberón’, que narra la historia de un grupo de jóvenes reclutas que lucharon por la II República en los últimos momentos de la Guerra Civil española . «Vamos a intentar hacer un documental en el teatro», ha anunciado. Así lo ha puesto de manifiesto Pasqual durante la presentación de la obra, en la que también ha participado el reparto que integran Joan Amargós, Enric Auquer, Quim Àvila, Eduardo Lloveras, Lluís Marquès y Joan Solé. Estos seis jóvenes actores ponen su piel y su voz sobre las tablas del María Guerrero para mostrar parte de la historia de cerca de 30.000 jóvenes que, nacidos entre 1920 y 1921, participaron en batallas importantes como la del Ebro. Según ha explicado Pasqual, hay espectáculos que «uno no sabe exactamente por qué los hace o la raíz está tan lejana que uno no lo recuerda». «Yo no sé muy bien de dónde nace ‘In memoriam’. Nace, si lo pienso ahora, del deseo desde hace muchos de hacer un espectáculo sobre la Guerra Civil, del deseo de hacer un homenaje a esos críos, llamados de La quinta del biberón, por una razón muy personal y muy íntima», ha relatado. En este sentido, el director ha confesado a los asistentes a la presentación, celebrada en el teatro madrileño que tuvo un tío que falleció en La quinta del biberón y del cual no se hablaba en su casa, como en «todas» las demás, porque «el que reinaba era el miedo». «Nace del reto de intentar hacer una pieza documental, como lo hace el cine o la televisión», ha remachado, que también considera que han pasado «muchos años» de la Guerra Civil y debería poderse hablar «de todo con absoluta serenidad». Lo que sucede en ‘In memoriam. La quinta del biberón’, según ha relatado el directo, es un episodio que se produce en «la mayoría de las guerras» y es que «cuando las guerras están terminando, están en fase de caída los responsable, entre otras muchas cosas tienen que darse tiempo para irse, para prepararse el exilio, para acumular dinero en algunos casos». Lluís Pascual ha recordado que es entonces cuando estos responsables «echan mano de lo que se ha llamado ‘carne de cañón’, de los últimos que quedan, de las últimas generaciones». «Saben que van a perder, pero les van a servir de muro de contención para tener su tiempo», ha recordado, para después añadir, que los que sobrevivieron callaron «durante muchos años» porque el trauma era «demasiado grande». «Nunca habían hablado de eso» Asimismo, ha destacado que en 1975, a la muerte del dictador Francisco Franco, «ocurre una cosa». «Esos seres que nunca habían hablado de eso comienzan a hacerlo y, lo que no contaron a sus hijos, se lo cuentan s sus nietos y a sus nietas», ha subrayado el director del espectáculo, coproducido por el Teatre Lliure y Temporada Alta-Festival de Tardor de Catalunya Girona/Salt. De esta forma es como empiezan a aparecer los testimonios y diarios que se publican. «De repente, uno dice: ‘Es el momento’. Y empezamos durante meses a entrevistar, a ir a las casas de los sobrevivientes, que tenían todos 95 o 96 años. Con todo ese material ingente y enorme nos pusimos a leer, a trabajar y a contarlo, como estábamos en el teatro, con unas pinceladas teatrales, pero es un espectáculo contado», ha manifestado el director, que ha aclarado que el 85% del texto corresponde al material de las entrevistas o de los diarios. Según ha defendido Lluís Pasqual, la música en este espectáculo es «muy importante». Por eso, hay una pequeña formación de música barroca en directo, integrada por Oriol Algueró e Isaac Bachs / Ricart Renart (Violines), Guillermo Martínez y Joan Palet (Violonchelo), Dani Espasa y Marc Díaz (Clave y órgano), y Robert González (Voz). «Mi tío, el día que se iba a alistar, pasó por delante de una iglesia quemada, pero había una montaña de papeles. Se acercó y vio un juego de partituras rudimentario, cosido a mano, que ponía ‘Cancionero de Guerra’. Era una recolección de canciones barrocas de guerra que iban desde Monteverdi a Purcell», ha afirmado, al tiempo que ha indicado que pensó que su tío, «sin saberlo», le había regalado la música de la obra para dar la parte «épica». ‘La quinta del biberón’, apodo que se le atribuye a Federica Montseny al considerar que eran muy jóvenes, como ha recordado el actor Quim Àvila, estaba integrada en un 98 o 99% por catalanes que procedían de diferentes puntos de la región. Por esta razón, para narrar lo ocurrido con el acento propio de los protagonistas, Lluís Pasqual cuenta en su espectáculo con la ayuda de Pere Navarro, especialista en dialectos y dicción. «No es el mismo acento uno de las tierras del Ebro que uno de Lérida», ha apuntado el director. El actor Joan Solé ha confesado que le impresionó conocer a los protagonistas de estas historias, de tal modo que ha asegurado que ésta ha sido la «más brutal» de sus experiencias teatrales hasta la fecha. Mientras, Enric Auquer ha destacado la «responsabilidad» de representar a estos personajes, que les han contado sus propias batallas de guerra. ‘In memoriam. La quinta del biberón’, que ya se ha podido ver en Barcelona y en Gerona, estará en el Teatro María Guerrero de Madrid de martes a sábado (20.30 horas) y los domingos (19.30 horas) hasta el próximo 12 de marzo. Además, se celebrará un encuentro con el público el martes 7 de marzo a las 19.00 horas en la sala Margarita Xirgu, así como dos funciones accesibles para personas con discapacidad auditiva y visual el jueves 9 y viernes 10 de marzo. Escrito por: AgenciaFotografía: Miguel Zabal...

El plazo para la presentación de propuestas para la elección de la camiseta oficial de la 40ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro se inició ayer y culminará al 7 de mayo Será indispensable la inclusión del logotipo de la cuarenta edición y opcional la referencia a la página web del Festival. Los diseños se deben presentar en archivos ‘.pdf’ como soporte y el ganador deberá facilitar el diseño en formato vectorial y con las fuentes trazadas en los programas Freehand o Ilustrator. Será indispensable el diseño del frente y opcional el de la espalda de la camiseta, limitándose al tamaño de un A4 y un máximo de tres tintas por propuesta. Los diseños presentados se aplicarán a camisetas de manga corta (‘T-shirts’) o de tirantes y tendrán que llevarse a cabo atendiendo a tal finalidad. PremioDe entre todas las propuestas que se reciban, el Festival, a través de un jurado, determinará un ganador del Certamen, que recibirá como premio la presentación de su diseño en la sede del Festival por parte de uno de los miembros del jurado o una figura relevante en el entorno profesional del diseño gráfico y la moda nacional. También contará con un espacio en el programa oficial informando sobre el Certamen y su ganador, además de un fin de semana para dos personas en Almagro durante la celebración del Festival que incluirá el alojamiento, así como dos entradas para cada uno de los días para alguna de las obras en cartel. Así mismo, recibirá un pack con merchandising del Festival. Para la inscripción al Certamen, será necesario el envío de la propuesta (un pdf por cada diseño) junto con el formulario cumplimentado con los datos personales y de contacto del  participante (nombre y dos apellidos, fecha y lugar de nacimiento, lugar de residencia, teléfono de contacto y email). Las inscripciones y envíos de los diseños a este Certamen, así como los correos para la solución de cualquier tipo de dudas, se llevarán a cabo mediante el envío de mail a la dirección de correo electrónico: certamen@festivaldealmagro.com. Escrito por: Nota de PrensaFotografía: FITC...

  El 14 de febrero de 2017, a las 19:30 horas en el Teatro Español de Madrid, ha tenido lugar la Entrega de los Premios ADE 2016, convocados por la Asociación de Directores de Escena de España. Se trata de la XXX edición de estos  premios, que se otorgan anualmente mediante votación de los asociados de la ADE. El montaje de “Hamlet”, de la compañía Teatro Clásico de Sevilla, se convirtió en el triunfador de la noche, con tres de los galardones (Dirección, para Alfonso Zurro, Escenografía, para Curt Allen Wilmer; e Iluminación, para Florencio Ortiz). El premio de Figurinismo fue para María Araujo por su vestuario de “L’Avar”. El Premio “Adolfo Marsillach” a una labor teatral significativafue por primera vez para un técnico del espectáculo, el regidor de escena José María Labra, toda una institución dentro del Teatro María Guerrero del Centro Dramático Nacional y para muchas generaciones de técnicos de los teatros de toda España. Se entregó también el Premio de Honor de la ADE, que en esta ocasión recayó en el director Jaime Azpilicueta, cuya larga carrera aúna la creación teatral y televisiva y en la que destacan especialmente sus producciones de teatro musical. Y el Premio “José Luis Alonso” para jóvenes directores fue para el hispano-polaco Mikolaj Bielski, por su espectáculo “El éxtasis de los insaciables”. Por su parte, el hispanista y valleinclanista Rodolfo Cardona ganó el premio para Estudios teatrales, con su libro “Hacia el esperpento: Trayectoria del teatro de Valle-Inclán”; y el de Traducción teatral lo alcanzó Yolanda Fernández precisamente por su trabajo con la obra “Traducciones” de Brian Friel. Las Medallas de la ADE fueron este año para los directores de escena Nuria Espert y Adolfo Simón. Y las Tarascas de la ADE, destinadas a reconocer la labor prestada a nuestra Asociación, han sido para el semanario digital «Crónica popular», la profesora de la Universidad del País Vasco Rosa de Diego y para el dramaturgo Ignacio García May. El acto contó con la actuación del Ballet de Cámara de Madrid, del Instituto Universitario Alicia Alonso – Universidad Rey Juan Carlos,que interpretó con brillantez “Rapsodia”, coreografía de Óscar Torrado. Los premios fueron entregados por Montserrat Iglesias, Directora General del INAEM del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte; Getsemaní de San Marcos, Directora General de Programas y Actividades Culturales del Ayuntamiento de Madrid; Ana Turpin, Consejera de AISGE; Damián Galán, del Foro de las Artes Escénicas de Extremadura; Juan Gómez-Cornejo, Presidente de la Asociación de Autores de Iluminación; Ana Marzoa, actriz; Carlos Fortea, Presidente de ACE-Traductores; Ángel Fernández Montesinos, Presidente de Honor de la ADE; Eduardo Alonso, Presidente de la ADE y Juan Antonio Hormigón, Secretario General de la ADE. Escrito por: ADEFotografía: AD...

    El Teatro Español abrirá este mes de febrero la sala grande de sus escenarios a dos creadoras jóvenes, Lola Blasco (Premio Nacional de Literatura Dramática, 2016) y Carolina África (Premio Calderón de la Barca para autores noveles, 2012), como parte del ciclo ‘Dos piezas dos’ de la institución. Concretamente, el 22 y 23 de febrero se representará ‘La armonía del silencio’, de Blasco; y los días 25 y 26, ‘Vientos de Levante’ de África. «Son dos espectáculos estupendos –ha asegurado la directora del teatro, Carme Portaceli–. Son trocitos de varias maneras de ver el mundo que para mí tienen mucho valor y que hablan de temas que son candentes en nuestra sociedad y en el día a día». Portaceli ha explicado que la inclusión de ambas obras en la programación, además de por su calidad, tiene que ver con la «hospitalidad» que ha adoptado como política el Teatro Español «en esta nueva etapa» y ha señalado que, tras acoger otros espectáculos a cargo de otras creadoras y otras mujeres, como el caso de las actrices gitanas del poblado chavolista de El Vacie (Sevilla), «ahora le tocaba a los jóvenes». «Si un teatro público no mira hacia la juventud, no tiene sentido que exista, porque su mirada es la que tiene que hacer cambiar el mundo», ha manifestado. ‘La armonía del silencio’: una fábula política En este sentido, una de las dos directoras que llevarán su espectáculo a la programación del Español, Lola Blasco, ha puesto de relieve la «novedad» que, a su juicio, supone llevar una obra como la suya al escenario de una institución como el Teatro Español, tanto por el lenguaje «contemporáneo» que emplea en sus textos como por el estilo formal y la temática política de la obra. «‘La armonía del silencio’ es un ajuste de cuentas con la historia y con una historia personal, de mi casa, la historia de mi abuela, que perdió su piano durante la Guerra Civil. Nunca he llegado a saber cómo se vendió o como ese piano pasó a manos de quien lo tiene actualmente, que ya no lo toca. Intenté recuperarlo y no lo conseguí. Es algo que me llenó de ira y me di cuenta de que de que tenía que hacer algo con esa ira, y escribí esta obra», ha explicado Blasco. La historia está contada por «los nietos de quienes participaron la guerra» en un lenguaje «innovador» y a la manera de «fábula política», eso sí, buscando «la redención, en el sentido benjaminiano del término». «En el transcurso de la obra entendí qeue ya no necesito ese piano y que mi abuela tocaba música incluso sin ese piano –ha explicado la directora y autora del libreto–. Hay que superar esto, no podemos seguir transmitiendo este odio, sobre todo por los que vengan en el futuro». Vientos de levante: ‘Un canto a la vida’ En el caso de la segunda obra, ‘Vientos de Levante’, que se representará los días 25 y 26 de febrero, es un espectáculo que nace también de la vivencia de la autora y directora Carolina África y de su contacto con el mundo de la enfermedad y la locura varios centros de la provincia de Cádiz, que hizo que se cuestionara «la delgada línea entre la locura y la cordura». Se trata de una obra contada en un estilo y lenguaje «cotidiano», según su autora, en el que se otorga gran peso a la actuación, para que los actores «encarnen» aquello que se quiere contar, incluso «a pesar del texto», que en muchos casos está extraído de casos reales. «Los actores han hecho un trabajo muy respetuoso, yendo a la esencia y al alma de esos cuerdos-locos», ha asegurado África. «‘Vientos de Levante’ a pesar de la línea transversal de la enfermedad física y mental, es un canto a la vida que tiene momentos de comedia maravillosos. Espero que el espectador disfrute de un viaje en el que vea reconocidos las ganas de vivir, de aprovechar el tiempo, de atardeceres, de esos rincones de Cádiz que a quienes lo hemos visitado nos ha fascinado con sus cielos y sus playas, esa alegría y el viento de Levante, que puede ser una suave brisa o un viento que te revuelve por dentro y por fuera». Ambas dramaturgas, Blasco y África, han agradecido la oportunidad de llevar sus obras hasta las tablas del Teatro Español y han manifestado sus esperanzas de que tengan buena acogida entre el público. «Somos mujeres, jóvenes, pero también con una trayectoria ya sólida –han explicado.– Pertenecemos a esa generación a la que se le está empezando a dar una oportunidad gracias a personas como Carme Portaceli o Ernesto Caballero». Escrito por: Nota de PrensaFotografía: MasEscen...

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Las salas con las que cuenta en la actualidad sólo albergan el 10% de sus fondo...