El Teatro Español ha presentado este viernes 21 de abril la obra ‘Una habitación propia’ de Virginia Wolf, un monólogo feminista adaptado y dirigido por María Ruiz e interpretado por Clara Sanchís. «El personaje mira todo desde un punto de vista excéntrico, rebajando todo a su punto justo. Las mujeres culturalmente son excéntricas», ha señalado la directora. La Sala Margarita Xirgu del Teatro Real acogerá el espectáculo desde el próximo 27 de abril hasta el 21 de mayo, después de su paso por el Pavón Teatro Kamikaze el pasado mes de diciembre. Durante la presentación, María Ruiz ha asegurado que en la adaptación ha seguido la «peripecia» de Virginia Wolf, una escritora que, en su opinión, explica una idea femenina «desde la inteligencia más absoluta». «Es un libro que se ha quedado por derecho propio», ha precisado. Igualmente, la directora ha destacado que una «cosa clásica» de Wolf es «el sentido del humor» y que mezcla las «cuestiones sin resolver con el brebaje de la vida cotidiana». «Habla de la importancia del trabajo doméstico dirigiéndose a intelectuales», ha añadido. Sobre la adaptación, Ruiz ha subrayado que la dificultad ha sido «cortar ese texto», del cual la parte de crítica literaria «salió del todo fuera». Concretamente, ha comentado que el «principal trabajo» en los ensayos ha sido encontrar el tono que «la propia obra tiene». «Un viaje tremendo» Por su parte, Clara Sanchis ha confesado que haciendo este personaje cree que «por primera vez» se siente «útil o casi útil», porque al leer el libro se quedó «con los ojos como platos». «El asombro que me produjo la lectura fue algo físico», ha dicho. En este sentido, la actriz ha afirmado que el libro, aunque era «divertidísimo», hizo que se le saltaran las lágrimas, por lo que leerlo fue para ella «un viaje tremendo». Respecto a la directora del montaje, Sanchis ha señalado que considera «en cierto modo» a María Ruiz su «maestra» y ha añadido que es «como si ella hubiera escrito el texto». «He tenido la suerte de acudir al viaje de la versión, es como si corrieran por sus venas las palabras de Virginia», ha declarado. Carta de la Temporada Igualdad La exhibición de ‘Una habitación propia’ coincide con la firma del Teatro Español de la denominada ‘Carta de la Temporada Igualdad Mujer/Hombre en las Artes Escénicas’. Esta iniciativa promovida por la Asociación Clásicas y Modernas, a la que ya se han suscrito 19 organizaciones en Madrid, tiene el objetivo de alcanzar la igualdad profesional entre mujeres y hombres en el sector. Sobre esta carta, la directora artística del Teatro Español, Carme Portaceli, ha comentado que está «muy contenta» por firmar esta temporada de igualdad. «La igualdad forma parte de este teatro, sale de forma natural que haya paridad entre hombres y mujeres», ha precisado. Por su parte, la escritora Laura Freixa ha destacado que la cultura sigue siendo «machista y patriarcal», ya que las mujeres «son vistas como lo raro y lo marginal». Por ello, ha afirmado que para corregir eso hay que «convencer» a las instituciones para que «abran las puertas a las mujeres» y «reflejen a la sociedad en su conjunto». «No hay auténtica igualdad cuando se expulsa del relato a la mitad de la población», ha lamentado...

El diputado de Ciudadanos Toni Cantó protagoniza la obra ‘Aquiles, el hombre’, un texto con trasfondo antibelicista que tras su paso por el Festival de Mérida el pasado verano se representará en el Teatro de Bellas Artes de Madrid del 19 al 23 de abril. «Por desgracia cada vez se practica más una política de trinchera, se banaliza la violencia, se instiga el enfrentamiento, se utiliza una política muy simplista, de dos bandos, donde uno es el bueno y los demás son malos y hay que pelear por algo que tenga más matices que eso», ha señalado, con motivo del regreso de este. Cantó (Valencia, 1965) regresó a Mérida tras más de 20 años acompañado por Ruth Díaz, Pepe Ocio, Philip Rogers, David Tortosa y Rubén Sanz, entre otros, una experiencia que supuso «un regalo» por tratarse de «uno de los lugares más emblemáticos para el teatro clásico», en palabras del actor y político, por tratarse de el único lugar en el que se puede representar teatro ante 3.000 personas. Según ha señalado Cantó, Aquiles es «el primer gran héroe que empieza a reconocer a la humanidad en sí misma y en los adversarios», algo que a su juicio «es lo que le hace más grande todavía» y lo que le convierte en «un semidios» y «un personaje que ha quedado en el imaginario colectivo». Aquiles es un personaje capaz de entender a su enemigo y de aceptarse a sí mismo, algo que para Cantó es una lección que merece tener en cuenta en el terreno político. En este sentido, ha señalado que es necesario «reivindicar un espíritu que se parezca más al de épocas en la que hubo héroes, como la transicion, cuando se supo avanzar, perdonar y no mirar atrás, y poner por encima lo que unía al país y no poner el acento en lo que separaba». «De otra forma no habríamos superado la tremenda época de la dictadura», ha apostillado el actor y político, quien critica que «actualmente se practica una política en algunos partidos de brochazo gordo, de trinchera y de frontera» que ve «muy negativa» y que espera que se convierta en «una moda pasajera». La actividad parlamentaria le ha alejado de la cultura en los últimos años. No obstante, Cantó reivindica su profesión como actor. «Es lo que me siento, un hombre de teatro. Como siempre dije, mi paso por la política es temporal», ha destacado el intérprete, quien señala que de momento no tiene más proyectos teatrales a corto plazo, más allá de representar esta obra en ciudades como Oviedo o Sevilla. Preguntado por su actividad como político, Cantó ha celebrado que su partido, Ciudadanos, haya conseguido el compromiso del Gobierno para bajar el IVA en espectáculos y está convencido de que también se bajará en el cine en los siguientes presupuestos. «Lo que hay que hacer es política más seria, no usarla para ganar votos sino fomentarla como patrimonio y valor añadido del país», ha dicho...

  Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid albergan desde este miércoles 19 de abril ‘La vida es sueño [vv.105-106]’, una obra dirigida por Carles Alfaro e interpretada por Moma Teatre que recupera «de manera fiel» los dilemas filosóficos de Calderón de la Barca. Este montaje estará en la Sala Verde hasta el próximo 14 de mayo. A partir del clásico de Calderón, Carles Alfaro y Eva Alarte adaptan el texto y la dramaturgia para presentar su propia versión. Un rey, trastornado por la muerte de su esposa el mismo día en que da a luz a su primogénito, da crédito a la interpretación de las ciencias astrales que determinan la fiereza del recién nacido y la consecuente debacle que su reinado comportaría. Aterrado, oculta su existencia aislándolo en un encierro del que solo se ocupa su más fiel cortesano. Sin embargo, treinta años más tarde, llegada la hora de nombrar un heredero a su corona, se cuestiona si cometió un error y decide salir de dudas poniendo a prueba al monstruo que ha estado alimentando en la oscuridad. «Este montaje propone volver a la esencia del texto cumbre de Calderón, manteniéndose fiel a la poética y a los dilemas filosóficos que el autor plantea», explican desde la compañía. El protagonista, Segismundo, está interpretado por Alejandro Saá; Basilio es Vicente Fuentes; Clotaldo, Enric Benavent y Rosaura, Rebeca Valls. «Sumergirse en el universo de La vida es sueño supone sentir el latir de los seres que nos habitan, que nos hacen vivir plenamente otra realidad, que no es más que nuestra propia y descarnada realidad ¿Soñada? ¿Vivida? Esta es la pesadilla y la belleza de Calderón», apuntan en Moma Teatre. Los próximos sábado 6 y domingo 7 de abril las funciones serán de Teatro Accesible y tendrán servicio de subtitulado, amplificación de sonido, bucle magnético individual y audiodescripción...

El director y actor Adolfo Fernández recupera la novela del escritor Rafael Chirbes ‘En la orilla’ para proponer, desde este miércoles 19 de abril en el Teatro Valle-Inclán, un recorrido por la «corrupción del pueblo llano» a través de la figura de un modesto carpintero estafado. «Halamos de un señor con una pequeña carpintería que en el último momento de su vida se ha comportado como un pardillo. Esta obra no habla de multinacionales, ni del Ibex, sino de nosotros, como en un juego de espejos», ha explicado Fernández, quien ha reconocido que buscaron textos de autores contemporáneos para hablar de la corrupción, pero finalmente apostaron por esta novela. «Esta obra es un espejo donde la gente ve sus miserias, cómo han destruido sus conceptos éticos y toda la sociedad se ha vuelto codiciosa», ha remarcado el actor, responsable junto a Ángel Solo de la adaptación de una novela de casi 500 páginas a una obra de hora y media de duración. ‘En la orilla’ -coproducción entre el CDN, K Producciones y La Pavana y que estará en cartel hasta el 21 de mayo– es la historia de Esteban, un carpintero que tiene que cuidar de su padre enfermo y que lleva su día a día con amargura, rodeado por diversos personajes del pueblo de Olba que le han acompañado toda la vida. Víctima de una estafa, el protagonista recorrerá su vida analizando a sus compañeros de viaje. César Sarachu es el actor encargado de dar vida a Esteban, si bien estará acompañado en el escenario por Sonia Almarcha, Rafael Calatayud, Marcial Álvarez o los propios responsables de la adaptación, Fernández y Solo, para interpretar a varios de los personajes que también aparecen en la novela de Chirbes. La adaptación repite la estructura circular del libro, acabando donde empezó, y entre medias surgen diálogos y también la «ruptura de la cuarta pared» con las intervenciones de Esteban. Entre Cela y Galdós Fernández se hizo con los derechos de la obra de Chirbes pero nunca llegó a hablar con el autor sobre la adaptación. Ambos coincidieron en un seminario literario en Menorca, cuando el actor ya contaba con una primera versión. «Hablamos largo y tendido sobre vida y literatura, pero ni yo saqué el tema ni él tampoco», ha señalado sobre esta adaptación que llevó tres años y nueve versiones distintas. El director ha hablado de una obra que mezcla tanto el costumbrismo de Pérez Galdós –a quien Chirbes admiraba– como el tremendismo de Cela, con la vista puesta en mostrar que «todos somos cómplices de lo que ocurre» en España, tal y como ha aseverado el actor Rafael Calatayud, quien da vida a Francisco, el amigo de juventud de Esteban. En esta misma línea, Yoima Valdés (Liliana en la obra, mujer colombiana que ayuda a Esteban en la casa), reconoce que los personajes de Chirbes son «feos de ver». «Muestra los cadáveres de la crisis, lo peor de cada persona en una situación bastante difícil, y el dinero es el factor fundamental que hace que todos se muevan», ha señalado. «Chorizos de poca monta» Para Fernández, ‘En la orilla’ «no tiene esperanza», pero es algo que han buscado desde el principio. «Hemos sacada un producto triste, pero es que es lo que queríamos hacer: había que ser coherentes con Chirbes», ha indicado el actor. Esta obra ya se estrenó en la Comunidad Valenciana y contó con la presencia de los sobrinos de Chirbes, que felicitaron a los responsables de la adaptación. «A Trump le han votado millones de personas que son xenófobos, racista y ríen las gracias de este demente, y aquí se vota a corruptos porque en el fondo se piensa igual que ellos. En esta obra pasa eso, hay chorizos de poca monta que han robado en la medida de sus posibilidades», ha añadido. No obstante, ha insistido en la idea de que «no es teatro político, sino actual», remarcando que en la obra no aparece ningún personaje dedicado a la política...

  El ministro de Educación, Cultura y Deporte, Íñigo Méndez de Vigo, ha descubierto este lunes 17 de abril una placa conmemorativa en homenaje a la actriz María Guerrero en el teatro al que da su nombre y que también es sede del Centro Dramático Nacional, con motivo del 150 aniversario de su nacimiento. En el acto, además de Méndez de Vigo, han participado la alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena, y el director del Centro Dramático Nacional, Ernesto Caballero. También estaban presentes las dos nietas de la actriz y varios bisnietos. Esta placa supone el pistoletazo de salida para una serie de reconocimientos en torno a Guerrero, en los que también participarán el Museo del Prado o RNE. «Aquí vivió y murió María Guerrero (1867-1928), gran actriz, empresaria e impulsora del Teatro Español», recuerda la placa que luce encima de una foto de la actriz en blanco y negro. María Guerrero compró el Teatro de La Princesa en 1908 –que también usó como vivienda junto a su marido desde 1917– y pasó a llamarse con su nombre tras su fallecimiento en el año 1928. «Tuvo una vida orientada al teatro y para hacer felices a los demás, no solo en España sino allende los mares. Debemos un reconocimiento a esta gran mujer por la semilla que dejó, espero que los afectos y aplausos sigan resonando hoy en nuestros oídos», ha señalado Méndez de Vigo en su discurso. Por su parte, Carmena ha pedido «identificarse» con una mujer «de mirada profunda y que todavía está entre nosotros». «María Guerrero sabía mucho de su alma y de su interior y por eso era capaz de dar vida a otras almas. Fue una gran artista, empresaria y mujer moderna», ha concluido, tras resaltar la «capacidad enorme de entender» que se percibe al observar fotos de Guerrero. Mientras, Caballero ha resaltado la «autoexigencia y fe» en el teatro de esta actriz, que abrió el camino a muchas mujeres emprendedoras en la cultura. «María Guerrero es un mito de nuestra cultura. Gracias por tu ejemplo, brava, reina de los escenarios», ha señalado el director del CDN. Tras este acto, ha tenido lugar una ofrenda floral en el Cementerio de la Almudena. Además, otras instituciones se han sumado a la celebración, como el Museo del Prado, que celebrará una conferencia a propósito de los tres retratos de la actriz albergados en sus salas. Asimismo, Radio Nacional de España emitirá un programa especial sobre María Guerrero. Biografía María Guerrero María Guerrero ha sido una de las mejores actrices de la escena española. Se preocupó tanto de representar a los autores clásicos como de dar oportunidad a nuevos talentos, y con unos y otros consiguió grandes éxitos. Se casó en 1896 con el actor y aristócrata, dos veces Grande de España, Fernando Díaz de Mendoza, y tuvo dos hijos, Luis Fernando nacido en 1897 y Carlos Fernando en 1898. El matrimonio formó la compañía Guerrero Díaz de Mendoza que mantuvo una intensa actividad teatral. Hizo numerosas giras por Europa e Hispanoamérica. Comenzaron gestionando el Teatro Español de Madrid pero en 1908 se decidieron a comprar el Teatro de La Princesa. Años más tarde, en 1917, lo convirtieron en su vivienda. María Guerrero interpretó con éxito a nuestros clásicos, como en ‘La dama boba’ de Lope de Vega. Hizo exclamar a José Zorrilla, ¡esta es mi Doña Inés!, ¡Con la que siempre había soñado! cuando la vio en su Don Juan Tenorio. Tuvo interpretaciones memorables con los autores de la época como ‘La Malquerida’ de Jacinto Benavente, ‘Malvaloca’ de los Hermanos Álvarez Quintero o ‘Doña María la Brava’ de Eduardo Marquina. Repertorio de más de 200 títulos Su amplio repertorio contaba con más de 200 títulos. La compañía, con La Guerrero a la cabeza, realizó 24 giras por Hispanoamérica y en Buenos Aires costearon la construcción del Teatro Cervantes, que inauguraron en 1921. La que dicen es la mujer más retratada de España, conoció en vida el reconocimiento y cariño del pueblo, ya que le fue otorgada la Gran Cruz de Alfonso XII y fue nombrada hija predilecta de Madrid. María Guerrero falleció el 23 de enero de 1928 en su vivienda del Teatro de la Princesa. En 1931, el Ayuntamiento de Madrid decidió cambiar el nombre del teatro. Dejó de llamarse de La Princesa para adoptar el que mantiene, Teatro María Guerrero, sede del Centro Dramático Nacional, en recuerdo y homenaje a la gran actriz y empresaria teatral...

Texto: Nota de Prensa / Fotografía: Alfredo Sanzol y Andrés Lima presentan dos textos de nueva creación que inciden en el humor, sus mecanismos y su capacidad de reflexión Junto a estos dos espectáculos Dan Jemmett prepara un menú parateatral que ofrecerá a los espectadores la posibilidad de vivir 11 experiencias escénicas diferentes El Teatro de la Ciudad, Premio Max 2016 a la Mejor Producción Privada de Artes Escénicas, regresa a La Abadía, coproductor del proyecto, después de acometer la investigación sobre la tragedia griega en su primera temporada (Medea, Antígona y Edipo Rey). Para la presente temporada Alfredo Sanzol, Andrés Lima y todo su equipo se enfrentan ahora al reto de desentrañar la comedia. A lo largo de este último año se ha realizado un total de ocho talleres para profundizar en el arte de hacer reír, en el sentido del humor, en la risa. ¿Es la comedia constructiva? ¿Por qué el paso del tiempo transforma la tragedia en comedia?… “Cuando pase el tiempo nos reiremos de esto”, decía ella llorando a moco tendido. ¿Es menos profunda la comedia que la tragedia? ¿Cómo se hace reír? ¿Qué diferencia hay entre un payaso y un bufón, entre un comediante y un clown? ¿Es el sentido del humor una forma de ver la vida? ¿Y de vivirla? El proceso culmina con la producción de dos espectáculos de nueva creación que se exhibirán en ambas salas del Teatro de La Abadía desde finales del mes de abril. Cada uno a su manera y con el sello de su autoría, jugarán con motivos y tramas de la comedia de Shakespeare, el indiscutible maestro que recoge no solo la tradición clásica sino también la de la commedia dell’arte, los cómicos ambulantes y las historias tardomedievales de figuras como Boccaccio. Desde el 27 de abril al 4 de junio podremos ver a Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Javier Lara, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón en La Ternura, de Alfredo Sanzol, en la Sala José Luis Alonso. El Sueño de Andrés Lima podrá verse en la Sala Juan de la Cruz del 10 de mayo al 18 de junio con Chema Adeva, Laura Galán, Nathalie Poza, Ainhoa Santamaría y María Vázquez en el reparto. Aperitivos shakesperianos a cargo de Dan Jemmett Junto a los dos montajes y a modo de enlace entre ellos Dan Jemmett prepara un menú parateatral que ofrecerá a los asistentes la posibilidad de vivir 11 experiencias escénicas diferentes. Moviéndose por diferentes partes del jardín de La Abadía a partir del momento en que ambos espectáculos estén en cartel, Jesús Barranco interpretará a un ser indefinido, ni hombre ni mujer, mitad Puck mitad Calibán, que brindará a gusto del consumidor acciones lúdicas relacionadas con el amor, el deseo, la vida de pareja, con resonancias de Shakespeare y actuales. Partiendo del Manifiesto Contrasexual de Paul B Preciados, Puck/Barranco, alegre y transgresor, improvisa sus actuaciones a la venta. Todo dependerá de lo que pase en la tarde… Dependerá de cómo se relacione con el espectador y hasta dónde esté dispuesto el espectador a dejarse llevar. Todo será posible en este espectáculo o invasión escénica que tendrá lugar antes, durante y después de las dos funciones. La Ternura, amores posibles en situaciones imposibles El primero en estrenar será Alfredo Sanzol con La Ternura, una comedia romántica de aventuras en la que intenta trasladar la imposibilidad de protegernos del daño que produce el amor, porque si queremos amar nos tenemos que arriesgar a sufrir. Tampoco los padres pueden proteger a los hijos del sufrimiento de la vida porque eso pone en peligro la vivencia de una vida plena. Para Sanzol el espectáculo se llama La Ternura “porque habla de la fuerza y de la valentía para amar. La ternura es la manera en la que el amor se expresa. Sin ternura el amor no se ve. La ternura son las caricias, la escucha, los pequeños gestos, las sonrisas, los besos, la espera, el respeto, la delicadeza. Una sociedad sin ternura es una sociedad en guerra”. La Ternura cuenta la historia de una reina algo maga y sus dos hijas princesas que viajan en la Armada Invencible obligadas por Felipe II a casarse en matrimonios de conveniencia con nobles ingleses una vez que se lograse con éxito la invasión de Inglaterra. La Reina Esmeralda odia a los hombres porque siempre han condicionado su vida y le han quitado la libertad, así que no está dispuesta a que sus hijas tenga el mismo destino que ella. Cuando la Armada pasa cerca de una isla que La Reina considera desierta crea una tempestad que hunde el barco en el que viajan. Su plan es quedarse a vivir en esa isla con sus hijas para no volver a ver un hombre en su vida. El problema es que eligen una isla en la que desde hace veinte años viven un  leñador con sus dos hijos que huyeron allí para no volver a ver una mujer en su vida. En cuanto la reina y las dos princesas descubren que no están solas se visten de hombres para protegerse. Y aquí comienzan las aventuras, los líos, los enamoramientos, y las confusiones. En La Ternura se ve la influencia sobre todo de La Tempestad, y de Noche de Reyes, pero  también de Como gustéis, de Mucho ruido y pocas nueces y del Sueño de una noche de verano. El juego, el engaño, los cambios de identidad, la confusión de personalidades, los espacios como elementos mágicos, los bosques, las islas… todo ello forma parte del imaginario shakesperiano interiorizado por Sanzol: “Quiero que La Ternura sea una comedia romántica con islas desiertas, naufragios monumentales, reyes frágiles, y reinas soñadoras, leñadores miedosos y pastoras tempestuosas, seres mágicos, situaciones imposibles, amores posibles, cambios de identidad, pasiones desatadas, odios irracionales, deseos incendiarios, giros sorprendentes, fantasmas borrachos, apariciones, desapariciones, encuentros, desencuentros y un deseo que une a todos: el deseo de encontrar La Ternura como sea, donde sea, con quien sea”. Una vez más el director se rodea de su equipo de confianza, no solo en el reparto (Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Javier Lara, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón) sino en la escenografía y vestuario, a cardo de Alejandro Andújar, la iluminación de Pedro Yagüe y la música de Fernando Velázquez. Sueño, comedia muy trágica Andrés Lima ya se ha acercado en varias ocasiones al humor y al horror de Shakespeare, en torno a las figuras de Falstaff, Tito Andrónico y Macbeth. Ahora se busca su propio camino a través del bosque del Sueño de una noche de verano, conectando el pálpito del “eros” y “thánatos” de esta comedia con un recuerdo personal de otra naturaleza bien distinta, cuando falleció su padre. Y así, seguramente, se ampliará aún más el mundo de contrastes que impera en la obra original de Shakespeare, escrita curiosamente en medio del invierno, pese al título y a la temperatura que exhala: la delicadeza humana y el instinto animal, lo etéreo y lo terrenal, lo onírico y lo banal, el artificio frente a lo natural, el desenfreno y lo racional, el deseo y lo real.” En la versión de Andrés Lima un viejo recuerda. Un viejo le cuenta a una loca su vida. Parece un sueño. De joven se enamoró de Elena, la reina de la hermosura, que es muy fea. Y su amiga Titania, amiga de él y hermana de ella, se enamoró de su amigo, de él, Javier, que se convirtió en un asno y rebuznaba poemas de amor de Shelley para Elena, pues despreciaba a Titania, diosa enana. Elena, bella fea, que quería al que no le quería, ora si ora no, porque es caprichosa como las ostras o las setas. La música trance les envuelve en el bosque y el deseo les consume en la residencia de ancianos. Solo la loquita mantiene la cabeza sobre los hombros… y acompaña al viejo a una buena muerte. Lima reflexiona: “¿Por qué decimos ‘te necesito’? ¿Cuál fue tu primer amor? ¿Qué te vuelve loco: un amor no correspondido o una vida no vivida? ¿Por qué nos intranquilizan los locos?, ¿y los simples? ¿Qué hay después de la muerte? ¿Y antes? Quiere esta comedia mirar el placer y el dolor y darle sentido a este baño de sensaciones que puede ser el amor a la vida”. Nuevos conceptos para volver a las raíces Teatro de la Ciudad es un proyecto concebido como una apuesta por la investigación, reflexión, creación, producción y exhibición del teatro contemporáneo. El proyecto aglutina toda la experiencia profesional de los impulsores y de sus equipos. Condicionados por el tiempo convulso en que vivimos, proponen hacer un teatro riguroso, de calidad, que no sólo dependa del éxito de taquilla. Un teatro que nace del deseo de vincular la formación y la exploración compartida a la creación y presentación de espectáculos. Nuevos conceptos para volver a las raíces… Después de la grata aventura conjunta de adentrarse en las tragedias grecolatinas, el Teatro de La Abadía coproduce y acoge al TdlC, que aúna la energía y el talento de Andrés Lima y Alfredo Sanzol y sus respectivos equipos, abiertos a sumar a otros creadores, como es el caso de Dan Jemmett en la presente temporada. Un teatro que parte de una premisa afín a La Abadía, el deseo de vincular la formación y la exploración compartida a la creación y presentación de espectáculos...

Texto: Agencia / Fotografía: Teatros del Canal Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid han presentado este martes 11 de abril la obra ‘El Pack’, una comedia escrita y dirigida por Áurea Martínez e interpretada por nueve actores pero sólo con una (Marta Solaz) en escena. «Soy humana, si me equivoco que valoren que estoy actuando con una máquina», ha señalado la actriz protagonista. El montaje, que estará en la Sala Negra del 17 de abril al 7 de mayo, cuenta con una tecnología digital que no es sólo un elemento escenográfico, sino que es un personaje más de la obra, inseparable de la temática que plantea, que es la deriva de las relaciones humanas en la época de las redes interconectadas. La obra, que se estrenó en marzo de 2015 en La Habana (República de Cuba), utiliza diferentes recursos dramáticos y audiovisuales, mezclando la escenografía, la iluminación o la música con las nuevas tecnologías digitales, que interactúan con la fuerza dramática de la protagonista. Los actores virtuales que aparecen en pantalla durante la representación son Sergio Peris-Mencheta, Ana Rayo, Manuela Vellés, Laura Gómez-LaCueva, Félix Gómez, María José Moreno, María Forqué, Jorge Usón y las voces de María Vázquez, Lorena Berdún y Nacho Rubio. Primera vez sola en escena Durante el acto de presentación, Marta Solaz ha afirmado que es la «primera vez» que está sola en escena. Además, ha comentado que cuando leyó el guión le «gustó mucho», por lo que hizo la obra aunque acababa de tener un hijo. Sobre los recursos con los que cuentan, ha declarado que han hecho un «menos es más sacando partido de la esencia de la obra». «Ha sido un proceso de coger la obra y llevarla a algo teatral», ha dicho la actriz. Para Solaz, su personaje «no necesita salir de casa» porque tiene una pantalla con la que se relaciona con el mundo exterior. «Es algo muy marciano pero hay algunas personas que les pasa esto», ha afirmado. La comunicación en la era de la comunicación En este sentido, ha destacado que las personas, al igual que su personaje, dependen de «una extensión que es el móvil», que si falla «sienten ansiedad». La actriz ha añadido que la obra «va sobre las relaciones» y que es «más sencillo» pedir disculpas «por Whatsapp que a la cara». En la misma línea, la directora Áurea Martínez ha declarado que la obra «va de la comunicación en la era de la comunicación», y que las nuevas tecnologías es algo que facilita la vida «a todos» pero que también «genera cierta inquietud». Por ello, ha añadido que la obra es «una reflexión sobre la era digital» y sobre «cómo las nuevas tecnologías afectan a las relaciones personales». El título de la obra, ‘El Pack’, es para la directora «como la letra pequeña de los contratos», ya que hace referencia a algo que «no viene incluido». «Es algo de lo que no somos conscientes y te lo comes con patatas», ha dicho. Acogida «impresionante» en La Habana Por otro lado, Áurea Martínez ha recordado el estreno en La Habana y ha resaltado que la acogida que tuvo fue «impresionante», sobre todo por la gente joven, ya que, en su opinión, les «encanta» la obra porque tiene «un código que les interesa». Además, ha señalado que la obra con tres actores habría sido «mucho más sencilla» que llevar «todo el tinglao», en referencia a los recursos audiovisuales necesarios para representar la pieza. Por su parte, la encargada de la composición musical, Carmen París, ha resaltado que esta experiencia ha sido para ella «todo un reto» porque «nunca» había hecho «toda» la música electrónica. Asimismo, ha señalado que este «experimento» ha sido «muy divertido», y que hay un momento en el que los sonidos son «orgánicos completamente». Además, París se ha definido como una persona «bastante troglodita» por no haberse adaptado a las nuevas tecnologías, por lo que se ha dado cuenta de que se ha convertido «en un perro verde». «Para mí es un hecho que la comunicación humana ha empeorado, por eso me interesó tanto el proyecto de Áurea», ha concluido. El pack from Joe Alonso on Vimeo...

Texto: Nota de Prensa / Fotografía: Aisge La actriz barcelonesa Alicia Agut, de 87 años, ha fallecido este viernes 7 de abril en el hospital madrileño de Nuestra Señora de América, donde llevaba ingresada desde el pasado martes 4 de abril por complicaciones respiratorias, según ha informado AISGE en un comunicado. La actriz, nacida en Barcelona el 7 de septiembre de 1929, debuto en teatro con clásicos de la escena como Lorca, Lope de Vega, Tennessee Williams, Eugene O’Neill, Jacques Deval o Shakespeare, con la Compañía Festivales de España bajo la dirección de José Tamayo. En 1977, a las órdenes de Adolfo Marsillach, colaboró en el montaje de ‘Las arrecogías del beatario de Santa María Egipciana’, un texto de José Martín Recuerda sobre la heroína liberal Mariana Pineda que no había podido ser estrenado hasta la llegada de la democracia. Antes, había trabajado con Miguel Narros en ‘Anillos para una dama’, obra que le valió a su director el Premio Teatral Radio España en 1974 y al montaje, el de mejor obra española. Cuatro años después se puso bajo la dirección de José Luis Gómez en ‘Bodas que fueron famosas del Pingajo y la Fandanga’, primera representación del Centro Dramático Nacional. Además, en otoño de 1985, también con Gómez, representó en Almería la tragedia que inspiró a García Lorca para escribir ‘Bodas de sangre’. Con el director teatral Joaquín Vida -ayudante que fuera de Fernán-Gómez, Narros y José Luis Gómez, de los que aprendió el oficio- repitió hasta en seis ocasiones. La última, ‘La malquerida’, de Jacinto Benavente, en 2000. Desde entonces, la actriz catalana colaboró en el debut teatral de Gonzalo Suárez con ‘Arsénico, por favor’. La obra, basada en el clásico del cine de Frank Capra, ‘Arsénico, por compasión’, provenía de un texto teatral, ‘Cadáveres en nuestra bodega’, del dramaturgo norteamericano Joseph Kesserling...

Escrito por: Nota de Prensa / Fotografía: Masescena Lolita Fores y el actor hispanoargentino Luis Mottola estrenarán el próximo 20 de abril la obra ‘Prefiero que seamos amigos’, bajo la dirección de la Tamzin Townsend, que ha llevado al escenario obras como ‘Bones Festes’, ‘La última sesión de Freud’ o ‘Un dios salvaje’, entre otras. En esta ocasión, se trata de un espectáculo ideado por el cómico y dramaturgo francés Laurent Ruquier que en el país vecino ha tenido más de 300 representaciones y en torno a 5 millones de espectadores, gracias . La obra se estrenará en el Teatro La Latina de Madrid, donde permanecerá hasta el 25 de junio, para hacer después un recorrido por los escenarios de varias comunidades autónomas. «Iremos por el norte, Castilla, Andalucía, Valencia, Zaragoza… Vamos a a recorrer España entera», ha asegurado Lolita Flores. ‘Prefiero que seamos amigos’, según ha explicado la directora de la obra, cuenta la historia de «dos personajes fabulosos, valientes y fuertes», Claudia y Valentín, con una historia en común «muy bonita» que, además, «está llena de sorpresas». «Es una obra que se estrenó en Francia con muchísimo éxito. Me pasó Jesús Cimarro la obra en navidad, la leí y dije: ‘¡Qué bonito, me encanta!’ Además, trabajar con Lolita y Luis… ¡Me pareció todo muy bonito!», ha explicado la directora de origen británico. El núcleo de la obra gira en torno a la amistad entre Claudia (encarnada por Lolita Flores) y Valentín (a quien dará vida Luis Mottola), ambos por encima de los 50 años y amigos desde hace tiempo. «Mi personaje es Claudia, una mujer más o menos de mi edad, año arriba año abajo, que tiene una floristería y que es una mujer con una serie de sentimientos que decide un día plasmárselo a su mejor amigo», ha explicado Flores. A raíz de eso, Valentin verá como «empiezan a romperse reglas» y se producen «enfrentamientos, combate de palabras y acuerdos y desacuerdos». «Hay vida después de los 50» «En esa conversación empiezan a salir cosas que no sabían el uno del otro y eso genera una grieta, unas partes de la obra que no puedo contar pero sí puedo decir que acaba bien. No puedo decir por qué acaba bien pero acaba bien», ha adelantado la actriz que señala que una de las conclusiones de la obra es que «hay vida después de los 50» tanto para los hombres como para las mujeres. «Únicamente, hay que ser coherente con los sentimientos de uno y ya está. Ponerse el mundo por montera y tirar para adelante», ha indicado. Por su parte, Mottola ha prometido una comedia romántica «con el poder sostener una sonrisa durante una hora y media» pese a que habrá momentos cómicos y momentos que no lo sean. «La idea es empatizar absolutamente. Que sea una obra muy cercana, muy humana, y que el asistente pueda identificarse no solamente con la situación sino también con las emociones que tienen estos personajes. Que vengan a pasársela bien, que de eso se trata», ha subrayado el actor. Según han explicado los dos protagonistas de ‘Prefiero que seamos amigos’, la idea de poner en marcha l espectáculo surgió a raíz de la colaboración que ambos, Lolita y Luis, realizaron en un corto titulado ‘Carne’ en 2016. «Queríamos hacer teatro y tuvimos la suerte de que Jesús Cimarro tenía esta obra en su poder. Me la pasó, la leímos, nos gustó y ya está –ha explicado Flores–. A veces las cosas son así. Es simplemente querer hacer algo y cuando llega a tus manos algo que te apetece hacer y es una obra divertida y encima tenemos una buena directora y somos dos actores que nos entendemos muy bien en el escenario. Pues no hay más, somos actores y hay que trabajar». Finalmente, el espectáculo se estrenará este mes de abril con la coproducción de Pentación, Bitó y Focus y con Ricardo Sánchez Cuerda como responsable de la escenografía; Felipe Ramos, en la iluminación; Gabriela Salaberri, de vestuario; y el propio Jesús Cimarro como productor...

Texto: Nota de Prensa / Fotografía: Masescena El Teatro Español acoge desde el próximo día 19 de abril la primera edición del ciclo ZIP, en el que siete compañías de teatro mostrarán ocho propuestas diferentes de teatro de vanguardia procedente de distintos puntos de España. «Estas compañías buscan un lenguaje que rompa con lo convencional y que explique este mundo caótico hasta un límite extraordinario. Por eso lo llamamos teatro radical», ha afirmado la directora artística del Teatro Español, Carme Portaceli. Durante los cinco días, las siete compañías «okuparán» todo el edificio del teatro, desplegando sus propuestas en sus diferentes espacios, incluidas las salas de ensayo y la propia Plaza de Santa Ana de Madrid. En este sentido, Portaceli ha señalado que utilizan la palabra «okupa» con ‘k’ porque son los artistas los que van eligiendo dónde se van situando para ofrecer al público «una especie de menú degustación del teatro radical». En la misma línea, ha destacado que tienen ocho espectáculos en cinco días de una manera «muy comprimida» de un teatro que «no es muy habitual», y ha comentado que un teatro público «tiene que estar» al lado de la gente joven porque es «la que cambiará el mundo». «Al Teatro Español lo que le gustaría de verdad sería ser el centro de una red en la que este tipo de teatro pueda girar por toda España», ha dicho. El ciclo comenzará el próximo día 19 de abril con las funciones ‘Kokoro’, una propuesta en la que Lali Ayguadé dirige a un cuarteto de bailarines; y ‘Pregón’, una peregrinación de Vértebro enmarcada dentro del proyecto ‘Díptico por la Identidad’. La compañía Obskené representará el día 20 ‘Anar de carenes al cel’, una propuesta polifónica entre el teatro, el cine documental y la música en directo. Por su parte, la creadora y coreógrafa Louisa Merino dirige los días 20 y 21 ‘The course of memory’, una pieza documental a medio camino entre las artes escénicas y las artes plásticas, que parte de un trabajo con voluntarios en cada ciudad en la que se representa. Durante los días 21 y 22, el escenario de la Sala Principal acogerá ‘Wohnwagen’, un espectáculo estrenado en Berlín con integrantes del P14, el grupo joven de experimentación del teatro Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz; y en la Plaza de Santa Ana la compañía Cabosanroque presentará ‘Mural sonoro’, dos conciertos gratuitos que ofrecerá el colectivo musical procedente de Barcelona. Completan el ciclo los espectáculos ‘Extraños mares arden’, un documental escénico de Txalo Toloza-Fernández en colaboración con Laida Azkon, los días 22 y 23; y ‘Faena’, el día 23, que es, al igual que ‘Pregón’, una peregrinación de Vértebro de su proyecto ‘Díptico por la identidad’. Un espectáculo de 360º Durante el acto de presentación de ZIP, el integrante del espectáculo ‘Wohnwagen’ Marc Salicrú, ha subrayado que van a contar, desde su visión, una historia que habla de un amor del siglo XXI, un amor «un poco inmaduro». «Va a ser una obra de 360º», ha manifestado. Por su parte, la directora de ‘Anar de carnes al cel’, Judith Pujol, ha dicho que está «muy contenta» por hacer la función en español, y ha comentado que van a «beber y comer mucho» porque el espectáculo es un «gran brindis». Por ello, ha añadido que querían que el vino «estuviera presente». Asimismo, el miembro de Vértebro Juan Diego Calzada, ha afirmado que en sus espectáculos, ‘Faena’ y ‘Pregón’, han querido contar con familiares como invitados, ya que, en su opinión, tienen una calidad en escena a la que ellos saben que no van a llegar por estar «ya deformados». «Va a ser una experiencia muy enriquecedora», ha dicho. Por último, la creadora y coreógrafa de ‘The course of memory’, Louisa Merino, ha comentado que trabaja «con personas mayores», con las que ha intentado hacer un relato a partir de hechos de su biografía y de las historias que le han contado otras personas...

Texto: Nota de Prensa / Fotografía CNTC El actor Juan Echanove lleva al Teatro de la Comedia los ‘Sueños’ de Quevedo, una versión libre del texto del autor del Siglo de Oro que aporta una visión contemporánea tras pasar por las manos del director Gerardo Vera, quien habla de «un ‘Informe Semanal’ del siglo XVII». «Cada palabra sonará como un mazazo, como si fuera un telediario de hoy. Está todo Quevedo, su reflexión sobre los pobres, sobre los reyes que en vez de mandar duermen, o esos validos que son las polillas de España», ha explicado Vera, quien considera que los textos quevedianos suponen «un monumento filosófico y moral». Por primera vez, la Compañía Nacional de Teatro Clásico incorpora –en una coproducción con La llave maestra – Traspasos Kultur– desde el próximo 7 de abril y hasta el 7 de mayo a Quevedo a su repertorio. El director de la obra ha explicado que se ha embarcado en «esta aventura» por la necesidad de reivindicar a «uno de los grandes maestros». «Ahora, en este momento de indignidad moral, estos grandes maestros son los que tienen que alumbrarnos el camino. Está todo tan removido como en la decadencia del siglo XVII», ha señalado. Vera ha remarcado que la obra de Quevedo fue escrita en un momento en el que el Imperio español «se desmoronaba» y, por lo tanto, sus textos tienen algo de «viaje al futuro donde todavía se reconoce el momento barroco». Echanove saldrá a las tablas totalmente vestido de blanco y con los anteojos tan reconocibles del creador del ‘Buscón’, lleno de llagas en los pies y con aspecto cansado, acompañado por un elenco de actores que representan desde el diablo o el Duque de Osuna hasta la envidia o el dinero. «Interpretar ahora a Quevedo me ha enseñado un nuevo dolor físico y el amor desbocado: tenía una tendencia infinita a identificarlos. Duele hacer Quevedo y cada vez que termino con este papel me duele hasta el pelo: el amor doliente es el más grande impulso que puede tener un ser humano», ha defendido el actor. Felini, influencia para Quevedo Echanove ha asegurado que, como a Miguel de Unamuno, a él también le «duele España», pero en este caso para reivindicar su compromiso con el teatro. «Me duele España pero a través del teatro, solo lo entiendo como una entrega absoluta y lo único que me interesa cuando me embarco en papeles como éste no es el éxito, sino hacer que alguien quiera volver a otra obra de teatro», ha apuntado. La adaptación que ha hecho José Luis Collado de los cinco ‘sueños’ abarcan reflexiones filosóficas, pero también «la vida real e imaginada» del escritor, su poesía e incluso influencias como Fellini –aunque Collado matice que al final ésta «quede muy diluida»–. Tal y como ha explicado Vera, la adaptación «imposible» de los ‘sueños’ ha sido «muy complicada», ya que no se cuenta «con un colchón» como en otras obras de autores reconocidos como Shakespeare, al no ser dramaturgia. «Se ha creado una estructura y un armazón donde encajar todo», ha insistido Collado, quien ha hablado de hasta 20 versiones del texto. ‘Nacer es empezar a morir’ «Si hace un año me dicen que el resultado iba a ser esto, igual no estaba aquí, ha sido extenuante y hemos estado al borde de tirar la toalla, pero el resultado ha merecido la pena», ha señalado el responsable de esta adaptación libre. Tanto Vera como Echanove han coincidido en remarcar esta dificultad durante el proceso de creación, con llamadas «habituales» a las 3 o las 4 de la mañana. «Al principio fue un viaje muy amorfo, pero nos lanzamos y el resultado final es este viaje por el pensamiento, alma y venas de Quevedo», ha afirmado Lucía Quintana, quien llevará a escena el papel de Aminta, la amante de un autor «amargo como su frase ‘nacer es empezar a morir'»...

  Texto: Agencia / Fotografía: Masescena La actriz Irene Escolar lleva a las tablas del Pavón Teatro Kamikaze la obra ‘Blackbird’, de David Harrower, un texto en el que una pareja se reencuentra después de quince años para cerrar las «heridas profundas» que les dejó su relación y en la que se habla del «deseo, la pérdida y el amor», según la actriz. ‘Blackbird’ se enmarca dentro del Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid y estará en el Pavón hasta el próximo 7 de abril. La historia gira en torno al inesperado reencuentro de los protagonistas, Una y Ray, que pone en peligro sus vidas actuales y «tensa la comodidad dentro del orden moral establecido». Escolar adquirió los derechos de la obra hace ya tres años y consiguió el apoyo de la Comunidad de Madrid para ponerla en pie. «Es un texto representado en todo el mundo y para mí supone el proyecto más personal que he sacado adelante. Me costó mucho encontrar a alguien que apostara por esto», ha señalado. La actriz está acompañada en el escenario por José Luis Torrijo y bajo la dirección de Carlota Ferrer. Para la adaptación «respetuosa» de este texto –en verso libre–, se ha contado con José Manuel Mora, quien ha reconocido que esta obra tiene «algo de terrible e insoportable, pero con lo que los humanos se sienten identificados». En tiempo real Para Ferrer, que ha insistido en la importancia de no desvelar mucho del argumento, la clave reside en la «construcción de un puzzle» a través del diálogo que establecen los protagonistas. A lo largo de una hora y media –‘Blackbird’ transcurre en tiempo real–, Una se enfrentará a sus demonios al presentarse en el lugar de trabajo de Ray. «¿Cómo sería un encuentro entre estas dos personas que llevan tanto sin verse? Uno seguro que lleva muchas cosas preparadas, pero a la hora de la verdad, cuando tienes delante a la otra persona, igual dices lo contrario, porque mentimos mucho. Y una vez el espectador sepa lo ocurrido, cada uno hará su juicio moral», ha señalado Ferrer. Un combate verbal Con una escenografía «cinematográfica» compuesta por dos planos en un mismo escenario y unas pequeñas casas que recomponen una urbanización en miniatura, Escolar ha apostado por un texto «contemporáneo sobre la psicología» del amor. «Son dos seres que consiguen sobrevivir al dolor y hay un combate verbal que sucede en el mismo espacio». La obra saldrá de gira por España una vez termine de representarse en el Pavón y es probable que vuelva a este teatro. Jaime de los Santos, director de la Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, ha resaltado la necesidad de que los poderes públicos se «impliquen más allá de subvenciones» en obras de este tipo. «El teatro es rebeldía, pero también esperanza», ha concluido...